TODOS PERDIERON AL GANAR LA PARTIDA

Cristina me lo pidió. Lu la apoyó en ello. Va por las dos.

En nuestro altar de la locura no solamente adoramos a los dioses del rock, sino también a otros dioses que forman parte de la vanguardia artística, entre los que ocupan un lugar destacado los escritores.

Hace algún tiempo, de la mano de un comentario de Cristina, surgió en este blog la idea de dedicar una entrada a los simbolistas franceses, que fueron una inagotable fuente de inspiración para muchos de los músicos que tanto nos gustan por aquí. Y como todos esos poetas han formado parte de mi literatura favorita desde que en sexto de bachiller, en la asignatura de francés, en vez de gramática, lo que dimos fue literatura francesa, pensé que no estaría mal hacerlo. Y además, algunos de vosotros aún me espoleasteis más…

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Lou Reed – “Walk on the wild side”

Durante una gran parte del siglo XX París fue el centro artístico del mundo, allí se desarrolló el cubismo de Picasso, el dadaísmo de Tzara, el neoclasicismo de Stravinsky y, fundamentalmente, el simbolismo de Baudelaire, Verlaine, Rimbaud… poetas visionarios, perturbadores, malditos…

La Segunda Guerra Mundial rompió en pedazos el halo de romanticismo de París y el relevo surgió al otro lado del Atlántico con conceptos renovados que poco a poco, a través de poco más de un par de décadas, se fueron aglutinando desde la aridez de escritores como Dos Pasos hasta el enjambre de músicos lunáticos que intentaban sobrevivir cada día en la colmena de New York.

La música de esta ciudad tenía un carisma especial. Mientras en la Costa Oeste los músicos hablaban de paz, flores y fraternidad, la metrópolis desmedida neoyorkina se poblaba de zombies, de mentes feroces y peligrosas, inmersas en la misma ola de malditismo, pasión y angustia que aquellos franceses sacudidos de violencia que encendían las calles con su poesía.

He engullido un estupendo trago de veneno.
Sea tres veces bendito el consejo que me ha llegado.
Las entrañas me arden.
La violencia del veneno retuerce mis miembros,
me vuelve deforme, me abate.
Muero de sed, me ahogo, no puedo gritar.

(Rimbaud. “Una temporada en el infierno”)

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Velvet Underground – “Heroin”

He tomado una importante decisión:
voy a tratar de anular mi vida.

La muerte y el sexo han sido siempre dos de las principales fuentes de inspiración para los músicos y los escritores. Y a través de ellas Lou Reed y sus colegas de la Velvet Underground crearon en sus discos uno de los mayores infiernos de perversidad que uno pueda imaginarse. La profanación musical a través del ruido, la violencia como acto de autosabotaje para dar lugar a los siete minutos más obsesivos de la historia del rock: ese “Heroin” que tienes ahí más arriba.

Rimbaud apostó por la derrota; se paseó por todo lo largo y ancho del camino peligroso, por el lado oscuro, por el lado del mal al que Lou Reed le dedicase su canción más famosa. Él mismo se convirtió en el mal en “Una temporada en el infierno”, versos salidos de los sueños enfermizos del adolescente de diecinueve años que era entonces.

Una noche senté a La Belleza en mis rodillas.
Y la encontré amarga.
Y la injurié.

(Rimbaud. “Una temporada en el infierno”)

La renuncia a la belleza, la elevación a los altares del caos y la autodestrucción reconvierte y reinventa el propio concepto que tenemos todos de lo que entendemos normalmente como bello. El mal era el auténtico paraíso para Lou Reed y para Rimbaud, la mayor fuente de creatividad para ambos…

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Lou Reed – “The bed”

Éste es el sitio donde solíamos vivir,
pagué por ello con amor y con sangre.
Y éstas son las cajas que ella ponía en el estante,
llenas de su poesía y de sus cosas.
Y ésta es la habitación donde cogió la cuchilla de afeitar
y se cortó las muñecas en aquella noche extraña y fatídica.

En la Velvet Underground, junto a Lou Reed había otro personaje capaz de recrear con el sonido o las palabras la mayor masacre o el pasaje más delicado. John Cale lo construía todo con trazos de pura y simple lírica.

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John Cale – “Santies”

Entonces oyó coros de ángeles.
Coros de ángeles cantando.
Ávidos ángeles
escupiendo gloria sobre su fracaso.
Aquel polvo estelar de fracaso,
como si fuese una medicina inútil.

Esa extraña dualidad que caracterizaba a John Cale, ese toque especial que poseía, parecía extraído directamente de “Las flores del mal”. Baudelaire era maldito y romántico, oscuro y vitalista a la vez. Escribía sobre la pasión con letra mayúscula y al mismo tiempo descubría el peligro de dejarse arrastrar por ella, recreándola en imágenes violentas.

Ha llegado el crepúsculo, buen amigo del crimen;
como un cómplice viene, quedamente.
Los cielos cierran lentos las puertas de la alcoba del aire,
y el que siente impaciencia se hace bestia feroz.

(Baudelaire “Las flores del mal”)

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Patti Smith – “Gloria”

Jesús murió por los pecados de alguien,
pero no por los míos…
Mis pecados los cometo yo,
me pertenecen a mí. A mí…

Rock’n’roll y muerte. Visiones de la locura de tantos y tantos perdedores. Asalto, saqueo, violación de la divinidad… Patti Smith surgió en 1975 como un latigazo de poesía y electricidad. Su primer disco, y quizás el mejor, “Horses”, reivindicaba a la vez la acometida sacrílega de Artaud y una forma de entender el rock como vehículo transmisor de sucio voltaje que la emparentaba a los Stooges, los MC-5, los New York Dolls… pero la intensidad y esa savia creativa de sus canciones, incapaz de surgir de la cordura, eran típicas de Antonin Artaud, el poeta que desde 1920, en que publicó sus primeros poemas, hasta que murió en 1948 totalmente desquiciado y desheredado del mundo, acuciado por la paranoia, las drogas y los tratamientos de electro-shock, dio forma a la descripción más brutal que se haya hecho jamás de la angustia humana.

Hay una angustia ácida y turbia,
poderosa como una navaja,
cuyo descuartizamiento pesa lo que la tierra;
una angustia en relámpagos,
con puntuación de abismos estrujados y tupidos como chinches,
como una especie de piojos duros
cuyos movimientos estén cuajados;
una angustia en la que la mente se ahorca
y se corta a sí misma. Se mata.

(Artaud. “El ombligo de los limbos”)

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Television – “Venus”

Television fue otro de los grupos básicos en los ’70. Nunca fueron los suficientemente apreciados, pero discos como “Marquee Moon” se agradecerán eternamente y canciones como “Venus” deberían ser de escucha obligatoria en los colegios.

A través de su banda, Tom Verlaine hizo el retrato de un mundo en decadencia y lo hizo a la perfección, sin arranques de histeria y con mucha sensibilidad, casi siempre llena de tristeza. Tom Verlaine construía sensaciones, atmósferas nocturnas, descriptivas, servidas con elegancia y con una gran madurez de música y texto. Poeta neoyorkino maldito, como también lo fue el poeta francés del que tomó el nombre, Paul Verlaine.

De maldito a maldito. El Verlaine francés tenía una poesía frágil y arranques iguales a los de Rimabud. Razón, demencia, elegancia a flor de piel…

Los vencidos se han dicho en la noche de sus mazmorras:
Ellos nos han encadenado, pero aún vivimos.
Mientras que las argollas nos encorvan los hombros,
en nuestras venas, buen tesoro, la sangre circula.

(Paul Verlaine. “Los vencidos”)

Tras abandonar Television, la carrera en solitario de Tom Verlaine no desmereció en absoluto de sus anteriores trabajos. Es más, sus canciones cobraron una dimensión aún más literaria. Eran apuntes, pasajes estremecedores de la realidad cotidiana. Y la palabra “tristeza” seguía siendo imprescindible para describir sus canciones, que se desvanecían en un colchón de guitarras eléctricas y afiladas. Impecables.

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Tom Verlaine – “Words from the front”

23 de enero,
Hace ya tres días y tres noches que llueve;
la carretera ha desaparecido,
el barro nos llega hasta las rodillas.
John murió ayer por la noche,
no tuvo muchas oportunidades
en manos de un cirujano borracho.
Es difícil saber quién es quién.
Los fuegos que encendemos
enseguida se consumen.
Nos movemos como en sueños,
y ahí están,
esperando que el general ordene el ataque,
cuatro mil hombres.
Si la suerte prevalece y me dan el permiso,
estaré en casa para el 17…

El paralelismo entre los músicos neoyorkinos más viscerales y los poetas franceses de los que tienen una extraña dependencia podría seguir con nombres como Jim Carroll, quien además de escribir textos completamente alejados de los tópicos en sus canciones lo hizo también en su libro autobiográfico “The basketball diaries” (“Diario de un rebelde” en español); como Lydia Lunch y su vómito sónico; como Sonic Youth y sus elegías al ruido y la autodestrucción; como Laurie Anderson, como David Byrne y sus canciones para el “Fear of music” de los Talking Heads… y con nombres como Apollinaire, Breton, Valery, sacrílegos, saboteadores, anarquistas de una estética nueva, la de la ruptura, el desorden, la derrota…

Pero quiero acabar con el nombre que me es más cercano porque incluso le conocí personalmente y tuve una larga conversación con él, Elliot Murphy.

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Elliot Murphy – “Lady Stiletto”

Veo a esa chica pequeñita vestida de negro
escupiendo en el escenario
y, como una gata perdida, arqueando la espalda.
Encabeza el desfile anarquista,
es una poetisa con rimas prostituidas.
Dicen que no tiene vergüenza
y cuando grita algo sobre una fábrica
sus ojos arden con la rabia de Rimbaud…

Devoto confeso de Lou Reed, Jim Morrison y los primeros Stones, Elliot era el cronista de las ciudades desesperadas. Sus discos son una dramática declaración de amor/odio al New York de los tipos más perdidos, de los visionarios como él… lee de nuevo la letra de la canción anterior y dime si no está describiendo a Patti Smith… su pequeño mundo de textos arriesgados y fatalistas es paralelo al de Jean Cocteau, quien, como Elliot, alternó la literatura y la música, con incursiones también en el dibujo, el cine, el teatro. Sus poemas, que comenzó a escribir en 1911, descubren una sensibilidad violenta, un mundo interior fuertemente influido por su adicción al opio y la muerte prematura de Raymond Radiguer, el poeta al que acogió como mentor y amor platónico… Cocteau era abiertamente homosexual y Raymond era un mujeriego que no dudaba en usar y tirar a las mujeres tras usarlas sexual y socialmente.

Abril. 1930.
En pleno cielo azul, de pie sobre una bola,
igual que el mundo hindú reposa sobre el elefante y las tortugas,
hay mundos que son personas de carne y hueso,
caparazones rosados, monstruos de soledad y de amor.

(Jean Cocteau. “Opio”)

Cocteau era un dandy. Y Elliot Murphy también; un Oscar Wilde del rock sobrevolando por encima de los vaivenes de una marea llamada decadencia.

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Elliot Myrphy – “Party girls and broken poets”

Desde la península
miramos al otro lado de la bahía.
Desde la península hablamos del ayer,
de las fiestas que han acabado,
de a quién se ligaron los chicos de la medianoche.
Y ahora me siento a mirar a las prostitutas,
de pie, junto a una cabina telefónica.
Para darnos un baño de luz de luna,
ella se desliza por la bahía.
Cogimos un coche,
dijimos: “nos encontraremos a mitad de camino”.
Y esperamos una hora.
Y la estuvieron buscando todo el día siguiente
pero no encontraron a nadie.
Algunas fiestas terminan así.

DAME DAME DAME PEDAZO DE SUEÑO

Miguel Angel y Silvio en familia
Intentando identificar a los que aparecen, de izqda a dcha: niño sin identificar, probablemente Sammy; Caroline; Silvio; Miguel Angel Iglesias; María Aparicio, mujer de Miguel Angel; joven sin identificar. – Foto cortesía Jeri Iglesias”

Mientras que los que compartieron escena con él viven, incluso desde el otro barrio, un momento dulce plagado de hagiografías en todos los formatos (libros, películas, discos, conciertos homenaje), sobre la figura de MIGUEL ANGEL IGLESIAS pende un cortante halo de silencio dificil de explicar. Aunque es cierto que la (aparente) diferencia de talento con compañeros suyos como Silvio o Triana haría dificil obtener el suficiente cuartelillo para un tratamiento del mismo calibre, el hecho de no poder encontrar en la web (y ni hablamos en otros soportes) más que unas mínimas referencias sobre Miguel Angel hace necesario crear, al menos, un tímido rincón donde puedan ir agrupándose los pocos datos que logremos juntar sobre su persona. Y, de forma descarada, sirva este post como toque para todo aquel que pudiera aportar algún tipo de recuerdo o testimonio (fotos o videos, principalmente) sobre el personaje que un día fue Miguel Angel Iglesias.

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Los Flotadores – Mete la mano (versión de un tema de Willy Colon, incluído en ‘Mas solo que la una’-1988)

Aunque Miguel Angel siempre anduvo entre la gente de la escena musical sevillana (como se muestra en la foto de arriba, donde aparece de pie detrás de Gualberto, junto a Antoñito Smash y un flautista pendiente de identificar), no empezaría a dejar testimonios (en audio o video) hasta mucho después. De hecho, sólo contamos con su versión de los hechos para confirmar que Miguel Angel participó haciendo percusiones en la canción que viene a continuación, pese a que su nombre no figura en los exiguos créditos del tema, cosa nada extraña en aquel tiempo. Aún así, parece distinguirse su particular jaleo sonando de fondo al final de la canción.

Ya puestos, ¿interpreta Silvio el bajo de esta canción, directamente inspirado en el que Keith Richards grabó para “Sympathy for the Devil”? Habrá que esperar a que Mane lo confirme. En cualquier caso, es siempre un placer escuchar esta pieza de transición entre los años ye-yé de los 60 y la psicodelia que llegaría en los 70, más aún con un video ambientado en el Club Ye-yé del Patio San Laureano.

miguel y los pelayo
Miguel Angel entre Javier y Gonzalo García-Pelayo

Casado con María Aparicio (a quien podemos ver en la película “A la diestra del cielo” hablando de los primeros años de Silvio en los Mercury 5) y con un hijo a su cargo, Jeri, lo mejor que pudo pasarle a Miguel Angel Iglesias fue su amistad con Javier y Gonzalo García-Pelayo, que perduraría hasta el final de sus días. Al mismo tiempo, habría de ser el movimiento más importante en su carrera, pues Gonzalo le daría numerosas oportunidades a Miguel Angel para expresarse en sus producciones, a la vez que Javier lo presentó en varios conciertos acompañando a grandes nombres. Como el de Triana, con quienes colaboró en los discos “Hijos del Agobio” y “Sombra y Luz”, lo que le permitió a Miguel Angel aparecer en dos de las piezas legendarias del rock nacional, e incluso engancharse a alguna que otra gira. Aún hay quien se pregunta quién es el loco que pega los gritos en aquel “Recuerdos de Triana”.

Junto a sus colaboraciones musicales con Triana, Miguel Angel participó también como actor en el cine protagonizando con toda la desvergüenza del mundo hasta tres películas de Gonzalo García Pelayo: “Frente al Mar” (donde fue protagonista de un desnudo frontal masculino), “Vivir en Sevilla” y “Corridas de Alegría”, que podéis ver en su integridad aquí abajo. No os perdáis la primera escena, en la que un viejo conocido se la pega a un trilero.

Ya puestos, tampoco os perdáis esta escena de “Vivir en Sevilla”. Miguel Angel Iglesias en estado puro.

Curiosamente, en su última colaboración para el cine, Miguel Angel no se puso delante, sino detrás de la cámara, escribiendo el guión de “Rocío y José”, de 1982, dirigida también por Gonzalo, y que de nuevo Roberick11 ha tenido a bien colgar en su integridad. Estos trabajos se alternaron con su presencia en la escena musical sevillana, dejándonos como principal resultado el tema que, a medias con Mane (ex-Gong), firmaría para el disco de Silvio y Luzbel “Al este del Edén” y que, cada día más, es uno de los clásicos de aquel disco.

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Silvio y Luzbel – El pudridero (1980)

Años después, cuando Gonzalo pasó a dirigir la filial española del sello Polydor, Miguel Angel tendría la oportunidad de reclutar y trabajar personalmente con su amigo Silvio para grabar un disco en Madrid, dando origen a “Barra Libre” (1984), curioso trabajo grabado íntegramente con músicos de Madrid donde Iglesias firma la mayoría de canciones aunque, por motivos obvios, serían las de Silvio las más recordadas.

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Barra Libre – Domingo cosa fina (1984)

Aún así, en las piezas que a él le correspondían, Miguel Angel no sólo definió el concepto de rock canalla, abusado hoy en día por artistas bastante alejados del término, sino que registró lo que probablemente sea el primer conato tembloroso de rap sevillano.

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Barra Libre – Ese es mi barrio (1984)

Tras la grabación en Madrid de “Barra Libre”, Miguel Angel regresaría a Sevilla junto a Silvio y ya no se separaría de la carrera de éste durante un tiempo. Una vez que convencieron a los músicos de Silvio para acogerle en la banda, y después de alguna actuación desastrosa, quedó establecido que Miguel Angel les acompañaría en directo (con una conga que le habia sido prestado por el propietario de la tienda Pantalones Gallardo), pero lo más alejado posible de los micros. Allí seguiría (en calidad de “damnificado”, como indicaba Pibe) incluso cuando la banda cambió el nombre a “Silvio y Sacramento”.

A inicios de los 90, Miguel Angel ya había reclutado para un nuevo proyecto a las dos personas que aparecen en la foto de al lado: Andrés Herrera “El Pájaro”, compi suyo en Silvio y Sacramento, y Pepe Ortega, dueño de una discoteca y un estudio de sonido en Ubrique, como productor ejecutivo y artistico, quienes junto a Miguel Angel sacaron un disco en 1990 (“Más solo que la una”) bajo el nombre de “Los Flotadores” que, por azares de la vida, fue distribuido en el sello que RTVE había tenido languideciendo durante toda la década anterior. Fiel a su línea, Miguel Angel tomaba el concepto de rock canalla y lo llevaba a donde ningún músico decente se hubiera atrevido a ir. Como lo definió un amigo común, se trataba de “una recopilación de canciones que sólo tienen sentido a las cinco de la mañana buscando refugio en algún portal, yendo de cambayá en cambayá”

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Los Flotadores – Sopla la copla moña (1990)

En aquellas increíbles, en palabras de Andrés Herrera, sesiones, Miguel Angel rescató aquel rap primerizo de Barra Libre y lo pulió levemente, dejando huecos para que el Pájaro, además de tocar la introducción de teclados sobre la batería programada por Ortega, metiera algunos solos enloquecidos en lo que todavía hoy es una pieza de antología. Por cierto, los bajos del disco corrieron por cuenta del desaparecido Alfonso Gamaza

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Los Flotadores – Este es mi barrio (1990)

Dos años después, Pájaro y Miguel Angel habían tarifado y éste reclutó para terminar (el Pájaro ya había dejado grabado varios temas) el segundo disco de los Flotadores a José María Illana, alias “El Sibarita”. Aquella segunda obra (“Te mataba gratis”, 1992) no tuvo el mismo “uppercut” de la primera y, lo que es peor, el sello RTVE ni siquiera les llamó para promocionarlo. Lo cual no quiere decir que no tuviera su atractivo, aunque sólo por momentos.

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Los Flotadores – Y apareciste tú (1992)

Desbandados los Flotadores, y con su otrora protector Gonzalo García Pelayo haciendo saltar la banca en casinos por medio mundo, Miguel Angel pasaría el resto de los 90 arrecogío en casa de sus padres mientras que veía como su hijo Jerónimo llegaba a hacer sus pinitos en uno de los combos más efímeros y simpáticos de esta ciudad, “El trío Ciclón”, junto a un Picapiedra y un Baldomero, antes de unirse a la academia Pelayo de jugadores de poker.

Aún así, a finales de los 90 Miguel Angel volvería a la acción, esta vez mostrando que no hay nada como tener un montón de amigos: Andrés Herrera, Pibe, Manolito Imán, Angeles Fraga (ex-Brigada Ligera) y la otrora Lali Capochi (ex-Gas), en uno de los mejores discos desconocidos que ha dado Sevilla.

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Mixto Lobo – El Cordón de mi Corpiño (1998)

El disco de Mixto Lobo (“La sopa está caliente”, de 1998) llegó a ser editado (¡e incluso promocionado!) por Mano Negra, la filial de Senador en la que diez años antes se publicaron los discos de Silvio y Sacramento. Con una brillante presentación en Sevilla (en la discoteca que alumbraba los restos quemados del antiguo Pabellón de los Descubrimientos) y perspectivas de promoción por toda España, el futuro de Miguel Angel parecía propicio de nuevo. Salvo que en la primera cita promocional (al parecer, en Mérida) todo se fue al garete: según testigos no presenciales, mientras que las dos coristas se metían por su cuenta en un lío con la autoridad, el propio Miguel Angel, genio y figura, intentó, ejem, meter mano a la directora de la emisora, quien rápidamente lo comunicó no al cuartelillo más cercano, sino a los superiores de la cadena de radio en Madrid, quienes dieron inmediatamente por suspendida toda actividad promocional ante la, digamos, desazón, de su discográfica.

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Mixto Lobo – Viva mi caballo y yo (1998)

Desencantado de todo aquello, Miguel Angel volvería a recogerse en el viejo piso familiar de Los Remedios. Allí fallecería dos años después, sin titulares en prensa y adelantándose en apenas seis meses a su amigo Silvio. Que en la gloria estén, y celebremos todo lo que nos dejaron por aquí.

LA MÚSICA SE UNE CONTRA LA SUBIDA DEL IVA

Esta mañana ha tenido lugar en Madrid una rueda de prensa en la que diversas organizaciones, empresas y colectivos relacionados con la música han denunciado la injusta y desproporcionada subida del IVA a las empresas del sector del ocio, la música y los espectáculos y colectivos afines. Desde “Blogin’ in the wind”, aunque sin estar integrados en el recién creado Colectivo de Medios de Comunicación Culturales (CMCC), nos sumamos a las demandas expresadas en el comunicado que a continuación copiamos.

Madrid 17 Octubre de 2012. Las organizaciones empresariales del ocio nocturno y los locales de música en directo junto con los principales festivales musicales y los medios especializados, han realizado hoy una rueda de prensa para denunciar la injusta y desproporcionada subida del IVA a las empresas del sector del ocio, la música y los espectáculos y colectivos afines. Han intervenido en el acto: Pedro Serrano (Presidente de la Asociación de Empresarios de Ocio Nocturno de la Comunidad de Madrid, Noche Madrid), Dionisio Lara (Presidente de ECO), Armando Ruah (Coordinador de la Asociación Estatal de Salas de Música en Directo, ACCESS) y Pepe Corral (Director Ejecutivo del Festival Internacional de Benicassim).

El principal objetivo de la rueda de prensa es el de reactivar el debate y reclamar la modificación sobre el tipo de IVA aplicado al ocio y los espectáculos en el contexto de las campañas electorales de Galicia, País Vasco y Catalunya, teniendo en cuenta que son las campañas electorales el momento en el que el ciudadano debe decidir sobre el tipo de gobierno que desea y elegir entre las diferentes formaciones políticas a la hora de ejercer su derecho al voto.

IMPACTO ECONÓMICO SUBIDA IVA

Durante la rueda de prensa, los representantes empresariales denunciaron que la subida del IVA en el ocio nocturno y en los espectáculos musicales supone un agravio comparativo con respecto al resto de actividades turísticas y hace que el ocio nocturno y los espectáculos sean el único sector de la actividad turística al que se penaliza con un IVA del 21%, lo que significa un castigo injusto a uno de los sectores que más contribuyen al atractivo turístico y la configuración de nuestra marca país.

En este sentido, el Gobierno de España parece olvidar que 17 millones de españoles y 27 millones de turistas extranjeros consumen ocio nocturno y 26 millones de personas acuden a conciertos y festivales musicales en España.

Pues bien, en este contexto, el incremento sin precedentes del IVA en un 162% para un sector como el ocio nocturno que ha caído un 29% desde el inicio de la crisis, supone una amenaza para la viabilidad de las más de 30.000 empresas del sector, sus más de 150.000 trabajadores y el 2’5 % del PIB nacional. Durante los próximos meses, por culpa de la subida del IVA, pueden cerrar más de 3.000 empresas de ocio, suspenderse cientos de giras y conciertos y desaparecer decenas de festivales musicales enviando al paro a más de 20.000 trabajadores de este sector.

REIVINDICACIÓN EMPRESARIAL

En este contexto, el principal objetivo de esta rueda de prensa, es reclamar la aplicación inmediata del IVA turístico, con el TIPO REDUCIDO del 10%, al ocio nocturno y a los espectáculos en igualdad de condiciones que el resto de subsectores turísticos, como la hostelería, los bares, restaurantes y los hoteles.

En definitiva, el colectivo empresarial exige la aplicación por igual de un IVA reducido a todos los productos y servicios hosteleros que se ofrezcan desde todo tipo de establecimientos públicos ya sean los propiamente hosteleros pero también en el sector del ocio y de los espectáculos.

El sector del ocio y los espectáculos reivindica la aplicación del IVA reducido para el sector de la cultura y los espectáculos: los conciertos y actuaciones musicales, las discotecas y salas de fiesta o los servicios mixtos de hostelería deben recuperar la aplicación del IVA reducido en sus empresas, restableciendo la situación anterior y suspendiendo el cambio de categoría y la aplicación del 21% de IVA en este sector.

Mientras se mantenga la actual situación, todos los establecimientos públicos y actividades recreativas o musicales, deberían poder aplicar la doble tributación en sus declaraciones del IVA, diferenciando el IVA de los distintos tipos de servicios ofrecidos al cliente, en las mismas condiciones que cines y teatros.

LA IMPORTANCIA DE IBIZA, LOS FESTIVALES MUSICALES O EL FLAMENCO PARA EL TURISMO

Durante la rueda de prensa los representantes empresariales utilizaron como ejemplo la vida nocturna de Ibiza, la programación de los festivales musicales que animan el verano de nuestro país y el atractivo turístico del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad, como ejemplos innegables de la importancia turística del ocio y de los espectáculos y denunciaron que las consecuencias directas e inmediatas de la caída en el número de empresas y, de forma muy especial en el retroceso en toda la programación de espectáculos, va a provocar un grave empobrecimiento de los destinos y una innegable pérdida del atractivo turístico frente a la cada vez mayor competencia de los destinos emergentes como Croacia, Túnez, Turquía, el Caribe o el Sudeste Asiático que hacen de la noche uno de sus atractivos estratégicos.

CAMPAÑA INFORMATIVA. YO IVA A….la disco, los conciertos y a los festivales

Por último, los participantes en la rueda de prensa anunciaron la inminente puesta en marcha de toda una campaña de protesta empresarial y de movilización ciudadana cuyo contenido será presentado próximamente.

Firman:

ACCES. Asociación Cultural Coordinadora Estatal de Salas de Música en Directo AD. Asociación Empresarial de Discotecas de Valencia

AEGAL. Asociación de Empresas y Profesionales para Gays y Lesbianas, Bisexuales y Transexuales de Madrid y su Comunidad

APM. Asociación de Promotores Musicales

ARAGÓN EN VIVO. Asociación Salas de Conciertos de Aragón

A.R.T.E Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo

A.R.C Asociación de Representantes, promotores y managers de Catalunya

ASACC. Associació de Sales de Concert de Catalunya

Asociación de Empresarios de Salas de Fiesta, Discotecas y Similares de Baleares

Associació de Discoteques de Lleida

Associació Provincial d’Empresaris de Sales de Festa i Discoteques de Tarragona

CLUBTURA. Asociación Galega de Salas de Música ao Vivo

CMCC. Colectivo de Medios de Comunicacion Culturales (plataforma constituida por 45 medios musicales)

Comisión de ocio de la Asociación de Hostelería y Turismo de Toledo

CONCAT. Confederación de Ocio Nocturno de Cataluña

CREADI. Asociación Cultural de Salas de Conciertos de Andalucía

ECO. Asociacion Nacional de empresarios por la calidad del ocio.

FADISCAT. Federación de Organizaciones de Empresarios de Salas de Fiestas y Discotecas de Catalunya

FECALON. Federación catalana de locales de ocio nocturno Festival de Jazz de Barcelona Festival de Flamenco Festival de GuitarraFestival Monegros

FIB. Festival Internacional de Benicassim.

GOA Electronic Partys

Gremi d’Empresaris de Discoteques i Sales de Festa de la Província de Girona

Kultura Live, Asociación de salas de Euskadi y Navarra

LA NOCHE EN VIVO. Asociación de Salas de Música en directo

Madrid en Vivo. Go!

MALASAÑA. Asociación Empresarios de Hostelería de Malasaña

Mercat de la Musica Viva de Vic

Monkey Week

Neo2

NOCHE MADRID. Asociación de Empresarios de Ocio Nocturno de la Comunidad de Madrid

Primavera Sound

Sonar

TEBADIS. Asociación de Terrazas, Bares de Copas y Discotecas de Andalucía

Ticketea.com

Tilllate.com

TRIBALL. Asociación Triangulo Ballesta

La foto es de Alfredo Arias-Horas.

LA CULTURA NO ES UN LUJO

Tras el anuncio de las últimas medidas tomadas por el Gobierno de España relacionadas directamente con materias culturales, un considerable grupo de medios musicales del país hemos decidido unirnos para manifestar una común disconformidad. Esperamos que lo expuesto a continuación sea compartido anímicamente y respaldado dentro de lo posible por nuestros lectores, tan afectados como nosotros mismos.

Todas las cabeceras que firmamos este manifiesto tenemos en común la pasión por la música, que cada cual refleja a su manera, de forma peculiar e independiente. Más allá de eso otra característica nos define prácticamente a todas: salvo algunas excepciones, en nuestras páginas el comentario político había sido hasta hoy, cuando algunas ya están cerca de los treinta años de existencia, tangencial o incluso inexistente. Sin embargo, vivimos un momento histórico extraordinario que requiere de respuestas no menos extraordinarias por parte de todos. No se nos escapa que España pasa por momentos muy complicados. Tampoco que en esta situación se demanda del ciudadano de renta media-baja un esfuerzo enorme que se traduce cada día en cientos y miles de nuevos dramas humanos. A la vez, asistimos atónitos a los beneficios millonarios de los directivos de esas cajas que han quebrado el país, a las suculentas indemnizaciones de altos cargos que abandonan sus puestos de responsabilidad en medio del escándalo, a la indecencia de buena parte de nuestros políticos. En medio de este paisaje el Gobierno ha decidido dar una nueva vuelta de tuerca a una situación ya insostenible tomando una serie de medidas que condenan a la ciudadanía en general a poco menos que la indigencia y a un sector determinado, el de la música y la cultura popular, a la desaparición.

Entre las medidas adoptadas el pasado viernes 13 de julio se encuentra el incremento del 8% al 21% del impuesto del valor añadido (IVA) sobre el precio de las entradas a salas de cine, teatros, festivales musicales y conciertos. Es el definitivo golpe de gracia para un sector que depende del gasto en ocio para su supervivencia y que ha ido viéndose acorralado progresivamente por las decisiones de nuestros gobernantes. Porque en el mundo de la música popular, a diferencia de otros sectores industriales e incluso culturales, la subvención siempre ha sido escasa cuando no directamente nula y, sin embargo, la lista de zancadillas a la iniciativa privada por parte de las Administraciones es interminable: desde la promesa incumplida por parte del anterior Gobierno de considerar los discos y directos como producto cultural y rebajar su IVA al 4%, hasta la prohibición a acceder a una sala de conciertos a los menores de edad, pasando por las periódicas trabas a promotores y hosteleros para impedir que programen música en directo. Especial hincapié merece la nula respuesta que han dado nuestros gobernantes durante la última década al problema de las descargas ilegales, que se ha llevado por delante infinidad de puestos de trabajo en discográficas y distribuidoras.

Discográficas, distribuidoras, promotores, salas, empresas de promoción y comunicación, técnicos y por encima de todo músicos son los damnificados del desprecio y hasta rencor que muestran nuestros gobernantes para con un sector que supone buena parte de ese 3% del PIB generado por la cultura y que se encuentra en proceso de descomposición. También uno de los mejores escaparates posibles para esa marca “España” que a nuestros políticos tanto les gusta pasear: ¿alguien duda lo mucho que hacen por la imagen y la economía de este país nuestros músicos o festivales?

Por supuesto entre los damnificados también nos encontramos nosotros, la prensa especializada, que vemos cómo la publicidad (una importante fuente de ingresos. Y otra vez insistimos: que no el dinero público) se bate en retirada. Primero se fueron las discográficas como consecuencia de las nulas ventas, luego las grandes marcas a causa de la caída en el consumo y ahora lo harán los promotores, salas y festivales, condenados por la subida del IVA del ministro de Hacienda, el señor Montoro. Esto, unido a la inevitable caída de las ventas de quiosco, definitivamente nos deja en una situación difícil de sortear.

Por eso, la razón de ser de este manifiesto es doble.

Por un lado, mostrar nuestra absoluta solidaridad con el resto de compañeros del mundo de la música, brindar nuestro apoyo y demandar el suyo a la vez: si de todo esto algo se salva será únicamente por la fuerza que mostremos unidos.

Y por otro, dirigirnos a todos los que nos leéis, que nos consta que sois muchos y fieles. Lo cierto es que el tiempo se ha acabado y nos encontramos ante un ahora o nunca: o reclamamos aquello que consideramos justo o nos veremos privados de ello para siempre. Y esta advertencia se refiere tanto a la posibilidad de ver a tu grupo favorito tocando en tu ciudad como al acceso a la educación y la sanidad. No nos corresponde a nosotros señalar a unas siglas concretas, pero sí pedirte con todas nuestras fuerzas coherencia y que actúes conforme a tu conciencia desde hoy mismo respecto a todo lo que está ocurriendo a tu alrededor, vivas en Barcelona, Madrid, Burgos o un pueblecito de Galicia. No te calles. No te acomodes y reclama lo que consideras que es justo. Y si a pesar de nuestro esfuerzo nos lo siguen negando, no te olvides de cuanto ha ocurrido estos últimos años cuando llegue la hora de votar.

Ilustración: Pepo Pérez

Firmado:

A Viva Veu (www.avivaveu.com)

ARDEmag (www.ardemag.com)

bi fm (www.bifmradio.com)

Binaural (www.binaural.es)

Blogin’ In The Wind (www.blogin-in-the-wind.es)

Clone (http://clonemagazine.com/)

Club De Música (www.clubdemusica.es)

DJ Mag (www.djmag.es)

El Enano Rabioso (www.elenanorabioso.com)

Efe Eme (www.efeeme.com)

Enlace Funk (www.enlacefunk.com)

Fantastic Plastic Magazine (www.fantasticplasticmag.com)

FREEk! (http://freekmagazine.com)

Funkmamma (http://funkmamma.com)

Gent Normal (www.gentnormal.com)

Go Mag (www.go-mag.com)

Guía del Ocio BCN (www.guiadelociobcn.com)

H Magazine (http://hmagazine.com/)

HH Directo (www.hhdirecto.net)

Hip Hop Life (www.hiphoplifemag.es)

Indienauta (http:// indienauta.com)

Indiespot (http:// indiespot.es)

Jenesaispop (http:// jenesaispop.com)

Klubbers (www.klubbers.com)

La Heavy De Mariskalrock.com (www.mariskalrock.com)

La Ventana Pop (http://blogs.grupojoly.com/ventana-pop/)

Lados Magazine (www.ladosmagazine.com)

MondoSonoro (www.mondosonoro.com)

Muzikalia (http://muzikalia.com)

Numerocero (http://numerocero.es)

Orbita (www.orbitamagazine.com)

PlayGround (www.playgroundmag.net)

Revolver (https://www.facebook.com/pages/Revolver-España/375069532503958)

Rockdelux (www.rockdelux.com)

Rockviu (http:// blocs.mesvilaweb.cat/rockviu)

Rockzone (http://zona-zero.net/)

Rock Estatal (www.rockestatal.es)

Ruta 66 (www.ruta66.es)

Time Out Barcelona (www.timeout.cat)

The Metal Circus (www.themetalcircus.com)

This is Rock (www.thisisrock.net)

Versos Perfectos (http://versosperfectos.com)

Vicious (www.viciousmagazine.com)

We Go (www.revistawego.com)

Zona De Obras (www.zonadeobras.com)

Durante el transcurso de la tarde se han ido sumando más medios en esta muestra de disconformidad. A la lista anterior hay que añadir a todos éstos, que también firman el manifiesto:

31Canciones (http://www.treintayunacanciones.com/)
40putes (www.40putes.com)
Aragón Musical (www.aragonmusical.com)
Butxaca, l’agenda cultural de Barcelona (www.butxaca.com)
Coolture Magazine (www.coolturemag.com)
Clubbingspain.com (www.clubbingspain.com)
Crazyminds (www.crazyminds.es)
De Risio (http://derisions.wordpress.com)
Desconcierto (www.desconcierto.com)
Dod Magazine (www.dodmagazine.es)
El Giradiscos (www.elgiradiscos.com)
Farandularte! (www.farandularte.com)
Fentlindie (www.fentlindie.com)
Goetia Media (www.goetiamedia.com)
Good2b (www.good2b.es)
Hao! (http://jelouhao.wordpress.com)
Indie World (www.indieworld.info)
La Pagina 0 (www.lapagina0.com)
La Ruta americana (blogs.elpais.com/ruta-norteamericana)
L’Ampli (www.lampli.com)
LaguiaGO! (www.laguiago.com)
Lamono magazine (www.lamonomagazine.com)
Letras Furiosas (http://letrasfuriosas.blogspot.com.es)
M.A.Confidential (www.maconfidential.com)
Madriz (www.madriz.com)
Mercadeo Pop (http://mercadeopop.blogspot.com.es)
Métronome Music (www.metronomemusic.net)
Moosic.es (www.moosic.es)
Musikorner (www.musikorner.com)
Myfeetinflames (www.myfeetinflames.com)
Notikumi (http://www.notikumi.com)
Notodo (http://notodo.com)
Paranoid Androids (www.paranoidandroids.net)
Renacer Eléctrico (http://renacerelectrico.blogspot.com)
Rock and Roll Army (www.rockandrollarmy.com)
ScannerFM (www.scannerfm.com)
Similarrock (www.similarrock.com)
Soviet Magazine (www.sovietmag.com)
Shookdown (www.shookdown.es)
Tanaka Music (http://tanakamusic.com/)
The Soap Club (www.thesopaclub.net)
Transistora (www.transistora.com)
Ultrasonica (www.ultrasonica.info)
Venus Plutón (htto://venuspluton.com)
ViniloBCN (http://www.vinilobcn.es)
Waaau.tv (http://waaau.tv)
Yonkimusic Blog (http://yonkimusic.wordpress.com)
La Isla de Encanta (www.laisladencanta.es)

Perdonad que no ponga los enlaces directos de todos, pero es un trabajo de chinos y mañana tengo que madrugar.

AQUELLA EXPO DE SEVILLA

Los más antiguos quizás recordéis cómo en los años 80 la gente de Sevilla, cuando quería hablar de algo que todavía tardaría mucho en suceder, decía que aquello sería “p’al 92”. Y es que el año de 1992 se había convertido en un referente para todos porque para la gran cita que iba a ser la Exposición Universal la ciudad estaba cambiando su cara de forma que resultaba difícil reconocerla.

Tengo grabada en mi memoria la visión de una pareja de turistas, en la esquina de la carretera de Carmona con una de las avenidas que la cruzan, allá por 1990, 91 ó 92, mirando de forma alternativa a un plano que tenían en la mano y al entorno urbano que les rodeaba… con una cara que a mí me hacía sonreír imaginando lo que estarían pensando sobre dónde coño estarían situados, ya que seguro que no les coincidiría ni un solo punto de referencia.

En pocos años Sevilla cambió su fisonomía por completo. Antes, los que circulasen por la calle Torneo solo veían una larguísima tapia; para ir desde el Polígono de San Pablo a la puerta Osario había que dar un enorme rodeo por la Carretera de Carmona o por Luis Montoto, porque desde Santa Justa hasta pasado Las Huertas todo era un terreno imprácticable por el que no se podía pasar… y esto son solamente dos ejemplos.

La Expo estaba en el horizonte, aunque aún lejos… en el ’92. Y ése era el año mágico en el que nuestra vida cambiaría… “¿cuándo te vas a casar?”… “ffff… p’al 92″… “¿pa cuándo váis a tener algún niño?… “anda, anda… eso p’al 92”.

Pues el 92 llegó y pasó. Hace justamente veinte años. Un día como el de hoy, 20 de abril, se inauguró la Exposición Universal. Ese día hubo muchas cosas para olvidar, como la represión policial sobre los manifestantes anti-Expo, por lo que tenía de celebración colonial y desfasada, y para recordar, como el inicio de una larga temporada de seis meses llena de actos culturales y, como en este blog hablamos principalmente de música, conciertos casi todos los días.

De todo eso ya nos hemos ocupado aquí, así que no vamos a elaborar ningún nuevo post, solamente vamos a volver a enlazar los que ya habíamos escrito anteriormente porque la ocasión merece que vuelvan a estar en primer plano durante algunos días.

En este primero hicimos una lista de todos los conciertos que se celebraron tanto en la Expo como al amparo de la misma. La lista es larga…

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/07/04/que-noches-las-de-aquellos-dias/

Y después nos ocupamos más en profundidad en escribir los recuerdos que teníamos de aquellos conciertos. Y lo hicimos entre casi todos los que sostenemos este blog, tanto el que lo escribe como los que lo leéis y comentáis. A mí me parece que el resultado fue brillante.

En este primer enlace estuvimos hablando sobre los primeros días de conciertos, recordando sobre todo los de Laurie Anderson, Gun y deteniéndonos en uno de los mejores que hubo, el de Glenn Branca.

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/11/09/no-digas-que-fue-un-sueno-1%C2%AA-parte/

Tras unos paseos por los conciertos de la Plaza Sony terminamos esa primera parte (fue una tetralogía) para dar paso a esta otra entrada:

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/11/11/no-digas-que-fue-un-sueno-2%C2%AA-parte/

El primer gran macroconcierto de la historia de Sevilla… Soundgarden, Faith No More y Guns N’Roses de una tacada. Casi todos estuvimos allí y estuvimos contando nuestras impresiones.

Y también os conté lo cerca, cerca, que estuve de Marisa Monte.

En la tercera entrada volvimos al campo del Betis; esta vez para asistir al concierto de Elton John.

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/11/15/no-digas-que-fue-un-sueno-3%C2%AA-parte/

Y estuvimos también con los Crowded House, una de las noches más divertidas. Mientras, intentábamos repartirnos entre los sonidos orientales de Ryuichi Sakamoto, los andaluces de las antiguas bandas de rock sureño reinterpretados por Manolito Imán, La Frontera, Siniestro Total…

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/11/18/no-digas-que-fue-un-sueno-y-4%C2%AA-parte/

Y en la cuarta y última entrada seguimos en la Plaza Sony, aunque tuvimos tiempo de disfrutar de los sonidos vanguardistas de John Lurie o Stockhausen y de los sonidos clásicos del rock de la que fue la mayor sorpresa de toda la Expo: los Scorpions.

Y como entre concierto y concierto había que ir reponiendo fuerzas, el post adicional era para degustarlo tranquilamente.

http://www.blogin-in-the-wind.es/2010/11/26/no-digas-que-fue-un-sueno-el-banquete-final/

De todo aquello hemos heredado cosas buenas y otras que no lo han sido tanto, pero… que nos quiten lo bailao!.

¿QUIÉN INVENTÓ EL HEAVY?

“¿Quién inventó el heavy?”.

“Yo me la sé, seño…”. Un mar de manos infantiles se alzaron desde los pupitres que ocupaban los alumnos de la asignatura de Historia de la Música Popular. “Yo, seño… yo. Pregúnteme a mí, que me la sé…”

“A ver, Kolokito… contéstame tú. ¿Quién inventó el heavy?”.

“Fueron los Deep Purple, seño; los Deep Purple”.

“Y tú, Maeserancito, ¿estás de acuerdo con él?”.

“No, seño. Los que inventaron el heavy fueron Led Zeppelin…”

La profesora se les quedó mirando a los dos, pensando que las historias antiguas habían dado demasiadas cosas por sentadas. Volvió a dirigirse a toda la clase:

“A ver; abrid todos el libro de texto por la página 69, que hoy vamos a aprender algo nuevo…”

En dicha página se reproducían los recortes de la prensa musical de 1968 en la que los grandes artífices de las primeras bandas de heavy que alcanzaron fama mundial hablaban de sus inicios.

Allí, Jon Lord, explicaba los orígenes de Deep Purple con las siguientes palabras:

Nosotros queríamos ser la versión inglesa de Vanilla Fudge.

Y Robert Plant hablaba de la primera gran gira de su grupo, Led Zeppelin, con la que comenzaron a conquistar al público americano, a pesar de que, como él mismo reconocía, entonces no eran más que la banda de apoyo de otra más grande:

Estuvimos de gira con Vanilla Fudge. Aprendimos muchísimo de ellos.

La profesora, partiendo de lo que los alumnos estaban leyendo en su libro de texto, intentó inculcarles en sus diminutas mentes que sin duda alguna, a pesar de que el reconocimiento apenas le llegase y el poco que tuvo lo consiguiese a paso de tortuga; a pesar de que hiciese que a los oyentes de música más convencionales le doliesen los oídos y le rechinasen los dientes; esta radical reinvención del “You keep me hangin’ on” de las Supremes significó un punto de inflexión en la historia del rock.

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“You keep me hangin’ on”

VANILLA FUDGE comenzó su andadura en 1966 con el nombre de The Pigeons, haciendo versiones de clásicos del soul tal como había puesto de moda otra banda que se había convertido en la principal atracción del circuito de clubs de New York, los Young Rascals. Por entonces, lo más de lo más era inflar las canciones a base de producción, interpretarlas de forma más lenta para ver cuánta cantidad de emoción se podía meter en ellas. Vanilla Fudge llevaron aún más al extremo la técnica de los Rascals. Y la convirtieron en algo más psicodélico.

En febrero de 1967, Vanilla Fudge entró en un estudio de New York con George “Shadow” Morton, el maravilloso productor que fue el responsable del extraordinario sonido de las Shangri-La’s. La maqueta que grabaron allí fue la “sobreproducción” de ocho minutos de “You keep me hangin’ on” que después pasearon por todas las emisoras de New York, que le dieron tanta difusión que atrajeron la atención del potente sello Atlantic Records.

Para editarlo como single, el sello puso la condición de que había que meterle las tijeras por un par de lados y quitarle algunas cosas… sobre todo ese indefinido sonido de platillos del principio. Y aunque la banda, para salvaguardar sus principios morales puso algunas objeciones, en el fondo estaba encantada con que lo hicieran. Y más aún después de lo que su batería, Carmine Appice, reconociese años más tarde.

Aquel sonido lo hice yo accidentalmente al tropezar con el pie de los hi-hats de la batería. Se quedó en la cinta porque la grabamos en una sola toma, en mono. Nunca le hicimos ninguna mezcla adicional ni ningún overdub.

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“Bang bang”

El primer concierto de este cuarteto tuvo lugar el 22 de julio del 67 en el Village Theatre, al que después conocimos con su nombre cambiado por el de Fillmore East. Y la banda actuó ya también con su nombre cambiado al de Vanilla Fudge en vista de que los otros dos grupos del cartel de esa noche serían The Byrds y The Seeds… los pájaros y el alpiste, respectivamente… si a eso añadíamos otra banda más con el nombre de The Pigeons, como era el suyo… los palomos… probablemente el recochineo hubiese sido generalizado; así que le hicieron caso a la novia de uno de los componentes, que les indicó que para expresar el sentimiento de un soul blanco como era el que hacían, nada mejor que la evocación de la dulzura de la vainilla… Vanilla Fudge…

Desde entonces su ascensión fue lenta pero firme, dándose el hecho curioso de que entrasen en el Top 20 de las listas de éxitos en Inglaterra varios meses antes que en los USA. Eso propició que les fuese ofrecida una gira por el viejo continente que comenzó con una fiesta previa al primer concierto, en el Speakeasy de Londres.

Nunca pude creerme que íbamos a tener tanto éxito. Tenía que pellizcarme para asegurarme de que no estaba soñando. (Mark Stein, teclista y cantante de la banda)

El éxito de “You keep me hangin’ on” les llevó a grabar todo un LP en el que extender apropiadamente este nuevo estilo que habían creado, con Shadow Morton contribuyendo casi tanto como la propia banda. Fue Morton quien, por ejemplo, en una rápida sesión de media hora grabó los fragmentos de cuentos infantiles que leía la banda, que posteriormente, y sin el consentimiento de ellos, usó para unir las canciones del disco. Morton fue también quien sugirió algunas de las versiones que grabaron y quien añadió los sonidos que marcaban el final del “Bang bang” de Sonny & Cher, que les oías antes. A Morton siempre le gustó jugar con la imaginación de la gente.

El otro gran hallazgo del disco fue una versión beatleliana convenientemente ajustada al estilo de los Fudge: “Eleanor Rigby”. En ella intentaron recrear una escena musical que entonase perfectamente con lo que decía la letra de la canción, que habla de sonidos eclesiales y de cementerios. Mark golpea su órgano al principio consiguiendo un sonido de campana, con el que comienzan las vibraciones…

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“Eleanor Rigby”

Cuando el disco se editó en septiembre, la prensa lo recibió con una mezcla de sensaciones que iban desde el “tremendo, impredecible y excitante”, del Record Mirror, hasta el “hay que ser un fan muy ardiente para aguantar las dos caras de una sentada”, que escribieron en el Beat Instrumental.

Pero hubo una cosa que jugó a favor de Vanilla Fudge y fue que contó con la aprobación de los propios Beatles, hasta el punto de que circuló la historia de que George Harrison no permitía que ninguna persona que entrase en su casa saliese de ella sin haber escuchado antes el disco, que siempre tenía girando en su plato.

Pero a pesar de tan buenos auspicios como eran éstos de sus comienzos, Vanilla Fudge desaparecieron casi tan rápidamente como habían llegado, dejando tras de sí historias apenas desveladas sobre managers con métodos de gánsteres y otras más típicas sobre excesos con las drogas.

El único momento de verdadera gloria que tuvieron después de su primer disco tuvo lugar durante la gira que hicieron en 1968 con Jimi Hendrix, cuando éste le dijo en Denver a sus roadies “echad a esos cabrones del escenario y que se vuelvan a su casa”. Menos mal que a Jimi los cabreos se le pasaban pronto, convirtiéndose luego en un ser emotivo y bondadoso, que para el siguiente concierto, en Phoenix, ya les había perdonado y permitido seguir con la gira.

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“Ticket to ride”

EN LAPONIA HACE FRÍO, PERO YO ME RÍO

El próximo jueves hay una huelga general. La convocan los sindicatos y por eso mucha gente no la secundará. Pero aparte de quien la convoque, no podemos perder de vista el hecho de que la huelga es para protestar contra la reforma laboral que el gobierno nos ha impuesto.

Yo no te voy a decir desde aquí lo que debes o no debes hacer, pero me gustaría hablarte de cómo nos afecta esta reforma a los trabajadores ya que me imagino que no habrás tenido oportunidad ni ganas de leerte el tocho enorme en el que está redactada.

Esta nueva ley nos arranca a los trabajadores derechos que teníamos consolidados no ya desde el final de la dictadura o desde las negociaciones posteriores llevadas a cabo ya en nuestra era democrática, sino también derechos que se habían conseguido incluso a principios del siglo XX. Y además nos la ha impuesto el gobierno como decreto ley; es decir, no ha hecho un proyecto de ley que pueda discutirse en nuestras cámaras de representantes. No.

El gobierno no ha permitido ni dado lugar a ninguna negociación. Nos la ha metido sin vaselina y sin discusión alguna. Y espérate a que pasen las elecciones en Andalucía y Asturias y conozcamos los nuevos presupuestos generales del estado, que si no los han dado ya a conocer es porque seguramente darán muchísimo miedo y todavía tienen que colocar bien a Arenas. Creo que lo que todos tenemos ya seguro es que habrá recortes; muchos recortes. Y los recortes no los van a sufrir los banqueros en sus cuentas de resultados, los recortes afectarán sobre todo al estado social.

Pero bueno, dejémonos de elucubraciones. Vamos a hablar un poco de lo que ya tenemos encima y nos está afectando desde febrero, que es la causa por la que se convoca la huelga general del jueves. Hablemos del despido. La verdad es que no está todavía muy claro sin cuando despiden a un trabajador éste tiene derecho a 45 días de sueldo por año trabajado o a 33 días, con un máximo de 42 mensualidades a percibir. Pero nos va a dar igual tenerlo claro o no, porque en la práctica lo que les van a dar a los despedidos son solamente 20 días por año trabajado, con un máximo de 12 mensualidades. Eso, hablando con números que todos entenderéis significa que a alguien a quien le correspondiesen antes 70.000 euros de despido, con esta nueva reforma le van a dar solamente 8.000. Con estas cifras en mente podéis calcular cada uno cuál sería vuestro caso.

Y eso va a ser así porque las empresas podrán aplicar sobre los trabajadores de los que quieran desprenderse el despido objetivo, para lo cual no hace falta que tengan pérdidas económicas, ni siquiera que estén en peligro de poder tenerlas en el futuro; simplemente hace falta que hayan disminuido sus ingresos en los últimos nueve meses. Y en estos momentos de crisis, ¿a qué empresa no le han disminuido sus ingresos en los últimos nueve meses? Efectivamente, le han disminuido a todas: a las grandes empresas que cotizan en bolsa y a las pequeñas que te venden la botellona en la esquina.

Pero todavía se puede ir más allá aún en la desfachatez. Porque ni siquiera haría falta esa disminución de ingresos para echar a los trabajadores a la calle; se puede hacer también por cambio organizativo. Esto quiere decir, citando un ejemplo que conozco (aunque no voy a hablar aquí de mi propia empresa para no dar ideas), que si en una clínica quieren pasar los servicios de radiología o rehabilitación a una contrata pueden despedir a todos los trabajadores que mantenían en estos servicios con solamente 20 días de indemnización por año trabajado. Seguro que tú conoces en tu propio trabajo alguna faena que se hace allí que quizás a tus jefes les podría interesar pasarlo a una empresa de trabajo temporal o a una subcontrata.

Y esto nos ocurriría a los trabajadores que ya estamos trabajando desde hace algún tiempo; pero es que los que todavía tengan que comenzar a hacerlo, como sería el caso de los parados actuales o de los jóvenes que se vayan incorporando a la vida laboral, llegado el caso de que les despidieran, podrían hacerlo con cero (sí, has leído bien, cero) días de trabajo por año. ¿Y cómo puede ser que despidan a un trabajador que no está cometiendo falta alguna y que desempeña bien su labor, sin indemnización…?

Pues puede ser porque con esta reforma laboral las empresas que tengan menos de 50 trabajadores, que son el 99,3 por ciento de todas las que existen, te pueden contratar con un periodo de pruebas que pasa a ser de un año; pasado el cual te pueden despedir sin explicaciones y sin indemnización y contratar a otro. Y después a otro. Y después a otro más… no me digáis que no es una flagrante desvergüenza llamar a esto “contrato fijo”, siendo además más barato para las empresas que un contrato de trabajo temporal; por lo que está claro que será el que les hagan a todos los nuevos trabajadores. Todo son ventajas para los empresarios.

Además, antes, cuando despedían a un trabajador, si en el juicio se declaraba despido nulo, la empresa tenía que pagarle al trabajador el tiempo que había pasado desde el despido hasta la resolución judicial, hasta un periodo de seis meses. Esto es lo que se llama salario de tramitación y la empresa tenía que pagárselo al trabajador tanto si lo readmitía en el trabajo, de forma retroactiva, como si no lo readmitía y le aplicaba un despido improcedente; en este caso debía abonarle ese salario junto a la indemnización. Ahora esos salarios de tramitación dejan de existir a menos que seas delegado sindical, o a menos que después del juicio la empresa te readmita y tenga que pagarte esos atrasos. Si la empresa no te readmite, será un despido improcedente y te pagarán tu indemnización correspondiente, pero no te pagarán el salario de tramitación; con lo cual está clarísimo que ninguna empresa te readmitirá después de despedirte, aunque lo diga el juez, porque así se ahorrará pagarte un puñado de meses. Aunque no te preocupes, seguramente el caso de que la empresa estuviese en el brete de tener que volver a contratarte o de no hacerlo no llegará a producirse nunca, porque otra de las cosas que cambia con esta reforma es que la empresa ya no tiene que demostrar que tu despido no es improcedente, ahora eres tú el que tiene que demostrar que sí lo ha sido. Y recuerda lo que decíamos antes sobre por qué pueden echarte… esa figura del “despido improcedente” ha quedado muerta y bien enterrada.

Vale… tómatelo con calma… yo sé que esto que estás leyendo puede estar provocándote náuseas, pero procura no ponerte malito. Y si enfermas, cúrate pronto. Porque ahora pueden despedirte también pagándote 20 días de salario por año trabajado si te pones enfermo. Para ello solamente les es necesario que faltes al trabajo un 20 por ciento de la jornada laboral; es decir, que en dos meses no puedes faltar durante 9 días porque ya cumples el límite. Ya sé que la mayoría de las bajas duran menos de ese tiempo, pero procura no tener una lumbalgia, o una gripe larga, porque eso será motivo de despido. Si tenemos una enfermedad común o un accidente no laboral, todos a currar enfermitos si ya llevamos ocho días de baja en dos meses, porque de otra forma pueden despedirnos… cuidado todos vosotros a los que les gusta jugar al futbito u os desplazáis en moto, que los accidentes de traumatología con yesos y esas cosas suelen durar bastantes días…

Como ya os digo, la nueva reforma pasa por encima del trabajador y solo contempla derechos para los empresarios. Mirad, por ejemplo, lo que ocurre con los Expedientes de Regulación de Empleo. Ya no es necesaria la autorización de la Consejería o del Ministerio para presentarlos, ahora basta para presentar un ERE con que el empresario lo notifique a la autoridad laboral. No hay esperas, no hay gastos administrativos… decidme si eso no facilita el despido de cuanta más gente mejor.

El personal laboral de administraciones públicas puede ser despedido ahora también con 20 días de salario por año simplemente por insuficiencia presupuestaria del organismo. Es decir que aquí lo que vale es lo que diga el alcalde, que es el que maneja los presupuestos… que este año le da menos presupuesto (la crisis, ya se sabe) a los que recogen la basura; pues LIPASAM desaparece dejando en paro a todos sus empleados y se privatiza la recogida. Si yo perteneciese al colectivo de empleados públicos funcionarios y estatutarios seguramente perdería algunas horas de sueño con esto… huele a peligro…

Y es que encima de todo, apenas nos dejan recursos para hacer nada, porque la nueva reforma laboral se carga la negociación colectiva. En esas empresas antes citadas, de menos de 50 trabajadores, que vuelvo a decirte que son casi todas, el convenio de la empresa prevalecerá sobre el convenio colectivo. La empresa pone el convenio.

Pero aunque ya hubiese un convenio colectivo en vigor, la empresa puede descolgarse de él alegando razones técnicas, organizativas, de producción, etc. Y si los trabajadores no están de acuerdo pues se recurre a un arbitraje. Y no solamente pueden descolgarse de los convenios los derechos que éste te otorgaba, sino también los salarios.

Antes, cuando se terminaba el periodo en vigor del convenio colectivo, éste seguía vigente hasta que se negociaba el nuevo convenio; ahora no. Ahora el convenio desaparece a los dos años y lo sustituye el convenio que dicte la empresa o, en su caso, el estatuto de los trabajadores… que quiero que recordéis que recoge un salario mínimo interprofesional de solamente 640 euros para todas las categorías profesionales y 40 horas de curro semanales.

No quiero aburriros más; creo que con esto ya os hacéis una idea y tenéis una base para pensar si uniros a la huelga general o no. Se supone que esta reforma está hecha para acabar con el paro, pero yo solamente veo razones que harán más fácil que éste siga creciendo. Es una reforma hecha para los empresarios, dándoles la espalda a los trabajadores. Y si tienes la desgracia de que alguno de sus artículos te afecte y te quedes sin trabajo, recuerda que ni así te dejarán vivir en paz, porque como quiere ese iluminado de Feito, presidente financiero de la patronal, incluso te podrían llegar a quitar el subsidio de desempleo si no aceptas la proposición que te hacen de irte a trabajar a Laponia… por 640 euros mensuales.

LA ESTIRPE DE GODZILLA

Contrariamente a la creencia popular, la música psicodélica no estuvo confinada en el lado occidental del mundo en los años ’60, sino que su efecto se hizo sentir de forma global.

Los Beatles y los Rolling Stones crearon una nueva corriente musical también en el extremo más oriental del planeta, donde fueron muy bien acogidos por los fans japoneses del pop naciente cuando sus sonidos invadieron Tokyo. Como consecuencia de ello surgió allí un movimiento llamado Group Sounds, que llevó a cientos de jovencitos japoneses a formar instantáneamente bandas similares que grabaron sus propias y personalizadas versiones de lo que estaba surgiendo en Londres y Liverpool y, posteriormente, en San Francisco.

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Musica Transonic – (Vete tú a saber qué significan estos carácteres japoneses…)

Cuando la escena Group Sounds comenzó a decaer con el final de la década de los ’60, fue reemplazada por un sonido más progresivo de “new rock”, que fue la base para la fundación de una floreciente escena psicodélica japonesa, tan bien construida que aún hoy perdura. Aunque las influencias que condujeron a esa psicodelia japonesa eran occidentales principalmente… Cream, Blue Cheer, Quicksilver Messenger Service, Tim Buckley, Can… las motivaciones y las ideas eran totalmente originales.

El único sello independiente japonés, pionero en lanzar esta música, es PSF, que todavía continúa existiendo, con un catálogo de aproximadamente 250 títulos de una variedad realmente sorprendente, que va desde el hard rock psicodélico de Fushitsusha, Musica Transonic y High Rise, hasta otras bandas más suaves y centradas melódicamente como Ghost, Acid Mothers Temple y Toho Sara. Hay también un buen número de grabaciones de jazz experimental del saxofonista, ya fallecido por desgracia, Karou Abe, que destelló de forma brillante antes de consumirse prematuramente a los 30 años de edad.

Puede resultar un post muy freaky, pero vamos a hacer en él un viaje a Extremo Oriente, para visitar el desconocido mundo de los sonidos trituradores de oídos y derretidores de cerebros que es la psicodelia japonesa.

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The Spiders – “Johnny B. Goode”

Si hay que comenzar por lo más parecido al principio deberíamos hacerlo por The Spiders, una de las bandas de más éxito de las que englobó el Group Sounds, que creó su propia red de sonido que capturaba el ambiente de rock garagero de los ’60 al que se aferraron.

Los fichó una compañía multinacional, Phillips, para la que grabaron una plétora de originales como “Mr. Monkey” o “Furi Furi ‘66”, en los que parecían totalmente colgados, junto a unas versiones bastante insanas del “Johnny B. Goode” de Chuck Berry y el “Inside looking out” de los Animals, que siguen sin envejecer cuatro décadas y pico después. Uno de los secretos mejor guardados de la cultura japonesa.

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The Spiders – “Inside looking out”

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The Mops – “The letter”

La segunda generación de bandas del Group Sounds fue tan inventiva como la primera… en realidad lo que más les diferenciaba es que los miembros de éstas nuevas tenían el pelo mucho más largo. Una de las mejores de esta nueva hornada fue The Mops, un grupo muy florido, en la onda visual de Love, que recogía los ecos del garaje rock de los anteriores y le añadía unas dosis extra de furia guitarrera llena de fuzz y unas voces que salían de la garganta de un cantante más enloquecido.

Su endemoniado disco “Psychedelic sounds in Japan” era un collage perfectamente construido de psycho pop alucinógeno que incluía versiones distorsionadas del “The letter” de los Box Tops y del himno del flower power que escribió Eric Burdon, “San Franciscan nights”.

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The Mops – “San franciscan nights”

Cuando después de Beatles y Stones llegaron a Japón por fin Hendrix y Led Zeppelin, las bandas del Group Sounds fueron derrocadas por este nuevo movimiento del rock. Como sus homólogos occidentales, esta nueva generación de músicos se echó en brazos de los largos desarrollos de blues-rock y psicodelia. Bandas como Flied Egg, Food Brain y Farout fueron claves en esta nueva escena, pero la que mayor reconocimiento obtuvo de todas ellas fue Flower Travellin’ Band, que a golpes de guitarras mezcladas con sitar consiguió hacer explotar una compleja y excitante carga de free-rock. Una banda creada, aunque sin formar parte musical de ella, sino ejerciendo de productor, por Yuya Uchido, a quien conocemos más por haberle visto actuar en “Merry Christmas Mr. Lawrence” y “Black Rain”.

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Flower Travellin’ Band – “Satori (Part 1)”

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Flower Travellin’ Band – “Satori (Part 2)”

Uno de mis favoritos de esta nueva etapa de la psicodelia japonesa fue Overhang Party, una banda que hacía una psicodelia más poderosa que las anteriores y que, sin embargo, fue siendo tristemente olvidada por el tiempo al decaer la década de los ’90, a pesar de que fueron el relevo que se hizo cargo de la antorcha que portaban los Flower Travellin’ Band, una vez que éstos se desvanecieron. Lo que hacía Overhang Party era una metamorfosis que sonaba como un choque extraño entre los Pink Floyd de sus comienzos y los fundamentales Velvet Underground en la etapa más atronadora de su tormenta de feedback.

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Overhang Party – “Kizashi”

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Overhang Party – “Mirror”

Con los años ’80 se fue conformando aún otro movimiento psicodélico nuevo, liderado por bandas tales como la casi mítica Les Rallizes Dénudés y, sobre todo, por Fushitsusha, la banda más importante de la época, más que nada porque estaba liderada por el guitarrista Keiji Haino, una de las más grandes figuras individuales del rock japonés. Hasta que comenzaron a reeditarse en CD por el mencionado sello PSF, sus vinilos eran los más buscados por los coleccionistas, que no dudaban en rascarse del bolsillo más de 100 dólares cada vez que encontraban alguno. Y lo cierto es que si te lo podías permitir merecía la pena comprobar cómo la psicodelia podía convertirse en un embrujo tan extremo conducida por la posesa guitarra de Haino, que se convertía en una puerta de entrada para que llegasen hasta nosotros las más oscuras fuerzas musicales del otro mundo. Escuchándolos se aprecia que sus raíces ya estaban en otro lado… en el black metal y en el death metal…

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Fushitsusha – “Don’t be afraid even if your nerves snap…”

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Fushitsusha – “Untitled”

Keiji Haino también dio forma a un trío de versiones que se especializó en convertir antiguas melodías del rock en extensas sinfonías garageras e improvisaciones psicodélicas. El grupo se llamó Aihiyo y, sobre todo en directo, en sus revisiones de clásicos de las Ronettes o los Rolling Stones, o incluso de bandas colegas del principio, como The Spiders, éstas eran desmontadas por completo, despellejadas hasta el hueso y milagrosamente reinventadas de nuevo.

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Aihiyo – “Satisfaction”

Junto con Keiji Haino, otro de los principales instrumentistas de la psicodelia del Japón es el bajista Nanjo Asahito, que fue el motor que impulsaba a grupos como Musica Transonic, Mainliner, Seventh Seal y los más trascendentales (por su música meditativa, no por su reconocimiento) Toho Sara. Pero su experimento de más éxito fue el grupo High Rise, un poderosísimo trío al estilo de uno Blue Cheer empozoñados y regurgitados al máximo volumen, con el que nos volaban el cerebro al golpes de riff de la guitarra de Narita Munehiro. Su disco “Speed free sonic” parecía hecho por tigres salvajes en lugar de por músicos de rock.

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High Rise – “Acid song”

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High Rise – “Like death”

Ghost comenzaron como una banda comunal, siguiendo el espíritu de los experimentalistas del Krautrock que fueron Amon Düül II. La banda estaba liderada por el guitarrista Masaki Batoh y bajo su guía, de entre las ruinas de antiguas iglesias y templos ancestrales sacaron una música que era más edificante espiritualmente que las arremetidas guitarreras de sus contemporáneos.

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Ghost – “Rabi Rabi”

Después de hacer varios discos con PSF firmaron con un sello de Chicago, Drag City, con el que editaron su mejor obra, “Lama Rabi Rabi!”, un disco contemplativo y de gran potencial psicodélico, exuberante de gongs, guitarras y mantras hipnóticos. Su vida musical occidental les resultó lo bastante atractiva como para grabar posteriormente un disco con Damon & Naomi, el dúo que tanto nos gustó, sobre todo cuando anteriormente formaban parte de los Galaxie 500.

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Ghost – “Bad bone”

Hemos citado ya un par de veces al grupo Musica Transonic, cuyo principal guitarrista, Makoto Kawabata, es también responsable de una banda de guerreros psicodélicos llamada Acid Mothers Temple, que podían ser los equivalentes a unos Hawkwind del siglo 21. Pero es que además han ido evolucionando por encima de los solos de guitarra de Kawabata para llegar más allá de los mantras de los anteriores grupos para crear, en su lugar, unas vibraciones folkies que bien podían haber venido de unos intergalácticos Incredible String Band.

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Acid Mothers Temple – “Heroin heroine’s heritage (Part 1)”

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Acid Mothers Temple – “Heroin heroine’s heritage (Part 2)”

Así que ya veis como la psicodelia japonesa continua floreciente y abrasadora. Hemos introducido bastantes nombres nuevos, pero todavía habría más si esto más que un muestrario fuese un tratado enciclopédico. Si te ha picado el gusanillo y quieres profundizar más aún, también sería esencial la búsqueda de otras bandas como Space Streakings, Melt Banana, Boredoms, Ground Zero, Ruins… o estos Yuya Uchido & The Flowers, el germen del que floreció la Flower Travellin’ Band, con los que terminamos el viaje, que hacen una versión del “Greasy heart” de los Jefferson Airplane, que hay que oírla para creerla.

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Yuya Uchido & The Flowers – “Greasy heart”

BLACK POWER

Hoy vamos a tener un recuerdo para el pequeño sello discográfico, como a su co-fundador Jim Stewart le gustaba llamar a STAX, que definió el sonido del soul de todo el sur de los USA.

Su espesa y visceral mezcla de voces poderosas, que provenían de la puerta de atrás del góspel, rugía entre paroxismos de alegría o congoja por encima de un ritmo musculoso, mientras los metales se unían a la acción como buenos amigos, capaces de echar una mano siempre. Tipificado por Otis Redding, este estilo ofreció el contrapunto rural al sonido más alegre y pop de la Motown de Berry Gordy, y estaba más en sintonía con el sonido del tercer gran sello independiente de los ’60, Atlantic Records.

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Otis Redding – “I’ve been loving you too long”

Sin embargo, al contrario que Motown y Atlantic, Stax nunca fue capaz de igualar la majestuosidad de sus sonidos con la de su juicio a la hora de firmar contratos de negocios, y su expansión en los años ’70, imprudentemente rápida, la convirtió en presa fácil para los asaltos de una compañía multinacional y una institución financiera poco escrupulosas que le bajaron los humos y, finalmente, incluso determinaron su cierre.

La historia de Stax tiene dos fases bien definidas. Su primer y más conocido periodo comienza con su formación, en 1960, por Jim Stewart, que era empleado de banca y violinista de country, y por su hermana, Estelle Axton; desde ahí va subiendo a través de primeros éxitos basados principalmente en el trabajo y en la sorpresa, hasta alcanzar la cima con el desarrollo de carreras de estrellas internacionales, principalmente Otis Redding y Sam & Dave. Esta fase termina en 1967.

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Sam & Dave – “Soul man”

Ese año, un grupo de intérpretes de Stax Records estuvieron de gira por Europa y sus estrellas se dieron cuenta de pronto de lo famosos y respetados que habían llegado a ser, mientras que en su país seguían trabajando incansablemente y esforzándose al máximo prácticamente en soledad. Y poco después, el 10 de diciembre de ese año 1967, murió Otis Redding. Y con él murió una gran parte del espíritu del sello. El año siguiente asesinaron a tiros en Memphis a Martin Luther King, y la ciudad ardió, y en sus llamas se quemó el profundamente asentado espíritu de confianza y cooperación que existía en este sello interracial, prácticamente único en su género, que quedó herido de muerte.

Al Bell, un entusiasta promotor discográfico, había entrado unos años antes a formar parte del staff del sello y muy rápidamente fue asumiendo en él cada vez mayores responsabilidades, hasta llegar a convertirse de hecho en el segundo de a bordo, tras Jim Stewart. Después del asesinato de Luther King, los empleados blancos de Stax (incluyendo al propio jefe, Jim, y a su hermana) eran amenazados diariamente al entrar y salir de su trabajo, con la complicidad de Al Bell, que se apoyaba fundamentalmente en dos mafiosos armados y especialmente peligrosos, Johnny Baylor, propietario de Ko Ko Records, y Dino Woodward. La llegada de esta pareja introdujo la cultura de la ley del revólver en el seno de Stax, y la lista de todos aquellos a los que Baylor amenazó con su pistola, dentro y fuera de los estudios, o sufrieron una paliza que él ordenó, se extendió hasta límites alarmantes. Y cuando se convirtió en guardaespaldas de Isaac Hayes, Stax Records se convirtió en algo parecido al escenario de una novela de Chester Himes.

Isaac Hayes eligió el camino de la revolución militante tras el asesinato de Luther King y fue la pieza clave en convertir Stax en un “paraíso” negro, sustituyendo a las secretarias blancas por chicas negras, promocionando a los porteros negros a encargados del servicio de correos de la compañía, a los limpiadores negros a técnicos de los estudios de grabación… y aunque esto fuese una gran fuente de problemas en estos primeros tiempos, posteriormente se convertiría en algo muy positivo que el Oscar que logró con “Shaft” sirviese para abrir paso en Hollywood a toda una generación de compositores negros como Curtis Mayfield, Marvin Gaye, Donny Hathaway, Joe Simon, James Brown y Bobby Womack. Isaac Hayes y “Shaft” crearon el fenómeno de las bandas sonoras de Rhythm & Blues.

Jesse Jackson, Isaac Hayes y Al Bell. Black power.

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Isaac Hayes – “Theme from Shaft”

Financieramente, el sello había sufrido abundantes daños, debido al estilo de principiante con el que Jim Stewart solía cerrar los negocios y firmar los contratos. Por ejemplo, cuando su contrato de distribución con Atlantic terminó en 1968, le cedió a esta compañía todos los masters que Stax había editado y distribuido a través de ellos. ¿Os lo podéis creer…? Le cedió a Atlantic los derechos de todos sus grandes éxitos, por la cara… simplemente porque los nuevos propietarios de Atlantic, que había sido comprada por la Warner, decidieron que una extraña cláusula que Jim parecía desconocer, les daba derecho a quedarse con los masters y explotarlos a su gusto.

Y puede que incluso no fuese éste el peor negocio que firmase Jim Stewart en aquellos tiempos, porque después de eso lo siguiente que hizo fue venderle Stax a la Paramount Pictures. Y no les cobró ni un dólar por la venta, Paramount les pagó en acciones de la compañía; y el equipo directivo de Stax seguía siendo el mismo. Terrible… porque Paramount solamente fue una tapadera de su empresa máster, la Gulf & Western, que nunca supo que hacer con un sello discográfico, y menos aún con uno compuesto en su mayoría por negros; primero la puso como subsidiaria de otro sello que tenía, Dot Records, después dejó que Jim y Al Bell hicieran lo que les diese la gana con el departamento artístico, pero sin meterse en el financiero, y por fin, en 1970, les devolvió de nuevo Stax a ellos. En realidad Jim vendió su sello a Paramount Pictures con la esperanza de poder entrar a través de esta compañía cinematográfica en el mercado de las bandas sonoras; y aunque hasta años después con “Shaft” no hicieron ninguna de especial relevancia, al menos lo mejor que salió de esta oscura sociedad con Paramount fue que Quincy Jones aprendió a sincronizar su música con los 24 fotogramas por segundo que salían en las pantallas. Lo peor fue que Estelle se marchó amargada de la compañía que tanto le había costado crear junto a su hermano.

Booker T & The MG’s fueron los primeros en hacer la banda sonora de una película, fue la de “Uptight”. Y su pieza más conocida formaba parte de ella.

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Booker T & The MG’s – “Time is tight”

Con todos su grandes éxitos, por tanto, en propiedad de Atlantic Records, Al Bell quiso crear otro catálogo para Stax. Y quiso crearlo de forma instantánea. Para ello no se le ocurrió otra cosa que editar 27 LPs a la vez de todos sus artistas. Y la idea resultó ser bastante mala, porque aparte de establecer a Isaac Hayes como superstar y darnos a los majestuosos Staples Singers, lo único que consiguió fue enterrar las carreras discográficas de los demás intérpretes, en un mercado totalmente saturado.

Mientras tanto, Jim Stewart, asustado por las pistolas y por el ascenso de la militancia negra en Stax, fue quedándose más y más apartado en su propia casa, de la que se iban como ratas asustadas también sus mejores músicos. Al Bell se sentía a sus anchas, y se trajo a productores de su confianza, como Don Davis, lo que hizo que se fuese Booker T, y tras él Steve Cropper, y después de él también se fueron todos los Memphis Horn. Fue entonces cuando Estelle Axton, que era la fuente del buen sentido y del ánimo del sello, dijo que no quería volver a salir en la foto. Era el año 1969. Jim la siguió dos años más tarde; y aunque formalmente dijo que renunciaba él mismo a seguir en Stax, casi todo el mundo que estaba relacionado con la compañía de una u otra forma pensaba que en realidad fue Johnny Baylor quien le “persuadió” para que la abandonase.

Estelle Axton en tiempos mejores, cuando aún salía en las fotos. La rodean los MG’s.

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Eddie Floyd – “Knock on wood”

Al Bell, ya como amo absoluto de Stax, firmó un contrato de distribución con la CBS que, siendo un sello blanco, estaba interesado en abrirse camino en el mercado del Rhyhtm & Blues, a la vez que propiciaba que Stax pudiese acceder al masivo mercado blanco. Pero Bell no se conformaba con eso y quería aún más. El problema con que se encontró fue que una compañía tan importante como CBS no se dejaba intimidar por sus métodos mafiosos y lo que hizo fue dejar todos los discos que tenía que distribuir de Stax acumulando polvo en el rincón más profundo de alguno de sus almacenes.

Sin discos que vender, los problemas económicos comenzaron a acuciar a Stax Records, que se quedó sin efectivo para sus pagos más inmediatos (nóminas, proveedores…), lo que hizo que su principal acreedor, el Union Planters Bank, dejase finalmente de darle créditos, que la compañía no podía devolverles. Las deudas crecieron de forma exponencial.

Y un día, la policía detuvo a Baylor en el aeropuerto de Birmingham, Alabama, y encontró en su poder la cantidad de 130.000 dólares en efectivo y un cheque de medio millón más emitido por Stax. Eso hizo que interviniese el FBI, que pasó el caso a la IRS, la agencia del gobierno americano que se dedica a los asuntos de impuestos, que acusó a Baylor, a Al Bell y a Stax Records de fraude fiscal.

Rufus Thomas y su hija Carla firmando el contrato que les ligaba a Stax antes unos sonrientes Estelle, Jim y Steve Cropper, que es en la tercera foto seguida que sale.

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Rufus Thomas – “Walking the dog”

Jim Stewart, incapaz de quedarse quieto viendo lo que estaba pasando con su querida Stax, volvió a envolverse en sus problemas participando de nuevo activamente en su dirección. Para intentar reflotarla no dudó incluso en hipotecar su mansión de Memphis. Pero las deudas eran tantas y las ventas estaban en tal declive que la caída era imparable y lo único que logró Jim fue quedarse sin fortuna y sin mansión cuando el Union Planters Bank liquidó su hipoteca.

El 19 de diciembre de 1975 Stax Records fue declarada oficialmente en quiebra, y a raíz de las leyes que rigen la bancarrota de las empresas en los USA, pasó a ser propiedad de sus acreedores, por lo que el mencionado banco, Union Planters, se hizo cargo de ella, revendiéndola a Fantasy Records a través de una tercera compañía de ésas que se mencionan en películas como “Pretty Woman”, en la que brokers con la cara de Richard Gere se dedican a comprar y vender empresas en horas bajas. De todas aquellas maniobras financieras en la oscuridad resultó que con lo que se malvendió, la CBS recobró tres cuartos de millón de los 11 que Stax le debía; el Union Planters Bank recobró medio millón de los casi 31 que le adeudaban, y apenas quedaron 100.000 dólares para repartir entre la Hacienda americana y los empleados, músicos, productores y compositores de Stax, que ni siquiera pudieron recoger migajas. Y aunque muchos de los que no llegaron a ser estrellas del mundo musical (Earlie Biles, Pete Bishop…) perdieron sus casas y todo lo que de valor poseían, porque no pudieron hacer frente a sus créditos e hipotecas, uno de los más perjudicados fue Isaac Hayes, que se arruinó al no poder cobrar nunca todo lo que la compañía le debía ni cobró nunca tampoco un solo dólar de royalties por sus trabajos como compositor, productor y cantante de Stax.

La esposa de Al Bell tuvo que vender hasta su anillo de bodas para pagar los gastos del juicio contra su marido, y sus hijos todavía hoy tienen en sus brazos y piernas las marcas que les dejaron las picaduras de arañas que habitaban con ellos los insalubres apartamentos, sin terminar siquiera, donde tuvieron que vivir durante muchos años de finales de los ’70 y primeros ’80.

Jim Stewart nunca se recuperó del golpe de haber perdido su querida empresa por dos veces. Desde entonces Stax Records ha pasado por varias manos más y se ha mantenido sobre todo a base de reediciones de grandes éxitos antiguos, aunque de segunda división casi todos, porque los más potentes, al ser propiedad de Atlantic, los editaba esta compañía a través de ediciones propias o cedidas a Rhino Records. Pero como Jim nunca se preocupó de estampar su firma en contratos que le acreditasen como productor de la mayoría de aquellas canciones, nunca ha podido cobrar royalties de ellas y durante muchos años, ya retirado, el dinero para seguir subsistiendo fue una de sus principales preocupaciones diarias.

Con la entrada del nuevo milenio su figura fue reivindicada y su legado con Stax recibió el reconocimiento debido, con un Museo Stax de Música Americana y una Academia Stax y Centro de Artes Interpretativos en Memphis. Cuando Jim fue admitido como miembro del Rock and Roll Hall of Fame en el año 2002, seguía tan abatido y cansado de todo que no fue a la ceremonia en su honor, enviando en su lugar a sus dos nietas.

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The Staples Singers – “Respect yourself”

Jim y Al.

EL DIFÍCIL CAMINO DEL KARMA

Hace veinte años Sevilla hervía de bandas independientes. La infraestructura era bastante pobre, las ganas de salir adelante que tenían todos intentaba compensar esto a base de esfuerzo, trabajo e imaginación. Los grupos comenzaron a asociarse y, de la mano de Andy Jarman, un músico inglés que una vez pasó por Sevilla con su banda A Popular Story of Signs y decidió quedarse para siempre, surgió el COLECTIVO KARMA.

Después de él, y siguiendo su ejemplo, todavía surgió otro colectivo más, Zona Saturada. Sevilla era parada habitual en todas las giras de bandas indies y hasta teníamos nuestro propio festival en El Viso. Pero no todo fue bueno, la Sevilla cainita lanzaba sus habituales dentelladas y en el horizonte no era oro todo lo que relucía.

Pero sobre todo fue una época interesante que ahora va a tener un recuerdo y una celebración. Será el jueves en la sala “Malandar”, y al final de este post tendrás todos los datos de interés sobre esa noche. Aprovechando la publicación del tercer disco de Southern Arts Society, “Another life”, Andy Jarman, que está al frente de este grupo, ha querido aprovechar la ocasión para presentarlo en sociedad rodeándose de un par de bandas y DJs de entonces reunidos de nuevo para la ocasión.

Y aquí queremos también rendir un merecido recuerdo a todos los músicos y gente del entorno musical que hicieron posible todo aquello. Por entonces yo había terminado ya mi singladura en “El Trip de las 5” y ahora tenía “Fiebre del milenio” los domingos a mediodía. Para uno de aquellos programas pude reunir en el estudio a un grupo de personas entre las que había representación de las bandas sevillanas, de los dos colectivos musicales, de la radio, de los organizadores de conciertos… y durante tres horas (bueno, menos el tiempo en que se nos fue la luz y estuvimos sin emitir) más la coda posterior en la mesa de un bar de Gelves, hablamos de la música en Sevilla: del pasado, del futuro y sobre todo de aquel presente que estábamos viviendo todos.

Lo que vas a leer ahora está transcrito exactamente de lo que se dijo allí; no es, pues, una de las historias que suelo contarte aquí, sino la propia actualidad de entonces, en boca de sus propios protagonistas. Te presentaré en forma de diálogo una selección de las muchas cosas que se hablaron, para que puedas formarte una idea, si no llegaste a conocerla, o tengas un vivo recuerdo de aquel inicio de la década musical de los ‘90, si formaste parte de ella. Solo te descubriré que dos de los que estuvimos allí fuimos Andy (lógicamente), que por entonces tenía a sus Strange Fruit y yo mismo (algo también obvio), pero no te descubriré a ninguno más de los participantes porque me consta que alguno no querría aparecer y otros tienen una opinión algo diferente después de estos años pasados. Que ellos mismos se identifiquen si les parece bien.

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Strange Fruit – “American dream”

-El Colectivo Karma es una idea que surgió hace unos dos años, o algo así, y realmente era una reacción a eso que hacíamos de mandar maquetas a todos los sellos de España y no recibir respuesta, o que dijeran que a lo mejor podíamos hacer un single… sin mucho interés. Así que pensamos que por qué no intentar hacer algo por nosotros mismos. Y entonces hablamos con Sr. Chinarro, Long Spiral Dreamin’ y La Maquina Blonde y pudimos encontrar una manera de hacer un concierto y un disco colectivo barato y sin muchos riesgos. Sacamos el disco de “El Colectivo Karma”, que recibió bastantes buenas críticas, y así seguimos…

-Ya estamos en nuestra novena referencia y ahora tenemos varios proyectos, estamos haciendo un LP de versiones de Joy Division con grupos de toda España, dos de Inglaterra y uno de Portugal; y estamos grabando un LP de Explosivos Acme, y está la idea de hacer un disco de algún grupo nuevo de Sevilla, como Lilium, o Radio Ego, o varios más… Todo es más o menos por amor al arte, no ganamos nada, pero poco a poco el sello es algo más conocido y últimamente ha surgido una cosa bastante interesante, ya que parece que vamos a firmar un contrato con WEA para los asuntos de los derechos de autor, y van a ayudarnos a promocionar los discos… Poco a poco la cosa va siendo cada vez más seria y yo soy muy optimista.

-Y también organizamos conciertos, con grupos que vienen de fuera. Conciertos pequeños en el “Fun Club” con gente como Australian Blonde, Maddening Flames y grupos independientes.

-Las bases del colectivo de Zona Saturada y como empezó a funcionar es igual que ha dicho Andy respecto a Karma. Luego el desarrollo no ha sido el mismo. La fórmula de trabajo es ésa, pero hay que trabajar, si no trabajas no hay nada. Ellos trabajan más que nosotros y tienen más cosas.

-Hemos hablado de montar conciertos entre los dos y unificar un poco las cosas, porque me parece ridículo que haya un público para lo que hacemos nosotros y un público para lo que hacen ellos, y me parece posible montar algo en común. Obviamente hay grupos que son diferentes, y a lo mejor montar un concierto de Sr. Chinarro y, por ejemplo, los Wild Pajarracas sería un poco difícil; pero montar Amphetamine Discharge, Strange Fruit, Rhinozeros y Explosivos Acme sería algo perfectamente posible. Y yo creo que hay que intentarlo.

-Nosotros hicimos en principio lo de Zona Saturada porque nos copiamos de esa idea que nos pareció buenísima, sin ningún tipo de problemas ni de prejuicios. Después han surgido ese tipo de rumores y de enfrentamientos que se crean porque alguien, que no se sabe quién es, se pone a decir tonterías, o a lo mejor tiene una opinión personal de él, o tiene algo contra alguien, pero ya nos involucra. Y eso es totalmente falso.

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Explosivos Acme – “The only mistake”

Mientras suena una canción Andy habla de que aquí en Sevilla hay una cierta generación de músicos que parece que tiene algo de envidia de que vayan saliendo grupos nuevos, con otros medios, y a los que no les prestan el apoyo necesario. Casi todo el mundo está de acuerdo.

-Por ejemplo, si viene un grupo como Pribata Idaho a Sevilla, me parece que tiene un tipo de música como para que le pueda gustar a todo el mundo. Pero a lo mejor, porque estén disgustados con el Colectivo Karma, pues hay gente que no va. Lo cierto es que no fueron muchos espectadores aparte de los que van normalmente a los conciertos que organiza el Colectivo Karma, y me parece un poco extraño porque es un grupo interesante y realmente bueno… y nacional.

-Por eso yo decía que a lo mejor resultaba interesante unificar el público de Amphetamine Discharge y de Strange Fruit, porque si yo voy a un concierto de Amphetamine, veo a un tipo de gente totalmente distinto que la gente que va a ver, por ejemplo, a Australian Blonde… y realmente no entiendo por qué, porque son todo gente que está haciendo algo interesante y nuevo y no son tan distintos en su actitud.

-Hablando de lo que significa “la peña” sevillana, un hecho curioso es que al concierto que dieron los Psilicon Flesh en el “Fun Club”, que es un grupo que hace un rock bastante potente, bastante cercano a lo que mucha gente de Sevilla ha escuchado normalmente, asistieron unas quince personas. ¿Cómo se entiende eso?

-Hay un problema clave para la música en España, que no hay una infraestructura de crítica para que la gente sepa que Pequeñas Cosas Furiosas tienen una idea interesante. La gente no lo sabe, y dicen simplemente que no saben tocar. Si fuese en Inglaterra, por ejemplo, tendrían críticas en la prensa diciendo que este grupo no toca muy bien pero tiene ideas muy interesantes, y la gente sabe por qué va a ir a verles. Pero aquí, tú vas al “Indie-pendientes”, por ejemplo, y hay cuatro o cinco grupos diferentes, y a ti te gusta uno, los otros no tanto, y yo creo que la gente pasa un poco de ellos. A los grupos más experimentales no los van a aguantar, y eso es porque no hay un sistema de críticas.

-Por poner otro ejemplo, aquí la prensa pone siempre cosas antes de los conciertos, pero nunca ponen críticas, y es mucho más importante la crítica que el adelanto; el decir “este grupo fue realmente fantástico”, es mucho mejor para todos y para el grupo, porque si la gente lee que ese grupo fue fantástico la próxima vez a lo mejor van a verlo.

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Long Spiral Dreaming – “The trees”

-Es un gran problema para los grupos en España. Si los Australian Blonde fueran ingleses seguro que habrían hecho una gira por América, otra por Europa, y serían como Blur… Pero son españoles y venden 5.000 discos. Y tocan ante mil personas como máximo. Realmente esto es un límite a sus posibilidades.

-Y eso que es mucho más fácil para un grupo empezar aquí que en Inglaterra. Porque allí no le pagan nada a los grupos que no son conocidos; un grupo como Lilium nunca va a cobrar nada en Inglaterra, pero una vez que ya son algo conocidos como Rhinozeros o como Strange Fruit, ya tienen detrás una infraestructura que les ofrece posibilidades de hacer giras, hay críticas… y se puede, poco a poco, subir.

-Aquí solo se puede tocar los fines de semana, desde el jueves hasta el sábado. Y eso, sobre todo para los grupos de Sevilla, es un gran problema, porque todos los conciertos están en el Norte, y hacerte ese viaje todos los fines de semana es un coñazo total. Por ejemplo Australian Blonde han tocado unas 150 veces en un año, porque tienen ganas de hacerlo, pero no hay mucha gente capaz de soportar este tipo de trabajo.

-Si tú quieres ser músico, veo una actitud muy interesante ésa de decir “voy a arriesgar todo lo posible, hasta donde pueda”. A lo mejor mañana, los Amphetamine Discharge están uno como ejecutivo, o vendiendo panfletos por la calle, pero el hecho está en arriesgar un poco y ver hasta donde se puede llegar.

-El mercado español está empezando a copiar de los mercados de Inglaterra y USA. Y también lo que está pasando es que los sellos grandes están usando a los sellos pequeños como A&R (encargados de buscar artistas y repertorio en las compañías) para buscar los grupos que van a ser importantes, y ya si pueden vender 5.000, 3.000 o incluso 1.000 discos en una independiente hay posibilidades de vender 20.000 en una multinacional.

-Si nos fijamos, RCA tiene una relación con Subterfuge para que este sello saque grupos que en realidad los ha fichado la RCA. Si los saca Subterfuge parecen independientes. El nuevo single de Los Planetas va a salir en Subterfuge.

-Hay otra cosa importante, que es que yo creo que a veces las multinacionales hacen una labor peor para los grupos que las independientes; mira el caso de Lagartija Nick, han fichado por Sony y ahora tienen menos éxito que cuando estaban con Romilar-D. Al concierto en la “Sala Capital” fueron menos de 200 personas cuando a la sala “Rrio” fue mucha más gente. Parece que ahora que han fichado por Sony son menos respetados que antes.

-En realidad, es cuestión de suerte; un grupo tiene su momento, y Amphetamine tienen ahora su momento. A lo mejor lo van a aprovechar más que los demás porque están en una posición perfecta, porque no tienen responsabilidades ni nada que dejar atrás. Yo creo que ellos van a ganar. Y creo que el único otro de esta generación que va a conseguir vivir de la música es Luque (Sr. Chinarro). Va a ser un tío que va a poder tocar música durante toda su vida, y le van a pagar. Realmente el único.

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Sr. Chinarro – “El collar”

¿Qué te parecen esas últimas frases del texto? ¿Crees que han resultado ser ciertas? Podemos comentarlo tanto aquí como el próximo jueves en la barra del “Malandar”.

Sobre el escenario estarán SOUTHERN ARTS SOCIETY, como ya te comenté antes, además de LONG SPIRAL DREAMING, la banda en la que por entonces militaba Miguel Rivera, ahora en Maga y los SICK BUZOS de Chencho Fernández, Javi Neria y Concha Laverán. Tras el concierto, seguirá la fiesta de la mano de Javi Vila y Miriam Blanch, componentes de EXPLOSIVOS ACME, que pondrán a nuestros comentarios un adecuado fondo musical que revivirá el ambiente noventero que has respirado leyendo este post.

La hora de comienzo será las 9 de la noche y la entrada solo cuesta 8 euros, comprándola de forma anticipada en “Ropero” (Calle Feria, 37), o 10 si la sacas en la taquilla. Por cierto, que he leído por ahí que los cien primeros en entrar recibirán un regalito…

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Sick Buzos – “Watch out Meredith”

REVOLUTION GIRL STYLE

Para Cristina. Que quiso que recordásemos esta historia de rebelión… ¿utópica…?

Al frente de su banda, intentando hacerse oír a través del feedback de la guitarra, Kathleen Hanna canta “…silencio en el interior de mi silencio interior…” una y otra vez. Mientras lo hace mira lastimeramente a su audiencia y se lleva la mano a la entrepierna en un gesto que, en otra mujer como Madonna, sería una pose de virilidad masculina de exhibición del paquete, y que en ella es un acto de dolorosa protección. Su boca sigue vomitando y rugiendo “…resistiré con cada centímetro de mi cuerpo y con todo mi aliento, resistiré esta muerte psicológica…”.

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Bikini Kill – “Resist psychic death”

La sala está totalmente llena de chicas que aplauden y la aclaman. Todas ellas son RIOT GRRRLS. Su movimiento, llamado así con toda propiedad, había comenzado hacía menos de un año, como un mensaje ruidoso en el que las mujeres querían hacer constar que se habían auto otorgado el poder, y nos lo gritaban a través de varios grupos como éste de Bikini Kill. Todos los fines de semana se aglutinaban en actos como éste para tomar conciencia de sus vidas, para crear arte y música, para planear acciones políticas… para gritar alto y claro…

Tengo tanta rabia que no sé qué escribir, solo sé que quiero escribir algo, que quiero decir algo, que quiero gritar algo; algo poderoso y fuerte que compense la impotencia que siento ahora… quiero gritarle al tío que me dice que las mujeres deberíamos dejar de quejarnos porque ya tenemos todos los derechos que necesitamos. Quiero gritarle a mis hermanos, que solo leen prensa deportiva sin parar y ven telebasura… Quiero gritarles porque yo soy un ser humano como cualquier hombre, pero no siempre me tratan como tal. Quiero gritar porque, no importa lo mucho que grite, nadie me oye…

Kathleen Hanna no fue la creadora de este movimiento, allá en el extremo noroccidental de los USA, pero junto a su compañera de grupo Tobi Vail, y a sus amigas Allison Wolfe y Molly Neuman, del grupo Bratmobile, crearon un fanzine hecho a mano y publicado por ellas mismas que se llamó “Riot Grrrl”, transfigurando la palabra “girl” en “grrrl”, con lo que la asemejaba a un rugido feroz y con esas tres erres la convirtió en el término oficial para describir su movimiento. ¿Cómo podían cambiar lo que significaba ser una chica?, ¿cómo podían reinventar el feminismo para su generación? Estas cuatro chicas pensaron un plan y lo implementaron para poder contestar estos interrogantes. Bikini Kill publicó un manifiesto dando a conocer su propia forma de entender el feminismo, el “Revolution Girl-Style Now”, en el que instaban a las chicas a “resistirse a la muerte psicológica”, a “gritar en público”, a unirse a bandas de rock, a enseñarse a tocar los instrumentos unas a otras, y a pelear juntas contra todos sus posibles agresores, en particular contra El Hombre.

Somos Riot Grrrls porque sabemos que la vida es mucho más que supervivencia psicológica y estamos convencidas de que con el punk podemos hacer llegar a todas que esta idea es crucial para la revolución que busca redimir la mente y la cultura de las chicas y las mujeres de todas partes, y hacer que las vivan de acuerdo a sus propios términos, no a los de los demás.

Porque estamos cansadas de que la sociedad nos diga que ser una chica es igual a ser tonta, que ser una chica es igual a ser mala y que ser una chica es igual a ser débil.

Porque creemos en cuerpo y alma que las chicas constituyen una fuerza revolucionaria que puede hacer, y lo hará, que cambie el mundo realmente.

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Bratmobile – “Brat girl”

Hasta entonces las chicas expresaban sus pensamientos en sus diarios, en sus habitaciones, de forma muy aislada, sin compartirlos con nadie más. El movimiento de las Riot Grrrls unió todos estos eslabones que eran los dormitorios individuales en una moderna cadena menos aislada y más fuerte. El de las Riot Grrrls fue uno de los últimos movimientos que existieron antes de que se extendiese el uso de internet; muy poco tiempo después las chicas podían conectarse muy fácilmente con otras de su misma forma de pensar a través de diarios públicos en forma de blogs, y redes sociales, pero en los primeros años ’90, establecer estas conexiones era mucho más difícil.

Por eso fue tan importante y meritorio que aquellas chicas airadas decidiesen que la única forma de sobrevivir a la cultura misógina que las aplastaba era unirse entre sí para poder luchar contra la opresión que sufrían todos los días. Comenzaron a conocerse, a organizarse, y en poco tiempo consiguieron crear una comunidad que se extendió internacionalmente a través de sus producciones culturales hechas por ellas mismas y su activismo político por la cara.

Era el año 1991 y mientras la corrección política hablaba de valores familiares aunque las chicas seguían siendo violadas y maltratadas por hermanos, padres, novios y otros hombres que se sentían con el derecho de entrar en la habitación de una joven y poseer su cuerpo tanto como su espacio, las Riot Grrrls rompieron el código de silencio asociado normalmente con las víctimas de abusos imponiéndose a sí mismas el desafío de mantenerse firmes y luchar por sus derechos y por los de las demás. Aprendieron que el poder no se da, sino que se toma.

Necesitamos concienciarnos de que no debemos quedarnos quietas mientras nos tratan así. No puedes dejar que nadie controle o te dicte tu vida… nadie puede salvarnos de la opresión excepto nosotras mismas. ¡Chicas, uníos!

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7 Years Bitch – “Icy blue”

Las Riot Grrrls crearon nuevas fórmulas de identificación colectiva e influencia política para la juventud femenina; desafiaron seriamente la creencia popular de que los hombres eran las principales figuras de identificación de las mujeres y que el noviazgo y la boda eran sus únicos objetivos para el futuro. En su lugar crearon toda una comunidad donde los hombres no estaban en el horizonte, los sacaron de la ecuación que regía sus vidas. Como feministas y activistas continuaron debatiendo la efectividad de esta estrategia separatista, contextualizaron la exclusión de los hombres de sus reuniones tanto como una forma de afianzar su poder como por su seguridad.

Porque necesitamos saber que nuestra sangre está siendo derramada, que en este preciso instante alguna chica está siendo violada o golpeada y ésa podrías ser tú o tu madre o la chica que estaba sentada a tu lado en el autobús el martes pasado, y que ahora podría estar muerta mientras tú estás leyendo esto.

Porque necesitamos crear un espacio seguro para las mujeres, donde puedan abrir sus ojos y relacionarse unas con otras sin ser amenazadas por la sociedad sexista y la mierda diaria.

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Sleater-Kinney – “Off with your head”

Como reacción al materialismo rampante de los ’80, que creaba yuppies conservadores en lugar de activistas radicales, las Riot Grrrls crearon una contracultura propia independiente del capitalismo corporativo patriarcal, optando por una forma alternativa y más barata de extender su mensaje a través de la producción y distribución de música, fanzines, películas, vídeos e incluso moda. Y así, el espíritu del “do-it-yourself” que se asociaba con otras culturas alternativas fue adoptado completamente también por estas jóvenes que consideraban necesario tomar el poder en lugar de dárselo a las cuentas de resultados de las compañías usuales.

Rechazaron radicalmente los mensajes misóginos perpetuados por la industria de la moda y la belleza que empujaba a las mujeres a creer que nunca estaban lo suficientemente atractivas. El anti comercialismo de las Riot Grrrls se hizo absolutamente visible en la recuperación y reforma del cuerpo de las adolescentes y en sus accesorios. Llamando la atención sobre el tratamiento de sus cuerpos como objetos en la sociedad machista, ellas hacían su política marcando sus manos, brazos, estómagos y caras con provocativos slogans y con palabras que se usaban normalmente para denigrar a la mujer… guarra, puta, coño… además, a través de una amalgama de cosas que nunca habían estado de moda… ropa de mercadillo, horquillas y pasadores, botas de currante, calcetines hasta la rodilla, piercings , cortes de pelo de formas y colores nada convencionales… las Riot Grrrls realizaron todo un irónico despliegue de afirmación de su género y de su generación.

Mientras el estilo anti glamour era la evidencia que más saltaba a la vista de la formación de una identidad colectiva de estas jóvenes, la circulación de fanzines que contenían poesía, historias, confesiones personales, entrevistas, collages, critica cultural, manifiestos políticos, anuncios, fue uno de los primeros caminos para extender sus mensajes de revolución. Ya fuesen creados de forma personal o colectiva, los fanzines fueron una gran herramienta para las chicas que se sentían aisladas en sus casas, sus escuelas, sus centros de trabajo o sus pequeñas ciudades, estableciendo un lugar en el que todas podían encontrarse y discutir sus inquietudes sociales y personales sin miedo a censuras ni políticas editoriales. Como alternativa a las revistas juveniles comerciales, que potenciaban el consumismo y el romance en lugar de la conciencia crítica, los fanzines de las Riot Grrrls proporcionaban no solo el apoyo al sistema que las jóvenes echaban en falta, sino que también eran una forma de fantasía comunitaria donde ellas podían formular planes de acción para la creación de una sociedad más justa.

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The Tourettes – “The battle hymn”

Y aunque los fanzines fueron un componente crucial en la crítica colectiva y en la redefinición de sus objetivos, fueron responsables en menor medida de la comunicación de los mensajes de las Riot Grrrls más allá de las chicas que ya estaban envueltas en esta comunidad, ya que solían circular entre ellas mismas y la gente que las apoyaba. Sin embargo, la música creada por las intérpretes y grupos de Riot Grrrls sí que fueron el instrumento más importante a la hora de extender su mensaje, debido a su amplísima difusión por todo el mundo a través de las giras y los discos.

Desde que Bikini Kill con su “Double dare yall” llamasen a las chicas a resistir en la lucha por sus derechos, hasta que las postreras The Tourettes con su “Battle hymn” gritasen “no puedo cambiar mi forma de ser para ajustarme a tu mundo”, las canciones de las bandas de Riot Grrrls dieron el valor que les hacía falta a muchas chicas para reafirmarse personalmente y hablar y hacerse oír y luchar. Además las chicas de estas bandas modelaron el espíritu anticorporativista del “do-it-yourself” organizando sus propias giras y editando sus discos y los de otros grupos a través de sellos propios. Y también la distribución internacional de su música influyó en muchas chicas para crear otras formas de expresión cultural, especialmente proyectos de cine y video.

El amplio reconocimiento que les trajo la música trajo también la atención de la MTV y los periodistas que querían contar (y vender) la historia de esta revolucionaria joven cultura femenina. Pero casi todo lo que decían y publicaban era rechazado por las Riot Grrls por ser incompatible con sus experiencias. Viendo en todo aquello una nueva forma de explotación y una representación equivocada de su cultura por parte de periódicos y revistas tan importantes como el New York Times o Newsweek, las Riot Grrrls iniciaron en 1993 un boicot contra la prensa y se negaron a hablar o a ser fotografiadas por los medios más comerciales.

El hecho de que la filosofía y las prácticas de las Riot Grrrls fuese tan ampliamente extendido por su música fue también debido a otras circunstancias simultáneas que redirigieron las miradas de los medios de comunicación hacia otras culturas musicales alternativas. Principalmente fueron dos: el incremento de componentes femeninos en las bandas y de grupos en los que solo había mujeres, que hizo que las revistas comenzasen a hablar del fenómeno “women in rock” y el enorme éxito de muchas bandas indies que pasaron a engrosar las filas del mainstream. Pero tomando como foco el sexo de las componentes de las bandas Riot Grrrls, muchos periodistas redujeron a una comunidad tan diversa como la de estas chicas a un mero apartado del fenómeno de la masiva incorporación de las mujeres al rock. En este contexto equivocado otras artistas más antiguas como Joan Jett o Chrissie Hynde se mezclaban con las Riot Grrrls originales, y muchos periodistas, intentando actualizar la historia de la mujer en la música, conectaba a las bandas Riot Grrrls con otras bandas contemporáneas a ellas como Hole, Babes in Toyland o las L7, aunque muchas de las mujeres de estas bandas habían hecho pública su incomodidad con que las etiquetaran a ellas o a su arte con el sello de “feministas”, y además, todas ellas habían buscado el éxito y el reconocimiento a través de la industria musical establecida a la que las Riot Grrrls se oponían tan rigurosamente; la consideración de estas mujeres como santas matronas de las bandas de Riot Grrrls empañó el status de éstas como una comunidad política y contracultural. Además de esto surgieron otros problemas de esta equívoca genealogía, como que la música de las Riot Grrrls que no se podía encuadrar claramente en algún género del rock era ignorada por completo; que los componentes no musicales de la cultura Riot Grrrl se subordinaban a la música, cuando no eran directamente rechazados; que la historia de las mujeres y feministas que se saliesen de la esfera del rock era borrada y que las individualidades y grupos que habían influido en las Riot Grrrls, pero no estaban envueltos en la música, eran oscurecidos.

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Heavens to Betsy – “She’s the one”

Por otra parte, muchos periodistas intentaron situar a las Riot Grrrls dentro de la historia de la música alternativa refiriéndose a ellas como punks o punkettes y aunque no hay duda de que este nombre no era inapropiado para ellas, estos periodistas no marcaban el contexto de que el punk era un género dominado por los hombres contra el que las Riot Grrrls estaban reaccionando con fuerza. Esta fusión sin más problemas de la contracultura Riot Grrrl con la música punk oscureció muchas de sus motivaciones ideológicas, políticas y económicas más allá del “do-it-yourself”, y borró mucha de su historia como filosofía anti hegemónica de la producción y la distribución; acomodaba la rabia radical de las Riot Grrrls como otra pose anárquica más, que un maestro del punk como Malcolm McClaren podía vender fácilmente a la juventud.

Representar a las Riot Grrrls como un sub-género del punk evitó que fuesen consideradas como una comunidad política ya que los movimientos políticos radicales raras veces son absorbidos en formas consumistas. Las Riot Grrrls eran una fuerza amenazadora cuando sus miembros rehusaban ser representadas así e insistían en que debían ser tomadas en serio como activistas políticos que pedían que el resto de nosotros se replantease el poder social, cultural, económico y político que tenían las mujeres más jóvenes.

No sé decir con seguridad si tuvieron éxito o fracasaron en su intento, pero estoy convencido de que todos los valores que este movimiento tenía en su núcleo siguen siendo ahora tan necesarios como lo eran entonces. Los primero años ’90 fueron tiempos difíciles para ser una mujer, sobre todo si eras una mujer joven, y lo cierto es que las cosas no han cambiado mucho es estas dos décadas siguientes. El absolutismo de la adolescencia siempre se suaviza con el paso del tiempo, pero nunca dejaremos de necesitar su idealismo y su energía, que nos lleven a llamar a las cosas por su nombre, y a decir que lo que es correcto es correcto, y lo que es inaceptable es inaceptable; que nos lleve a conducir nuestras vidas de acuerdo a nuestros propios términos.

Recordar la historia de las Riot Grrrls debería ser un buen paso, ahora que todos estamos comenzando a dar otros muchos.

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Bikini Kill – “Rebel girl”

QUE NO, QUE NO NOS REPRESENTAN

Plan de austeridad de Grecia: recorte de sueldos y pensiones, reducción de subsidio de desempleo, cese de las desgravaciones de todo lo que antes desgravaba, subida de impuestos directos e indirectos que afectará especialmente al grueso de los trabajadores, que son los que perciben sueldos de entre 15.000 y 25.000 euros anuales; se dobla el impuesto de circulación de los coches, se sube el impuesto de cosas consideradas “lujosas”… por citar un ejemplo que a mí me pillaría de lleno… el gasoil de calefacción, en un 185% para las familias; y para las empresas la subida es 10 veces mayor; hay que pagar una misteriosa tasa solidaria…

Mientras tanto, se privatizan los servicios que componen la riqueza nacional: aeropuertos, autopistas, trenes, aviones, puertos, agua, electricidad, gas natural, minas, telefonía móvil, correos, loterías, quinielas… que van a parar a los nuevos dueños de Grecia: Deutsche Bank, AG London Branch, Credit Suisse, Credit Agricole, BNP Paribas, Eurobank EFG Equities, Societe Generale, Ernst & Young, Rothschild & Sons, Barclays Bank, HSBC, Lazard, KPMG, Citigroup Global Markets Ltd…

Como dice Pedro Olalla desde Atenas en el vídeo que circula por internet, las fuerzas económicas y financieras conquistarán por completo el poder, desaparecerá la política como ejercicio de soberanía, la democracia será una grotesca quimera y, gobierne quien gobierne, todos los griegos serán esclavos de un puñado de magnates del dinero.

Así que cuando las barbas de tu vecino veas pelar…

¿Nos vemos el sábado a las 6 en la Plaza de España…? Sí, ya sé que a esa misma hora juega el Betis contra el Madrid, pero…

AND THE WINNER IS…

En el inicio de los años 90 florecían los bares en el centro de Sevilla en los que nos podíamos reunir los aficionados al rock sin tener que dar muchos pasos entre el inicio y el fin de la habitual papalina. La mayoría de las veces terminábamos en el “Fun Club” o en “El amor de la calle”, sobre todo si ésa era una de las noches en las que habíamos organizado concierto los de Producciones Informales y el Luis nos invitaba a ir a tomar copas gratis con la banda que hubiésemos traído… los Fuzztones, los Godfathers, todos pasaron por allí… pero lo habitual es que las primeras charlas y rondas de cubatas comenzasen en los bares del entorno de la calle Pérez Galdós, donde había lugares para prácticamente todos los ambientes y gustos. En la calle de las Siete Revueltas estaba terminando su andadura el “Trama”, antes de que Rafa abriese el “Berlín” el mismo día que nació mi hijo (la sra. Carrascus aún tiene resquemores de que esa noche me fuese allí a celebrar los dos nacimientos en vez de acompañarla en el hospital); el “Maketa” del Tano y el “Chapa” del Loren eran magníficos puntos de reunión también entre varios otros más. Y en esa zona estaban el “Bourbon” y el “Bar-Bería”, los bares regentados respectivamente por Fernando y el Piju, que fueron también los organizadores de dos concursos de rock, que gracias a la ilusión que pusieron ellos y los colaboradores que se les unieron, resultaron ser los mejores de los celebrados por aquí, por encima incluso de los organizados anteriormente por la Diputación y por Canal Sur Televisión.

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Los Depredadores – “Vámonos (que la muerte espera)”

Los Depredadores, a los que has oído aquí arriba, fueron los que dieron el pistoletazo de salida a las dos noches durante las que se celebró la final del primero de los concursos. Pero hasta llegar a eso antes hubo que andar un camino previo…

Un camino que comenzó con Fernando anunciando el concierto y eligiendo al jurado, en el que tuve el honor de encontrarme. Aunque estuve a punto de quedarme fuera porque llegué muy tarde a la primera de las reuniones. Este primer acercamiento de todos con lo que iba a ser el concurso se produjo en casa de Fernando, por el centro de Sevilla, y coincidió con uno de los partidos de baloncesto del Caja San Fernando (del que soy socio desde su fundación) que era imposible perderse. Esa temporada teníamos que desplazarnos a verle al Pabellón de Amate, y venía el Atlético de Madrid, que por entonces tenía un equipo de basket en el que militaba el fantástico Walter Berry. Él solito se las apañó para meter más de cuarenta puntos en un partido épico que el Caja nunca hubiese debido perder si no hubiese cometido aquellos fallos infantiles en los últimos minutos… pero, como siempre, me voy por las ramas cuando me pongo a hablar de baloncesto…

El caso es que en aquel partido se fue la luz y estuvimos a oscuras más de una hora, por lo que este retraso hizo que cuando llegué a la reunión del jurado ya estaba casi todo el pescado vendido y se habían acordado las bases, las fechas, y todos los demás detalles que hicieron que posteriormente la cosa funcionase como un reloj.

En los dos bares organizadores se recogieron un total de 49 maquetas de grupos sevillanos de los que tuvimos que elegir a doce, que serían los que pasasen a la final. Y lo hicimos en una reunión maratoniana que tuvo lugar en casa de Jorge Molina, allá por la calle Torneo, y que pudimos soportar sobre todo porque Fernando nos tuvo abastecidos de pizzas y de unos polvos blancos, de los que yo pasé completamente porque pensé que eran la harina que se había desprendido de la masa de las pizzas… aunque luego me enteré de que eran otra cosa, jejeje…

La verdad es que fue un trabajo bastante duro separar toda la paja del grano, y aunque entre nosotros hubo mucha disparidad de criterio, por fin logramos ponernos de acuerdo en la docena de bandas finalistas y sorteamos el orden en que participarían: Los Depredadores, Chatarra, Los Reservados, Velbim 20, Los Restos, Hébridas, Los Sudakas, Compañía Malpaso, La Mirada, Los Malditos, Los Pestiños Reveníos y La Sombra. La gran final se celebraría en la sala “Roll Dancing” durante las noches del último viernes y sábado de noviembre de 1990.

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Hébridas – “Perdido en el desierto”

Seguramente Hébridas fue el grupo que más recorrido tuvo de todos ellos después de este concurso, a pesar de que en él no destacaron demasiado. En este 1990 todavía eran una banda a medio conformar, en la que no figuraba Sandra, la cantante, que se unió a ellos en el 92 para mantenerse en sus filas hasta el final, que llegó tres o cuatro años más tarde debido al desinterés de todos y al poco éxito del disco que grabaron, ése del que os he reproducido ahí arriba la foto que ilustraba su portada, que mostraba a las madres de todos ellos con el instrumento que tocaba su hijo respectivo.

De la docena de finalistas, los que más experiencia acumulaban y hacían las cosas de forma más profesional eran probablemente La Sombra, cuyos componentes habían pasado ya por Círculo Vicioso y Los Amos del Mundo, y además hacían una música más convencional que la de los otros grupos y más asequible al gusto del público medio. La verdad es que venían a la final muy sobrados, y el hecho de que fuesen los últimos en actuar hacía que Paco Alejo nos dijese que “así es como tiene que ser… todos los demás están de teloneros nuestros…”.

Y aunque no les fue mal del todo ya que fueron el tercer grupo más votado, posiblemente no le faltase razón a su saxofonista, Aquiles del Campo, en unas declaraciones que Luis Clemente recogía en su libro sobre la historia de Sevilla: “La Sombra es un grupo que va a gustar al público, pero no a los músicos de Sevilla, que son una gente rarísima, con gustos totalmente diferentes a los del público”.

Eso que decía Aquiles se demostró palpablemente en las últimas deliberaciones del jurado, que el día de la final se había incrementado con la participación de varias chicas porque Fernando quería que los que votásemos no fuésemos únicamente tíos “entendidos” en la materia, sino también mujeres, gente que representase al público que suele oír el rock sevillano, gente de los bares del ambiente musical y también músicos (aunque los que estaban ya consagrados no tenían tiempo para esto y los demás eran participantes del concurso), ya que en las previas solo habíamos sido gente de la prensa y la radio. Y fueron estas chicas las que votaron masivamente a La Sombra…

Repasando la lista podemos ver también a unos primerizos La Mirada, en el que participaba como bajista nuestro amigo Vidal. Ellos fueron los que abrieron el segundo día del concurso, que se estructuró de forma que en la primera noche tocasen las ocho primeras bandas de la lista, y en la segunda las cuatro restantes, pudiendo interpretar hasta tres canciones cada una de ellas (¿o quizás fuesen cuatro…? a ver si alguien lo recuerda mejor). Después habría un fin de fiesta con un concierto de Los Enemigos durante el cual los miembros del jurado discutirían su veredicto, y tras una nueva interpretación de la banda ganadora, después de entregarle el cheque de 150.000 pesetas en que consistía el premio, dar por terminado el concurso.

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Velbim 20 – “Fría”

En esa foto podéis ver un buen muestrario de la gente que se reunió por allí. Se tomó en los servicios del “Roll Dancing” poco antes de comenzar las deliberaciones, aunque ahí no estamos todos los del jurado, y también hay gente que no formaba parte de él. El que está en primer plano, con la cerveza y los papeles para las votaciones es Luis Clemente; tras él podéis ver a Yola, una chica que creo recordar que tenía una tienda de antigüedades por el centro, y a Cristina, que era la que iba poniendo los carteles del “Fun Club” que solíais ver por las calles de Sevilla; ellas formaban parte del jurado representando a la gente de los bares y oyentes generales del rock sevillano. Detrás de Cristina aparezco yo y detrás de mí podéis ver a Blas Fernández. La que está a mi lado es Lourdes Carvajal y delante de ella está Emilia Pinzón… ésta última creo que no formaba parte del jurado, aunque no estoy muy seguro, pero Lourdes creo recordar que sí, y representaba a los músicos sevillanos. Otro de los representantes de la prensa que había en el jurado era Jorge Molina, el tipo altísimo al que podéis ver detrás de Emilia, y que no hace mucho escribió aquel controvertido libro de “123 motivos para no viajar a Sevilla”, al que ha seguido este mismo año otro sobre Doñana. A su lado asoma la cabeza de nuestro amigo Juanma, que no formaba parte del jurado, pero no se perdía un concierto. Delante de él, otra de las chicas del jurado, Pilar Contreras, de la que yo siempre anduve platónicamente enamorado (como casi todos los que trabajábamos con ella en Radio Aljarafe) y por último, a su lado, el Fernando, el artífice máximo de todo lo que se estaba celebrando allí. Él se dedicó a dar vida a todo aquello y no quiso formar parte del jurado, que para esta final fuimos once miembros. En la foto no aparece Natacha Ródenas, que también representaba a los oyentes habituales de rock, ni José Manuel, el dueño de discos “Burial”, que yo juraría que también era uno de nosotros… y seguramente se me olvida alguien más… a ver si en los comentarios lo concretamos del todo.

La mecánica de la votación fue la siguiente: cada uno de nosotros votamos por los tres grupos que más nos hubiesen gustado, sin ordenarlos de más a menos ni nada de eso, solo los nombres de los tres preferidos. Y tras el recuento final, el que más votos hubiese tenido sería el ganador.

Yo voté por la Compañía Malpaso, Los Restos y Velbim 20. Y “ayudé” en su votación a Natacha, que estaba sentada a mi lado, que tenía en su papel los nombres de La Sombra, los Pestiños y no sabía cuál más poner porque todos los demás le habían gustado o disgustado de forma similar; así que me preguntó que a cual más votaba, y yo le sugerí que lo hiciese a los Malpaso. Seguramente entre los demás miembros del jurado hubiese también todo tipo de intercambio de nombres, pero el que Natacha me hiciese caso probablemente hizo que Los Restos no fuesen los ganadores en primera instancia del concurso, porque al final hubo empate a votos entre ellos y la Compañía Malpaso. Los terceros, como ya dije antes fueron La Sombra.

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Compañía Malpaso – “Los hijos de Dios”

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Los Restos – “Gloria al alcohol”

Aún hoy, después de tantos años como han pasado sigo creyendo en la justicia divina de aquel resultado, porque entonces las dos tendencias mayoritarias en el rock de todo el mundo eran el grunge que venía de Seattle, y el rave que venía de Manchester, y aquí en nuestra ciudad teníamos una muestra genuina de cada una de estas tendencias: los Malpaso y los Restos, respectivamente. Y la mayoría estábamos de acuerdo en que eran los mejores.

Pero lo que no teníamos previsto es que hubiese un empate, así que hubo que improvisar una segunda votación. Esta vez cada uno de nosotros votaríamos solamente por una de estas dos bandas, para tener un ganador; al ser once miembros no podía haber un nuevo empate de ninguna manera. Y si antes de la primera votación estas dos bandas estaban claramente entre las favoritas, ahora mismo nadie podría decir cuál de las dos tenía más posibilidades de ganar, porque estábamos a expensas de lo que votasen las chicas, de las que ya sabíamos que después de La Sombra las demás les daban más o menos lo mismo…

Y comenzó el recuento. Luis extrajo la primera papeleta y leyó… “Los Restos”. Uno a cero. Tras sacar la segunda le volvimos a oír decir… “Los Restos”. Y lo mismo ocurrió después de sacar la tercera papeleta. Cuando tras extraer la cuarta le volvimos a escuchar el nombre de “Los Restos”, ya pensamos todos que el concurso tendría un claro ganador. Así que no nos extrañó lo más mínimo que después de sacar la quinta dijese… “Los Restos, de nuevo”.

Cuando sacó la sexta papeleta, se dibujó una sonrisa en su cara… “hombre… un voto para la Compañía Malpaso…”. Bueno, al menos no se iban a ir de vacío. Más aún porque en la séptima papeleta también estaba escrito su nombre. Cuando salieron la octava y novena papeleta y Luis leyó en las dos… “Compañía Malpaso”, todos comenzamos a poner cara de “no me puedo creer que vaya a pasar lo que parece que va a pasar…”. Y tras la extracción de la décima papeleta, en la que se podía leer el nombre de… “Compañía Malpaso”, se produjo el inesperado empate. Quedaba una sola papeleta y ahora sí que podía suceder cualquier cosa; el comentario general, entre la euforia producida por la emoción que estábamos viviendo era que “ni a Alfred Hitchcock se le hubiese ocurrido un final más disparatado e intrigante…”.

Y la última papeleta por fin nos dio un ganador; Luis leyó el nombre casi sin podérselo creer… y Compañía Malpaso ganó el concurso, tras superar el 5-0 inicial con seis votos seguidos.

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Compañía Malpaso – “Solo tú calmas mi sed”

Y aunque Los Restos hubiesen sido unos ganadores tan merecidos como Compañía Malpaso, resultó que si ya antes la justicia divina nos había hecho un guiño, ahora nos hacía otro más con este resultado, porque Compañía Malpaso había participado unos meses antes en el concurso de rock para grupos andaluces que organizó el programa “Duduá”, de Canal Sur Televisión. Los Malpaso eran los favoritos de casi todos los miembros del jurado de este anterior concurso y hubiesen resultado vencedores de no ser porque el director del programa dio su opinión convertida en orden: “¿Cómo van a ganar éstos si lo que hacen no es música sino ruido…?”. El resultado fue que bajaron a la segunda posición, y en su lugar los ganadores finales fueron Lagartija Nick.

El destino, sin embargo, no tuvo tanta piedad de Los Restos, porque en el siguiente concurso que los bares Bourbon y Bar-Bería organizaron un año después (ahora con una bolsa incrementada en 50.000 pelillas más), a pesar de ser los favoritos, volvieron a quedar en segunda posición.

Ese año yo no participé en el jurado, aunque sí estuve presente entre el público las dos noches de la final en el Roll Dancing, y la verdad es que sentí una gran decepción viendo como Los Restos volvían a quedar relegados, y esta vez no por una banda que fuese igual o mejor que ellos, sino por Los Jaspers, que hacían un rock progresivo muy pasado de moda, pero que sonaba bien a los oídos hechos al rock clásico de la flauta de Ian Anderson y similares… fue una verdadera pena, porque en aquella final se quedaron en el camino, aparte de los Hébridas otra vez, gente como Amphetamine Discharge y Sr. Chinarro, que luego han sido muchísimo más significativos en el mundo del rock que los olvidados Jaspers.

El no haber sido miembro del jurado esta vez, aparte de no ser partícipe de aquel fallo perpetrado, me permitió ver uno de los mejores conciertos que recuerdo de Dogo y Los Mercenarios, que fueron los que esta vez pusieron el punto y final al concurso…

…bueno, en realidad el punto y final lo pusieron los agentes de la policía municipal, que se presentaron allí mientras Los Jaspers, después de recoger su cheque, hacían de nuevo su versión del “Voodoo chile”, advirtiéndonos que las dos y media de la mañana ya no eran horas para seguir metiendo tanto ruido.

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Los Restos – “Syd Barret cuida de mí”

GOOD OSCILLATIONS

Reconocido por, ni más ni menos, que el Dr. Robert Moog, como el desarrollo más importante en la historia de la música electrónica, el THEREMIN fue inventado por el genio franco-ruso Leon Theremin en 1920. Fue el momento cumbre de una extraordinaria carrera que vio al inventor sumergirse desde el triunfo a la tragedia.

El theremin consiste en dos osciladores que generan frecuencias ultrasónicas idénticas; uno de los osciladores está fijo, pero el otro puede varias su secuencia de sincronización, y la diferencia entre los dos produce una nota audible.

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The Beach Boys – “Good vibrations”

El prototipo del theremin tenía un pedal para controlar el volumen, antes de asentarse con su método distintivo de usar la impedancia que ofrece el cuerpo humano al paso de una corriente eléctrica para modificar los campos magnéticos que emanan de dos antenas, una vertical, para controlar el tono, y otra horizontal en forma casi de aro, para el volumen. Y como el intérprete nunca llega a tocar las antenas, lo que parece en realidad es que esté conjurando los sonidos desde el propio aire. Aunque esa falta de contacto de las manos con él, hace también del theremin un instrumento bastante dificultoso de controlar, y es necesario tener en cuenta distancias muy pequeñas en el aire, porque el más mínimo temblor de manos causa que la nota musical pase a otro tono diferente.

…atentos a Jimmy desde el minuto 1:40 del vídeo…

Leon Theremin fue un tipo prodigiosamente inventivo, que trabajó en otras muchas cosas menos conocidas; por ejemplo, la plataforma de baile Terpsitone, en la que usaba los mismos principios que con el theremin, para crear un instrumento en el que el movimiento físico del bailarín servía para crear música; y muchos años antes de que lo hiciesen los Kraftwerk, él ya usaba el Rhythmicon, la primera caja de ritmos del mundo. También inventó un cello electrónico sin cuerdas allá por los años 20.

Pero su genialidad no se limitaba a la música; Theremin también inventó una alarma antirrobo, basada en esos mismos principios eléctricos, que impresionó tanto a Lenin que la instaló en el Banco Estatal Soviético. También trabajó en una televisión muy primitiva, que los rusos usaron como instrumento de vigilancia, mientras que los desarrollos de sus inventores occidentales rivales en el mismo campo, potenciaron en Europa y los USA su uso para el entretenimiento. Diferencias culturales, ya veis…

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Portishead – “Mysterions”

Leon Theremin, sin embargo, demostró también ser bastante adaptable a la decadente cultura imperialista cuando se trasladó a los Estados Unidos en los años 20, firmando un contrato con RCA para la fabricación comercial de los theremines. Su reputación como elemento exótico adjunto a la escena social se cimentó del todo cuando se casó con la bailarina de raza negra Lavina Williams. Pero cuando mayor era su fama, en 1938 fue secuestrado en New York por la NKVD rusa (las fuerzas de seguridad del comisariado del pueblo) y trasladado a Magadan, uno de los gulags más brutales de Siberia.

Después fue forzado a trabajar en proyectos militares, desarrollando instrumentos de rastreo para localizar submarinos enemigos, y pequeños micrófonos ocultos para espionaje y vigilancia.

Los ocho años que pasó como trabajador forzoso le congraciaron con el Régimen, y en 1947 fue liberado y premiado con la Medalla de Stalin por sus esfuerzos en favor del espionaje soviético. Eso le permitió volver a la música, ingresando en el Conservatorio de Moscú…

…pero sus problemas no acabaron ahí. Cuando un artículo en el New York Times reveló años después que continuaban sus flirteos, ya en los años 60, con la cultura americana, interrumpidos con su secuestro, volvió a caer de nuevo en desgracia y fue expulsado del Conservatorio, a la vez que sus instrumentos e inventos en curso fueron confiscados y destruidos. Así que Theremin se plantó en la década de los 70 teniendo que comenzar su vida prácticamente de nuevo. Y tan incontenible como siempre, se dedicó a desarrollar un theremin controlado por el movimiento de los ojos.

Leon Theremin falleció a finales de 1993, cuando contaba 97 años de edad.

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Mercury Rev – “Tonite it shows”

En su obligada ausencia soviética, el instrumento de Theremin siguió abriéndose paso en la cultura occidental, gracias a algunos virtuosos que incluían en sus obras la música que emanaba de él, sobre todo incluyéndola en bandas sonoras de películas de ciencia ficción.

Y en el mundo del rock, el theremin también ha sobrevivido como una presencia agitadora y discutible en la música de Stereolab, Mercury Rev, la Jon Spencer Blues Explosion… todavía ululando… noventa años después…

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Jon Spencer Blues Explosion – “Greyhound”

L’ESPANYA DE XARANGA I BARRETINA

En las anteriores entradas que habíamos dedicado a contar el nacimiento del rock en diferentes puntos de España, diferenciados por sus situaciones sociales y económicas, no habíamos profundizado todavía en cómo surgió el movimiento conocido como ROC CATALÁ.

Si comparamos la forma en que este fenómeno surgió en la ciudad condal encontraremos algunas similitudes con la forma en que surgió en Sevilla y sus alrededores el rock andaluz, pero también algunas diferencias importantes. Al igual que ocurrió en Sevilla, en Barcelona no surgieron los grupos de rock de la noche a la mañana, allí ya había un trasfondo musical importante mantenido por los músicos de la Nova Cançó, que si bien hacían una música que nada tenía que ver con el rock, pero podemos considerarlo el semillero de los músicos del roc catalá… Sisa, Albert Batiste, Pau Riba… mucho más que todas aquellas bandas primeras, bastante más cercanas al rock, de las que ya hemos hablado por aquí: Sirex, Mustang, Salvajes, Lone Star… en lo que respecta al roc catalá ninguna de estas bandas sirvió para nada.

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Sisa – “Carrer”

El punto de partida podemos situarlo en la editora Els quatre vents, fundada por Angel Fábregas, en la que creció y se popularizó el Grup de Folk, que aunque llegaron a convertirse en los mayores contestatarios y revolucionarios de la cultura ortodoxa venían de unos principios tan católicos como el movimiento diocesano y los boy-scouts catalanes. La base del trabajo que hacían estos cantantes folkies se nutría de canciones americanas de Bob Dylan, Joan Baez, Pete Seeger, traducidas al catalán, que posteriormente, gracias sobre todo a Pau Riba y María del Mar Bonet, se fueron cambiando por canciones tradicionales, unas veces respetando la forma en que siempre se habían cantado en Cataluña y otras veces cambiadas en su forma y letra para molestar a esa cultura ortodoxa que antes mencionábamos.

El folk que practicaban todos estos músicos era, en realidad, una evolución de sus ideas anteriores; y como las ideas como mejor se desarrollan es siguiendo en su evolución, el siguiente estado en el que se encontraron todos estaba ya más cercano al rock que al folk. La primera experiencia que podemos llamar rockera fue el lanzamiento de Sisa, con su música ya electrificada, y con los teclados y arreglos de Enrique Herrera, que se convirtió en el personaje principal de todos los discos nuevos que iban sacando las bandas, hasta que se decidió a reunir a tres colegas más y formar la suya propia en 1969. Así nació Màquina!

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Màquina! – “Earth’s daughter”

Y ésta fue en Barcelona, como ocurriese también en Sevilla con Smash, la banda singular que aglutinó las posturas vitales de los jóvenes rockeros. Y aunque Smash subvertió los conceptos de estos jóvenes a través de lo que hicieron con su música, en realidad lo mejor de Màquina! fue lo que nunca llegó a hacer: cantar en castellano en un programa hortera de televisión española dirigido por Valerio Lazarov. Porque Màquina! fue un grupo en el que la profesionalidad nunca brilló más que por su ausencia, lo que les hizo incumplir multitud de contratos y no gozar jamás de ningún éxito popular. Al contrario que lo que ocurrió con Smash, a ellos prácticamente no les había escuchado nadie, su prestigio les llegó por otra vía…

Porque cuando Lazarov mandó llamar a Màquina! para grabar en los estudios madrileños de Prado del Rey, y exigirles además que cantaran en castellano, lo único que consiguió fue hacer germinar una conciencia de clase que terminó por convertirse en el movimiento de música popular más fuerte de la España de aquellos tiempos. Con la negativa de Màquina! a hacer aquello, en Barcelona ya no solo no se iba a hacer rock adulterado en castellano, sino que ni siquiera se iba a hacer rock. Desde aquel otoño de 1970 los músicos más concienciados de aquella ciudad iban a hacer la música que sentían, tal como la sentían… iban a hacer roc catalá. O al menos iban a poner las primeras piedras para comenzar a edificarlo y comenzó a tomar cuerpo de la mano de Música Dispersa, Agua de Regaliz, Vértice, Cerebrum, Crac, Om…

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Pau Riba – “Rosa d’abril (l’amor s’hi posa)”

Hace siete u ocho meses que todas las presiones externas a mi creación, los líos de censura, la precariedad de las actuaciones y los consejos para hacer discos me los paso por los cojones. Quiero hacer las canciones que me gustan, con las letras que me vengan en gana y la música que me interesen. Y las cantaré como yo entienda que deba hacerlo. ¿Que no me pasan la censura? Mala suerte. ¿Que la casa de discos no se arriesga a grabarla? Mala suerte, ¿Que Fulano de Tal no quiere oírme? Mala suerte. ¿Que nadie quiere contratarme para actuar? Pues mala suerte… (PAU RIBA)

Y en esos siete u ocho meses, Pau Riba no actuó ni una vez, claro. Pero los músicos tomaron conciencia de clase, sintieron la necesidad de expresarse en su propio idioma, bajo una cultura propia y dentro de un contexto autóctono muy definido. Rompieron definitivamente con la interpretación de versiones y ahondaron en el folklore propio; los grupos de barrio que hacían cançó también se electrificaron, se unieron, contrastaron opiniones y criterios… y al ser Barcelona una ciudad innegablemente con más influencias europeas que el resto de las ciudades españolas, podía poner sus ojos más allá de Perpiñán y tener más accesibilidad a las fuentes musicales originales. Eso posibilitó que los nuevos grupos de rock pudiesen dejar de basarse en los patrones consumistas y bebiesen directamente de los artistas más interesantes tanto creativa como técnicamente… Miles Davis, Weather Report, Traffic, Yes, Larry Coryell, John McLaughlin… el camino que seguían los músicos progresivos catalanes era paralelo al que seguían los músicos del resto del mundo, con la diferencia de que en lugar de apartarse del jazz para avanzar por el rock, aquí abandonaban el folk de toda la vida para madurar en el rock… bueno, en el roc.

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Música Dispersa – “Arcano”

De todas formas, al igual que en el resto de España, las movilizaciones rockeras seguían siendo una cosa minoritaria; en plena efervescencia del movimiento underground, el disco que más se vendió en España en 1970 fue “Un rayo de sol” de Los Diablos. Y los catalanes, además, tuvieron que enfrentarse a otro obstáculo, colocado en su camino por el resto de las compañías discográficas del país, que para aprovechar el tirón de las buenas bandas que estaban saliendo a flote con una credibilidad musical basada en adaptar lo que hacían los grandes del rock en el extranjero, decidió inundar el mercado español con todos los discos originales de esas bandas, que hasta ahora habían estado inéditos aquí. La gente del resto de España, pues, prefirió gastarse su dinero en discos de Santana, Chicago, Blood Sweat & Tears, Simon & Garfunkel, Bob Dylan, y sobre todo en un disco de referencia para todos los que andamos ya con la cincuentena pasada, que se podía comprar a precio normal aunque fuese doble, y que por eso teníamos todos en nuestras casas; se llamaba “Llena tu cabeza de rock” y reunía una grandísima muestra de todos los grupos y artistas progresivos americanos. Con él descubrimos nuevos mundos casi todos los jóvenes rockeros del país, y dejamos de lado el camino que comenzaron los catalanes.

Pero allí, en Barcelona, resistieron bien el tirón; y aunque en los conciertos, los festivales, las salas, se reunía también siempre la misma gente, allí, seguramente como consecuencia de la costumbre y de las raíces del folk, el número de personas que se metió de lleno en el roc catalá creció de forma exponencial, y en el escaso tiempo de cinco años, cuando el festival de “Seis horas de cançó” de Canet abrió paso al primer festival de “Canet Roc”, en él se reunieron cincuenta mil personas, toda una fuerza popular que no estaba allí atraída por ningún grupo estrella extranjero que pudiese justificar aquel poder de convocatoria; no, allí solo había grupos catalanes sirviendo de catalizadores de toda aquella fuerza… Iceberg, la Companya Electrica Dharma, Ia & Batiste, Oriol Tramvia, la Orquesta Platería, la Mirasol… bueno, sí que hubo dos actuaciones de artistas que no eran catalanes, pero eran artistas que habían vivido las mismas circunstancias vitales que éstos y eran perfectamente asimilables: Gualberto y Lole y Manuel, pero que incluso con ese pedigrí fueron los más incomprendidos, subvalorados y fuera de lugar de todo el festival.

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Iceberg – “La flamenca eléctrica”

Posiblemente los catalanes también padecieron esa mala costumbre española de mirarse demasiado el ombligo, y con la euforia y las ganas de vender el roc catalá comenzaron a lanzarse al mercado discográfico una serie de grabaciones de muy floja calidad que en el resto de España comenzaron a rechazar, sobre todo porque los medios que más se ocupaban de la cultura underground de aquella época se empeñaban en identificar la identidad del rock español con la del roc catalá, dejando de lado las sombras, la impotencia, la dispersión y la renuncia que acechaban al movimiento en su crecida. La carta que me publicó el Vibraciones y que Luis Clemente reprodujo en su libro sobre el rock sevillano fue solo una pequeñísima gota en un mar de quejas, y desde Madrid también se echaba constantemente en cara a Barcelona el desdén hacia los trabajos que no saliesen de allí.

La contestación, aparte de la que me hizo a mí Claudí Montañá (y perdón por personalizar, pero es testimonio de primera mano) sobre que “en Catalunya se hace la mejor música de todo el estado español” también tuvo órdagos como el último punto de la carta que los responsables de la sala Zeleste, con la firma de un gran número de músicos del roc catalá, dirigió a la prensa de entonces:

Exigimos una crítica musical inteligente y culta, que se deje de tratar al movimiento musical de Barcelona como un género de subnormales. El nivel técnico y creativo, la seriedad y profesionalidad de nuestros músicos y la cultura de nuestro pueblo se lo merecen.

Ya veis, pocos y mal avenidos… quizás todo el problema radicase en ver este fenómeno como divagaciones lingüísticas y nacionalistas en lugar de verlo como caudal de sentimientos; al fin y al cabo el rock es algo que no se puede definir, ni explicar; el rock, además de esa cosa que cada dos o tres meses algún enteraíllo dice que se está muriendo, es lo que tú y yo sentimos cuando escuchamos esa música que te abre los labios en una sonrisa o te los tuerce en un gesto de indignación. Eso es el rock… o el roc.

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Companya Elèctrica Dharma – “Ball llunàtic-toc”

LOS COLORES DEL ARCO IRIS

Judy Garland había muerto hacía unos días. Un icono se había ido para siempre. La chica que nos prometía tiempos mejores al final del arco iris había fallecido en Inglaterra el día 22 de junio de 1969, cuando solo contaba con 47 años de edad. Fue encontrada sin vida en el piso que tenía alquilado en Londres.

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Judy Garland – “Over the rainbow”

A pesar de que Judy estaba continuamente luchando con sus problemas de salud y que sus deudas ascendían ya a más de un millón de libras, su desaparición parecía increíble. Pero la realidad golpeó a todos sus compatriotas cuando unos días después el cuerpo de la diva llegó volando desde Inglaterra hasta Nueva York, para reposar en la funeraria de la Avenida Madison, esquina con la 81, donde 22.000 personas desfilaron delante de su ataúd abierto durante las siguientes 24 horas. Previamente a su entierro, el día 27, se ofició una ceremonia fúnebre a la que asistieron dolientes como Frank Sinatra, Yip Harburg (el autor de “Over the rainbow”) o James Mason, que fue quien leyó el panegírico.

Mientras eso ocurría algunos gays acudieron al Stonewall Inn, en el Greenwich Village, para beber, bailar y celebrar su recuerdo. Pero la policía hizo una redada, golpeó a los dueños del local y detuvo a los clientes para determinar que eran hombres. Hubo rumores de que la policía había acudido a cerrar el Stonewall por vender alcohol sin licencia y que todo se les fue de las manos. Pero el caso es que los gays decidieron que ya estaba bien de marginación y maltrato, y se rebelaron contra la ley que le imponían. Jayne County, en su autobiografía titulada “Lo suficientemente hombre para ser una mujer”, cuenta como Peaches y Marcia, dos de las reinas de la calle más guerrilleras, se pusieron realmente furiosas y cerraron la puerta del Stonewall, apilaron un montón de basura contra ella, y le pegaron fuego mientras los policías estaban todavía dentro. Aquello provocó que todavía apareciesen más coches de policía, y los disturbios se multiplicasen.

Todos los vecinos del Village se pusieron de parte de los sublevados, y se organizó una marcha en la que todos los gays, lesbianas y travestís iban cantando mientras lanzaban besos a los policías vestidos con todas sus armas antidisturbios.

El enfrentamiento principal solamente duró un par de horas, bastante adelantada ya la madrugada del día 28, y la policía, que sufrió cuatro heridos entre sus miembros, realizó trece detenciones. Los gays suponían que la policía había asaltado el Stonewall porque no habían recibido sus habituales “mordidas”. Y que los polis confiscasen la caja registradora pareció confirmar que su interés era puramente económico.

Pero cualquiera que fuese la razón, por primera vez los gays se unieron para protestar. Y por esa causa el 28 de junio fue designado como el DIA DEL ORGULLO GAY.

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Plushgun – “Dancing in a minefields”

…y bailamos en un campo de minas con una botella de whiskey.

Hacemos ruidos con juguetes eléctricos,
y hay chicos besando a otros chicos
en el momento en que llegan los policías.
Y nos empujan, y nosotros les empujamos a ellos.
Sí, mantenemos nuestro lugar en su moralidad de policía estatal.
Nos echan a patadas y volveremos de nuevo, esta noche si no ahora…

REWIND

¿No estaría bien que nuestra vida también se pudiese rebobinar…?

2011

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The pains of being pure at heart – “Belong”

2007

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Deerhunter – “Spring hall convert”

2004

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Franz Ferdinand – “Take me out”

1999

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Mercromina – “Evolution”

1993

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R.E.M. – “the sidewinder sleeps tonight”

1989

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Compañía Malpaso – “El trip de las 5”

1984

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Nacha Pop – “Lucha de gigantes”

1982

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Fischer Z – “Marliese”

1979

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Blondie – “11:59”

1976

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Bruce Springsteen – “Backstreets”

1973

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David Bowie – “The Jean Genie”

1970

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Pink Floyd – “Careful with that axe, Eugene”

1967

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Bob Dylan – “Like a rolling stone”

1964

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The Beatles – “She loves you”

1961

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The Teen Tops – “Popotitos”

1958

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Gloria Lasso – “Luna de miel”

LAS PIEDRAS COMIENZAN A RODAR

Siempre ha estado muy bien documentado, y todo el mundo conoce, cómo Brian Epstein se hizo manager de los Beatles, y de su mano comenzaron el ascenso al estrellato. Sin embargo los Rolling Stones tuvieron una figura paralela en la persona de Andrew Loog Oldham, que fue quien los convirtió en “un estilo de vida” más que en “una banda de rock and roll”, y el inicio de su camino juntos es más desconocido. Hoy vamos a intentar ponerle remedio a ese desconocimiento.

Andrew Loog Oldham ya era una estrella ascendente en el negocio de la promoción del mundo del rock aquella tarde en que iba sentado en el metro camino de Richmond. Para entonces él ya había llevado a los Beatles cuando éstos eran más conocidos por sus novedosos cortes de pelo que por su música; trabajó con Mark Wynter durante el tiempo que duró su sueño de ídolo juvenil; mantuvo en alza a Jet Harris y convirtió a Kenny Lynch en carne de fans adolescentes. En menos de tres años Andrew Loog Oldham había crecido desde ser un niño ambicioso que sabía lo que quería, hasta un hombre con ideas militantes que lo había conseguido. Y solamente tenía 19 años.

Los periodistas le conocían y le respetaban. Andrew era joven, dinámico y apasionado por la música en una industria dominada por gente de lo más mezquina. Sin embargo él tenía una visión más abierta, una visión que iba mucho más allá de promocionar simplemente a una banda. Los ídolos de Andrew no eran los músicos, sino los cerebros que había tras ellos, gente como Phil Spector o Bob Crewe. Por eso cuando Peter Jones, un periodista del Record Mirror, le sugirió que fuese a ver a un grupo sobre el que acababa de escribir en su revista, un grupo de rhythm & blues que se llamaba The Rollin’ Stones, Andrew le hizo caso. Y aunque no tenía muy claro en realidad que era eso de rhythm & blues, lo importante es que The Rollin’ Stones tiraron por tierra todas sus reservas.

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“I want to be loved”

El domingo siguiente, 21 de abril de 1963, Andrew volvió a ir a verles al Crawdaddy Club y allí ya enloqueció con ellos. Esta no era una banda de garrulos de barriga cervecera apaleando el típico repertorio de Muddy Waters, eran sexo, violencia, y rock and roll en su máxima crudeza. Al poco rato de verles actuar Andrew ya había determinado los rudimentos de la imaginería que iba a permanecer como la especialidad de los Stones durante todo lo que quedaba de década.

En aquellos Stones del ’63 estaba Bill Wyman, pálido, demacrado y casi medieval; su pelo parecía pegado con pegamento y su expresión era helada. Y estaba Charlie Watts, que parecía que solo pasaba por allí y se subió a acompañar unos blues; y Keith Richards, con el pelo lleno de trasquilones, igual que la cara, todavía con un cuerpo de niño metamorfoseado en demonio de la guitarra. Brian Jones era la imagen reflejada en el espejo del propio Andrew, feo y guapo a la vez, más grande que pequeño, con un brillante cabello rubio tapándole una cara que ya parecía reflejar que tenía algunas deudas pendientes con la vida. Y estaba Mick Jagger, que se movía como un Tarzán adolescente recién sacado de la selva, sin sentirse a gusto aún en su traje… un cuerpo que todavía no había decidido cómo iba a ser. Ah, y estaba también Ian Stewart, un tipo de ojos saltones, con mandíbula de boxeador y un pelo que sí se podía domar con el peine.

Los Stones con Andrew. Es el segundo por la izquierda.

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“Fortune teller”

Después del concierto Andrew les dijo “hola” y se fue enseguida a su casa, necesitaba reagrupar sus pensamientos, traducir las emociones de la noche del domingo a palabras. Y una semana más tarde volvió al Crawdaddy con su colega Eric Easton. Cuando los Stones terminaron de tocar Andrew dejó que fuese Eric quien hablase con ellos, no porque fuese mayor y tuviese un aire de experiencia y confianza, sino porque él quería dejar lo mejor, su “visión”, para el final. Además, si fuese él quien estuviera hablando no podría ver, y eso es lo que necesitaba hacer. Mirando las cosas con propiedad, Brian Jones era… el líder de la banda, pensaba Andrew para sí mismo. Pero… estudiando a Jagger y Richards, sintió una ambición más profunda.

Quedaron para reunirse todos al día siguiente en las oficinas de Andrew y Eric en Regent Street, y de los Stones acudieron solamente Mick Jagger y Brian Jones, que fue quien comenzó los tratos con Eric: “¿Qué podéis hacer por nosotros?”, le preguntó, yendo al grano. “Todo lo que podamos”, le contestó Eric Easton. Entonces Brian Jones les preguntó a los dos qué les gustaba de la banda, y esa fue la oportunidad de Andrew.

Les explicó que era una cuestión de opuestos: Dios y el Diablo, Sherlock Holmes y Moriarty, Elvis y Pat Boone, los Beatles y… cada héroe necesita un antihéroe. Así que lo más despacio y claro posible les dijo: “Tenemos a los Beatles. Ahora queremos algo que no sea los Beatles. Y vosotros estáis aquí para eso”. Y después de la charla se terminó la reunión.

Tres días después, el 1 de mayo de 1963, Brian Jones firmaba el contrato que unía a The Rolling Stones (ya oficialmente con “g” en vez de Rollin’, como solían escribir muchas veces su nombre) con Impact Sound, la compañía que acababan de crear Andrew y Eric. Había llegado el momento de cambiar la vida de todos.

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“Poison ivy”

Lo primero que hizo Andrew una vez que estuvo al frente de la nave fue decirle a Ian Stewart que no encajaba en la imagen que había proyectado del grupo, y aunque nunca fue apartado oficialmente de los Rolling Stones y continuó colaborando y tocando con ellos durante el resto de la década, dejó de formar parte de la banda, que a partir de entonces comenzó a aparecer de forma oficial como quinteto.

Una semana después entraron por primera vez en unos estudios de grabación. Y no fueron los únicos, porque a Andrew Loog Oldham le pasaba lo mismo; no fue extraño, pues, que tuviese que pedir ayuda al ingeniero de sonido… “oye, soy el productor y ésta es la primera sesión de grabación a la que asisto; no tengo ni puta idea de música ni de cómo grabarla…”.

Menos mal que el grupo tenía las ideas más claras que él, y aunque disponían de un repertorio enorme de canciones de rythm & blues de otros grandes autores, no querían comenzar con ninguna de las canciones más conocidas que ya hubiese grabado cualquier otro grupo inglés, así que para no ser obvios pero sí razonablemente comerciales eligieron una canción oscura y poco característica de Chuck Berry que no había llegado a ser editada nunca en Inglaterra: “Come on”. Y la reconstruyeron a su modo de tal forma que apenas guardaba parecido con el original de Chuck.

La primera grabación, como no podía ser de otro modo, resultó un fiasco enorme y la Decca (el ínclito Dick Rowe de infausto recuerdo) les dijo que no podían publicar algo tan espantosamente grabado, por lo que los volvió a meter en otros estudios diferentes para que lo repitiesen todo de nuevo. Y esa vez sí salió una canción aceptable, la que significó el comienzo de la andadura de los Rolling Stones con su edición en un día como el de hoy, 7 de junio, de 1963. Coincidiendo con su aparición hicieron también su debut en televisión para promocionarla de forma adecuada en “Thank you lucky stars”, el programa de más audiencia del país, a pesar de contar con un productor de tan excelsa visión de futuro como para dar este consejo a Andrew Loog Oldham: “Si tienes alguna ambición con respecto a estos Rolling Stones lo primero que debes hacer es deshacerte de ese cantante de apariencia repulsiva, que tiene neumáticos en vez de labios…”.

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“Come on”

SOMBRA SACRA

En años anteriores, cuando llegaba la Semana Santa solíamos colgar en este blog un post que tuviese relación con ella. Creo que ya el año pasado perdimos la costumbre. Y este año en realidad también, porque la entrada que podéis leer a continuación fue la que escribimos hace ya cuatro años. De todas formas, como la mayoría de los lectores actuales no andábais por aquí entonces, podéis recuperarlo en esta ocasión… y seguro que a más de uno os sorprenderá.

Marchas procesionales. Buf. La inevitable banda sonora de estos días, capaz de atraer a una buena parte de los sevillanos y de poner en fuga al resto, literalmente, hacia las playas o las montañas, a cualquier sitio donde no llegue el olor a incienso.

Lo cual, visto con cierta objetividad, es una pena, pues constituye una de las pocas expresiones musicales auténticamente locales. Si no fuera porque nos la están martilleando a todas horas desde nuestra más tierna infancia, tanto en esta semana como en el resto del año, y así lo pueden atestiguar aquellos que vivan al lado de alguna de las plazas, solares o descampados donde las bandas de música hacen sus ensayos de corneta y tambor desde octubre hasta mayo dale que te pego. En suma, no es extraño que para muchos sevillanos esta expresión musical sea territorio “yuyu”, e intenten alejarse de tanto “Estrella Sublime” y el resto del repertorio. Desaparecida con Silvio la figura del capillita rockero, salvo por ese artista todo terreno que es Andrés Herrera y sus versiones a la guitarra de marchas procesionales, la brecha entre los aficionados a la música y la Semana Santa se acentúa cada año.

La Banda Ionica

De ahí la sorpresa que supuso en el año 1998 encontrarnos que un alma ya de por sí inquieta como es ROY PACI (Augusta, Sicilia, 1969) se saliese aún más de su ya de por sí diversa trayectoria (que alternaba aventuras multiétnicas como la Radio Bemba de Manu Chao, o su propio grupo Mau Mau, junto a numerosas bandas experimentales oscilando entre el jazz y la vanguardia) para formar, junto a su compadre en Mau Mau, Fabio Barovero, la llamada Banda Ionica, a la cual atraen a unos cuantos jovencísimos músicos pertenecientes a distintas Bandas y Agrupaciones de Sicilia. El primer resultado de aquella experiencia fue un disco llamado “Passione” que puso en los circuitos de la World Music un tipo de música que a la mayoría de los críticos les sonaba a Fellini o a Begnini y que sólo acertaban a comparar con Nino Rota o Nicola Piovani, por el dramatismo de sus timbres. Obviamente, ninguno de esos críticos conocía a los maestros Font de Anta o López Farfán.

Passione

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Banda Ionica – Pianto Eterno (Quatrano)

  • “Son las primeras luces del Alba. Tras pocos minutos, desde el monte de la Abadía de San Miguel Arcangel comenzará, lentamente, la procesión del Misterio. Con las primeras notas de la banda, una incontrolable emoción riega de lágrimas a los fieles. (…) Lágrimas, no sólo de duelo y pena por la muerte de Cristo, sino de pura angustia acumulada, incluso para aquellos que no son devotos. Y cómo no conmoverse, más o menos devotamente, con el sobrecogimiento del campanilleo vibrante de un soplo emocionado, seguido de un cortejo de cadenciosos clarinetes, trombones, tubas, trompas y fliscornios con los que se abre la celebérrima “Jone”, marcha fúnebre escrita en 1858 por Enrico Petrella, y hoy en día muy extendida en todas las procesiones de la Italia meridional.” (de la nota interior de “Passione”)

Ionica en su salsa

Y no sólo allí. “Jone”, rebautizada por estos lares como “Ione”, es una de las típicas marchas del denominado estilo “sevillano” que acompañan a más de un palio cuando marcha “sobre los pies” durante la Semana Santa. “Ione” es una adaptación de la ópera “Jone” de Enrico Petrella, compositor contemporáneo de Verdi, que el maestro Font y Fernández de la Herranz, arregló para ser interpretada procesionalmente en 1899.

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Banda Ionica – Jone (Petrella)

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Soria 9 – Ione (Font y Fdez. de la Herranz)

Durante la grabación de aquel primer disco, en el año 1997, el mayor de los músicos que participaron en la grabación tenía 21 años, mientras que los más jóvenes aún no habían cumplido los 15. En su mayor parte, se trataba de chavales pertenecientes a varias Bandas de Catania y Siracusa, dirigidos por el “Maestro Rosario Patania” (seudónimo de Roy Paci), y que, al igual que él, compartían el mismo amor por la tradición regional de una tierra que, como la nuestra, lleva el peso de la historia sobre sí. Conocidas allí como “marchas fúnebres”, resulta obvio el lazo que une estas interpretaciones a las que nuestros propios chavales machacan en más de un descampado a la caída del sol y que, una vez que han sido suficientemente ensayadas, acompañan a nuestras procesiones desde que sale la Cruz de Guía hasta que se recoge el último costalero.

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Banda Ionica – Una Lacrima sulla tomba di mia madre (Vella)


Roy Paci en traje de paisano, flanqueado por dos colegas

  • “Todo empezó con Fabio Barovero, quien había quedado fascinado por el sonido de las Bandas. Aunque él nació en Turin y ha vivido en el Lazio, y esta sonoridad no le era extraña, toda esta música le parecía un folkore muy lejano y tradicional. Así que nos unimos en este proyecto y todo salió muy rápido. Elegimos los músicos más jóvenes y arriesgados de varias bandas, teniendo en cuenta que no hubieran estudiado música clásica, para evitar que pareciera una gran orquesta interpretando marchas fúnebres. Así nació la Banda Ionica. Que, por cierto, ha tenido un éxito increíble, con conciertos en España, Francia y Holanda, y ya nos están reclamando desde America y Japón, a los japoneses les encanta estas cosas tan curiosas. Estoy orgulloso de haber logrado esto junto a Fabio y queremos llevar adelante el proyecto. Una pena que en Italia no haya tenido tanta consideración y, sin embargo, los medios se vuelcan con otros proyectos mucho más publicitarios, como ese de los cuatro cantantes de Ópera, con todo mi respeto para ellos. En cambio, asistir a un concierto de la Banda es asistir a aquello que nos puede sugerir un cierto tipo de imagen, de paisaje del sur de Italia. Normalmente no me gusta alabar mis propios proyectos, es la primera vez que lo hago, si me permites la presunción. Y la Banda Ionica es, de entre todos los trabajos que he hecho, el que más me ha compensado, siendo como soy tan crítico con mis obras. Es un gran proyecto, gracias ante todo a la intervención de los grandes artistas que han dado de verdad un trozo de su corazón para realizar el disco y llevarlo al directo.” (entrevista a Roy Paci)

La segunda obra de la Banda Ionica, “Matri mia”, llega en el año 2001, y, como no podía ser menos en la trayectoria de Paci, supone un cambio radical respecto al anterior trabajo. El tono lúgubre de las marchas fúnebres deja paso a un universo más abierto, donde se intenta revivir toda la tradición centenaria de las bandas musicales del sur de Italia, más allá de la Semana Santa. Esta vez hay interpretaciones vocales, cortesía de Macaco El Mono Loco, Arthur H, Cristina Zavalloni, Mauro Ermanno Giovanardi, Lara Martelli y el poliédrico Vinicio Capossela, que aparecen como artistas invitados. Las letras, como sugiere el título del disco, están dedicadas a las mujeres y en particular a la figura maternal.

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Banda Ionica – Intro / Espinita (voce: Dani Macaco)


Il maestro Rosario Patania a la trompeta

La mayor parte de estos músicos y cantantes pasaron por Sevilla en mayo del 2004, cuando la Banda Ionica abrió la serie “Territorios” con un concierto en el Patio de Los Alcazares. Para entonces, el sonido más artesanal y recogido del primer disco ya se había expandido para reverberar casi como una gran orquesta, mitigando así el shock que suponía que una banda siciliana viniera a Sevilla a presentar su repertorio de marchas de Semana Santa. Como fuese, algunos de los que allí estuvimos guardamos un excelente recuerdo de aquella noche.

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Banda Ionica – Raissa (voce: Arthur H)


Roy Paci metido en faena

De ese año 2.004 es también la aparición del grupo en la banda sonora de “After midnight” (“Dopo mezzanotte” en el original), una película italiana que rendía tributo al cine clásico; y al año siguiente aún los escuchamos en otra banda sonora, esta vez de “La fiebre”, que incluso ganó el premio de la Crítica Joven de Europa en el Festival de Sevilla. Y desde entonces poco es lo que se ha sabido de la Banda Ionica. El principal motivo es, cómo no, la hiperactividad de Roy Paci, muy atareado con sus múltiples proyectos (¿no descansa este tío?), entre los que destacan por un lado Aretuska, con un repertorio que salta entre ritmos tan dispares como el rock’n’steady, ska, soul, funk y las tarantelas, y, por otro, su alter-ego Corleone, más próximo al jazz y la avant-garde, siempre desde la perspectiva mediterránea.

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Roy Paci & Aretuska – Se stasera sono qui (con Meg 99 Posse)

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Roy Paci & Aretuska – Viva la vida

De momento, en Sevilla, un muro invisible sigue separando el mundo de la música procesional de las tendencias musicales más actuales. Es posible que haya por ahí un Roy Paci que aparte de una vez las telarañas y los prejuicios que envuelven una de nuestras formas musicales más personales. Aunque los resultados no están garantizados. En uno de los capítulos de su libro “45”, Bill Drummond, antiguo manager de Echo and the Bunnymen y Julian Cope, que alcanzó el éxito a inicios de los 90 con los ritmos acid de The KLF, relata la inmensa frustración que para él y Jimmy Cauty (su otra mitad en KLF) supuso intentar montar una versión de su éxito “What time is love” con una banda de metales y tambores, razonando sobre la dificultad de cuadrar los tiempos de una banda orquestal con la métrica del “acid dance”.

Aunque…¿quién sabe? Igual un día de estos los chavales del descampado nos sorprenden ensayando ritmos batucada con sus tambores o sirviendo de soporte a las letras de algún cantante local. Todo es posible.

Desde que se editó este post, hace cuatro años, como os dije antes, Roy Paci ha seguido manteniendo activamente el proyecto de Aretuska, editando desde entonces un par de discos más y un “grandes éxitos”, a la vez que intervenían en algunas películas cinematográficas y programas de televisión. Por su parte, Roy a devenido en un activista por la paz, comprometido en campañas contra la violencia de género, la ayuda a los niños, y la intervención humanitaria en África.

SPAIN WAS DIFFERENT

Para Zinvia. Y su señor padre.

En el anterior post que dedicamos a los comienzos del rock en España ya apuntamos que el advenimiento de los ye-yés fue una lacra difícil de superar, pero la pregunta que unos días atrás nos hacía Juan Antonio sobre aquella versión en español de “jóvenes, éramos tan jovenes” hace que retomemos de nuevo la historia porque la segunda maldición que tenía hundido a ese incipiente rock español eran precisamente las versiones.

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Los Mustang – “Los jóvenes”

Os hablé también de la rivalidad entre Los Sirex y Los Mustang, y entre sus respectivos seguidores, algo que ejemplificaba dos actitudes muy bien definidas en los grupos españoles de entonces. Los Sirex mantenían su carácter bronquista con más rebeldía que Los Mustang. El líder de los primeros, Leslie, era un chaval de barrio, y el de los segundos, Santi Carulla, era un protopijo que cantaba baladas. Los Sirex comenzaron siendo un grupo que al principio vestía chaquetas de cuero y cadenas, mientras que en Los Mustang el traje era obligado desde el principio. Los Sirex cantaron canciones propias desde el principio, o éxitos americanos (alguno incluso firmándolo como propio, como “San Carlos Club”, que no era sino el básico “Route 66”); Los Mustang versioneaban todo lo que su discográfica les ordenaba, desde los Beatles a Alain Barriere. Como véis, dos actitudes distintas, que eran arquetípicas de las tendencias de los grupos de aquella época, que a falta de unos rockers y unos mods, podríamos llamar progresistas y conservadores.

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Los Sirex – “San Carlos Club”

Que los grupos hicieran versiones de los éxitos de moda no es algo que estuviese mal visto, todo lo contrario, se consideraba una prueba de la validez de la banda, de que eran capaces de hacerlo igual que los extranjeros, algo que aquí en España siempre dio mucho lustre. Por eso era muy raro que los grupos compusiesen sus propias canciones, porque es que, además, su única posibilidad de acceso a la fama era grabando las versiones españolas de los grandes éxitos extranjeros. Ésa era la única línea comercial de las compañías discográficas, y eso terminó con cualquier posibilidad de tener grandes bandas propias. España era el único país donde la versión nacional de una canción se vendía más que la versión original. Y lógicamente, la consecuencia de ello es que ningún grupo daba forma a una música propia.

Así era casi imposible crear una música rock española, y cuando se intentó a través del “Black is black” de Los Bravos, la cosa no terminó de cuajar y se fue marchitando muy pronto.

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Lone Star – “Quiero besar otra vez tus labios”

El único grupo que se dio cuenta de que con tantas versiones no iban a ir demasiado lejos fue Lone Star, que precisamente era uno de los que más fortuna discográfica estaba teniendo con ellas. En este grupo estaban algunos de los mejores músicos de entonces, sólo hay que decir que todos ellos sabían leer partituras; además tenían a uno de los mejores guitarristas españoles, como era Joan Miró, y a un cantante carismático como Pedro Gené. En su actitud se fueron apartando de los Shadows para acercarse más a los Who, y en cualquier festival en el que participasen dejaban sordos a los demás grupos con el volumen de sus amplis… el soñado grupo español estaba ahí; pero nadie de la industria fue capaz de verlo.

De todas formas, al verlos a ellos, los demás grupos vieron que esa fuerza era la que hacía falta; que Los Sirex y Los Mustang ya sonaban antiguos, y aunque la mayoría de los que se aferraron a esta nueva forma de hacer rock fueron muy pasajeros, sí que hubo dos grupos que marcaron una nueva época. Los Salvajes y Los Cheyenes.

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Los Salvajes – “Soy así”

Los Salvajes eran unos Stones a la española: feistas, desmañados, patilleros, pero sobre todo con una cosa clara, escribían sus propias canciones; eran originales y no hacían concesiones… y por eso duraron tan poco.

Los Cheyenes eran todavía más feos y más bronquistas, y encima eran charnegos que le cantaban a “la Macarena”. Sus melenas les valieron ser tachados de malditos durante toda su existencia.

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Los Cheyenes – “Y olvídame”

Y aunque las dos bandas fueron un revulsivo que hizo que los organizadores de conciertos se planteasen que esto atraía a muchos más jóvenes (que además bebían más también) que los horterillas y bailones ye-yés habituales, y comenzaron a ganar sus primeras batallas, la principal maldición que asolaba a los jóvenes de entonces hizo que eso no sirviese de mucho y que también perdiesen la guerra… un ejemplo bélico que esta vez nos viene perfectamente al pelo, porque estamos hablando de “la puta mili”, por la que tuvieron que pasar casi a la vez todos sus miembros.

Así que los ye-yés siguieron institucionalizados; sirviendo, en el plano económico, para ganar dinero fácil y en el plano social para diluir el inconformismo de la juventud. Pero por otra parte, había que seguir atrayendo a esa juventud hacia el mensaje político con el que se les hipnotizaba desde la pantalla del televisor, y estaba visto que los jóvenes, que ya habían paladeado algo diferente, se aburrían con lo que veían en esta incipiente caja tonta. Y como en la tele estaba absolutamente prohibido que actuasen los grupos peludos, había que fabricar algo nuevo que les mantuviese pendientes.

Barcelona y Sevilla estaban lejos de los centros de decisión… por no decir que en las dos ciudades todos los músicos tenían unas greñas que les llegaban a los hombros; así que había que planificar algo, sin dejar nada sin prevenir. Y se le pidió a Fernando Arbex, que era uno de los productores discográficos más sólidos (y más afines) de entonces, que reuniese en torno suyo a un nuevo grupo. No se reparó en gastos; la compañía discográfica Zafiro creó un sello para la ocasión, Novola, y se puso en marcha la operación.

Un poco al estilo de los actuales “Operación Triunfo”, en Televisión Española se difundió un programa con el lema de “cómo nace un conjunto”, en el que se mostraban las aventuras de cuatro jovenes españolitos, muy cultos, muy formales y muy bien peinados, que aprendían los secretos de la música pop en la mismísima Nueva York, y que regresaban a la patria vestidos con capas españolísimas, y cantando cosas acordes con nuestra idiosincracia. Quedó demostrado que un grupo se podía fabricar de forma industrial, y eso significó la muerte de los grupos generacionales, del rock español de los años 60. Después de Los Brincos y su “Flamenco” ya nada volvió a ser igual.

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Los Brincos – “Flamenco”

Después de aquello la industria discográfica española solamente lanzaba un grupo nuevo cuando era capaz de prefabricarlo y de controlarlo. Todo el enorme potencial humano de los jóvenes músicos de nuestro país quedó dilapidado. Seguían surgiendo grupos nuevos por aquí y por allá, pero a excepción del oasis que significaron Los Canarios y después Los Íberos, la dictadura discográfica cortó el camino de los que no se doblegaban y demostraban tener ideas propias… ¿hace falta recordar la historia de Smash o Maquina!?

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Los Canarios – “Get on your knees”

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Los Íberos – “Summertime girl”

QUE TENGA MUCHO RÍTMO Y QUE CANTE EN INGLÉS

Los primeros grupos que se oyeron en nuestro país cantando rock and roll en español ni siquiera eran de aquí: Los Llopis eran cubanos y Los Teen-Tops mejicanos. Ellos fueron los que comenzaron a dar un poco de variedad a la poca producción extranjera de rock and roll que se editaba en discos… Elvis Presley, Pat Boone y poco más.

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Los Llopis – “Estremécete”

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Los Teen Tops – “Rey criollo”

Pero al igual que ocurría en Sevilla, como ya os contamos en un post anterior, en Madrid también tenían cercana la base americana de Torrejón, a través de la cual entraron muchos discos de rock sobre los que nacerían los primeros grupos madrileños. Y de entre ellos los primeros fueron Los Estudiantes, cantera además de las primeras verdaderamente grandes y significativas bandas de la capital, Los Pekenikes y Los Brincos.

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Los Estudiantes – “Blue suede shoes”

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Los Pekenikes – “Cerca de las estrellas”

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Los Brincos – “Nadie te quiere ya”

En Barcelona no había proveedores americanos cercanos, pero era una ciudad cercana a la frontera, playera, turística, que incluso en la dictadura olía a extranjero y a vanguardia.. Por eso desde antes de comenzar la década de los 60 ya existía allí un grupo de tres guitarras y contrabajo acústico, deudores de Duane Eddy y Gene Vincent, que responía al nombre de Los Sirex. De éstos salió un músico disidente que formó otro grupo, Los Mustang. Estas dos bandas serían las principales de todo el país en los inicios de la década gracias al apoyo discográfico. Y permanecerían en la cima del rock español hasta que la industria del disco se estableció en Madrid para estar más cerca del gigante que comenzaba a dar sus primeros pasos, la televisión española.

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Los Mustang – “San Francisco”

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Los Sirex – “Muchacha bonita”

Con esta dualidad establecida entre las dos grandes ciudades el rock and roll pasó a ser el rítmo que más se escuchaba entre la juventud. En Barcelona, posteriormente a los grandes duelos entre Los Sirex y Los Mustang, con leña incluída entre los seguidores de unos y otros al más puro estilo rocker-mod, irían surgiendo Los Gatos Negros, Lone Star, Los Extraños, Los Salvajes, Los Cheyenes… en Madrid los nombres importantes que surgieron eran los de Micky y Los Tony’s, Bruno Lomas y Los Rockeros, y un chaval que venía de más abajo de Despeñaperros y comenzaba a destacar con su nombre americanizado a Mike Ríos.

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Los Cheyenes – “Válgame la Macarena”

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Lone Star – “Nuestra generación”

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Los Salvajes – “Satisfacción”

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Los extraños – “Marabunta”

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Los Gatos Negros – “You took, your love”

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Los Rockeros – “La casa del sol naciente”

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Micky y Los Tony’s – “Sospecha”

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Mike Ríos – “Da dou ron ron”

Pero no todo fue fácil, muy al contrario. El trabajo que comenzaba a hacer el Opus Dei en el seno del sector de la comunicación hacía que en la prensa del Movimiento se escribiesen durísimos comentarios contra la juventud y sus festivales salvajes; e incluso en la radio, por cada comentarista enrollado como el inolvidable Ángel Álvarez había otro como Pepe Palau y sus admoniciones paternalistas. El resultado fue que el Gobierno Civil terminó por prohibir prácticamente todas las manifestaciones rockeras que surgían.

Y así llegó la primera maldición. Los atisbos del rock español se fueron abajo a manos de los que pretedían ser sus descubridores, El Dúo Dinámico. Con ellos la industria del disco se dio cuenta de que esa locura importada del extranjero podía dar muchísimo dinero, y si ya de por sí este dúo al principio caramelizaba hasta el máximo golosinas a lo Elvis, como “Oh Carol”, por consejo y presiones de las discográficas, pronto dieron paso a las más deleznables producciones y a los modos más abyectos del estilo ye-yé. A través de canciones como “Quince años tiene mi amor” y “Perdóname”, la juventud española se metió en un barrizal del que le costó muchos años salir.

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El Dúo Dinámico – “Oh Carol”

Todo era ye-yé… los pelos, el baile, la juventud alocada, el inconformismo. Todos los conjuntos eran considerados ye-yés aunque muchos de ellos hubiesen preferido dejar que les cortasen la mano con la que tocaban la guitarra antes de aceptar que les encuadrasen así; aunque hubo traidores en las filas, como Micky y Los Tony’s, que aceptaron protagonizar una película como “Megatón ye-yé”. Y además surgieron las chicas con minifalda para arrastrar a la causa a los que aún se lo estaban pensando… Gelu, Luisita Tenor, Conchita Velasco… aquello fue una maldición. Las señas de identidad de los jóvenes rockeros se diluyeron entre las aguas del océano ye-yé. No importaba lo que se cantase, ni como se tocara, siempre que no fuera estridente. Los conjuntos musicales ya no se ceñían al rock and roll y al rítmo, ahora valía todo lo que fuese “moderno”. Y a medida que los grupos iban siendo menos peligrosos, más dinero iban metiendo en las arcas de las compañías discográficas. Brillaba en todo su esplendor la época del Raphaelismo.

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Gelu – “Chao chao”

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Luisita Tenor – “Yeh yeh”

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Conchita Velasco – “La chica ye-yé”

Los pocos grupos que, aparte del reducto sevillano, surgían en el resto de España, como Los Tamara, que eran gallegos; Los Javaloyas, mallorquines al igual que Los Z-66, con el cantante Lorenzo Santamaría al frente, los valencianos Los Huracanes y Los Top Son, se fueron edulcorando paulatínamente conforme el público les iba pidiendo los nuevos éxitos que, en vez de los discos de rock and roll americano, provenían de festivales prefabricados como el de San Remo o el del Mediterráneo.

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Los Tamara – “I’m midnight mover”

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Los Huracanes – “Change”

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Los Z-66 – “Love is all I have to give”

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Los Top Son – “Despeinada”

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Los Javaloyas – “Buenas vibraciones”

Sevilla-Barcelona-Madrid… en las dos primeras ciudades los conjuntos musicales eran grupos de amigos, espontáneos; mientras que en Madrid eran de fórmula, como Los Pekenikes o Los Relámpagos, cuando no directamente prefabricados, como Los Brincos. Solamente cuando éstos hubieron triunfado accederían al mundo del disco otros grupos más naturales como Los Ángeles o Los Pasos. El manejo discográfico hizo que gente como Bruno Lomas pasase de ser un buen cantante de rock a un subproducto, y Micky dejó de ser un animador juvenil para convertirse en un solista menos que mediocre.

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Los Ángeles – “Dime, dime”

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Los Pasos – “Tiempos felices”

En otros posts iremos viendo como fue evolucionando el rock en Barcelona y Madrid en aquellos siguientes años 70, igual que hemos hecho ya con Sevilla. Porque los rockeros consiguieron salir adelante a pesar de que en los años 60 la industria discográfica destruyó el potencial de los grupos madrileños y de los que iban allí a grabar. Los de Barcelona siempre apuntaron alto, pero nunca cristalizaron en grandes fenómenos musicales. Y los de Sevilla fueron simplemente ignorados.

TIEMPOS NUEVOS

La historia que sigue ya ha sido contada en artículos, libros, discos y hasta en documentales. A diferencia de estas versiones, aquí no nos vamos a centrar en las trayectorias personales de los protagonistas. Hemos preferido quedarnos con el ambiente general en el que todo se desarrolló.

En los años ’60 Sevilla era la capital de la Andalucía del subdesarrollo y de la alegría farandulera. Aquí partían la pana unas fuerzas oficiales contaminadas de tradiciones marianas mal digeridas. Éramos una ciudad de provincias de una entidad mayor que pretendía ser una unidad de destino en lo universal… vamos, que no estaba la cosa como para que surgiesen nuevas corrientes ideológicas, y menos si venían del lejano y prohibido mundo anglosajón.

Así que quien nos iba a decir que contra viento reaccionario y marea represiva nacería un mundo underground (bueno, por entonces todavía se diría subterráneo), que se desarrolló gracias a la forma de comunicación más directa e inmediata de las nuevas generaciones de los paises industrializados… sí, todo se aglutinó alrededor del rock.

Cuando en todo el resto de España los jovenes andaban embelesados con lo simpático que eran los grupos ye-yés del momento, en Barcelona y en Sevilla comenzó a fermentar la pasión rockera. De Barcelona y los demás sitios hablaremos en otra ocasión para ampliar el contexto, hoy nos vamos a centrar en como nuestra ciudad desgarró su imagen folklórica sin traicionar la autenticidad de la misma.

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Smash “I left you”

Pocas revoluciones surgen súbitamente desde la nada. Normalmente, como pasa con los volcanes, hay movimientos bajo tierra que no se perciben a simple vista, pero que van ganando peso hasta que un día se abre la tierra y nos decimos “¿de dónde vino eso?”. En el rock sevillano también pasó algo así.

Los rockeros sevillanos que todavía son más viejos que nosotros… que sí, que los hay… dicen que todo comenzó a vislumbrarse a mediados de los ’60 con “Nata y Fresas”, el programa que Joaquín Salvador hacía en Radio Sevilla. Los Rolling Stones, Cream, Traffic, Jimi Hendrix, B. B. King, en aquellos grandes aparatos de radio llenos de sonoridad mezclaban sus estridencias con el desenfado de los modernos grupos españoles, como los Mustang, los Sirex, los Brincos, los Relámpagos, y todos los demás que subasimilaban la música pop foránea.

Para comprender el temprano arraigo que tuvo el rock en Sevilla no solo hay que tener en cuenta factores psicosociales, sino también datos coyunturales como lo fueron el establecimiento de las bases americanas de Rota y Morón, y la consiguiente invasión de familias yankis de todo Nervión y Santa Clara. A partir de ellas hubo una transfusión de nueva música a una juventud asimilativa como la nuestra, llena de ganas de divertirse y pasarlo bien. A través de las bases americanas los jóvenes del entorno sevillano, como un avispado Gonzalo Garcia Pelayo, conseguían muchísimos discos que podían oír previamente en la emisora de Rota, la “American Forces Radio”, que con más o menos interferencias, según los días, llegaba hasta Sevilla, y que todavía no estaban distribuidos comercialmente en España, por lo que el resto de nosotros aún no podíamos comprarlos en la tienda que Rosa María Pinto tenía en la calle Cuna. Aquellos discos americanos comenzaron a rodar por los picús de todos y por los giradiscos de las emisoras más enrolladas. Hasta tal punto que, por ejemplo, cuando Otis Redding murió, a finales de 1.967, esos rockeros sevillanos más viejos que nosotros cuentan que Alfonso Eduardo no tenía discos para rendirle tributo en su programa de “Es grande ser joven” de Radio Vida, porque el soul no había alcanzado aquí todavía su explosión consumista, y los discos de Otis no se habían editado. Así que Alfonso hizo un llamamiento en su programa y la respuesta fue inmediata y masiva: los jóvenes oyentes le llevaron sus discos comprados a través de las bases o intercambiados con los americanos en tal cantidad que pudo montarse una noche entera de canciones de Otis Redding.

Jesús de la Rosa chapurreaba en inglés y no le dejaban tocar los teclados. Ahí está también Ray Palma, recientemente jubilado como locutor de Canal Sur. Y Manolo Rosa. Y Lorenzo Romero y Enrique “el cabeza”.

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Nuevos Tiempos – “When I try to find the right time”

Ese estrecho contacto con los americanos fue también el que comenzó los movimientos subterráneos que después se convirtieron en volcán; porque las orquestas locales se encontraron de golpe con una nueva demanda de sonidos; de hecho, muchas de estas orquestas se curtieron tocando las noches de los fines de semana en las cantinas de las bases de Morón y Rota, o en los clubs de oficiales. Y aunque muchos sigan considerándolas como los parientes tontos de los que uno prefiere no hablar, la verdad es que nombres como los de Silvio, Gualberto o Jesús de la Rosa dieron sus primeros pasos en orquestas. Algunas, como Los Lentos o los 5 Mercury (a su vez una fusión de los X-5 y de los Mercury), llegaron a desterrar de su repertorio los cantes y bailes de nuestra tierra para centrarse en versionear a bandas americanas e inglesas y, sobre todo, a los Beatles. Algunos de los músicos de orquesta llegaron a montar sus tiendas de instrumentos (Isidoro) o sus pre-estudios de grabación (Abelardo). Otros llegaron a concursar en la tele… no sé si recordaréis al ye-yé de “Un millón para el mejor”. Otros tocaron junto a Conchita Velasco cuando vino a presentar “La chica ye-yé”. Aquello se parecía al rock, pero aún no era rock. Aunque le faltaba poco.

Pero así se fue forjando un gran ambiente musical del que se levantaron formas de expresión totalmente propias, y las guitarras que servían para acompañar tarantos y bulerías crujieron cuando sintieron a Jimi Hendrix en sus entrañas. Y borrachos de blues los nuevos grupos de jóvenes cambiaron las chaquetas y las pajaritas por las camisas de flores y los kaftanes y sustituyeron el Club de Tenis, el Náutico y el Mercantil por las escaleras del Archivo de Indias y la Glorieta de los Lotos; comenzaron a copar la hierba de los jardines y parques sevillanos, el campus universitario y cualquier otro rincón donde, sin aspavientos, pudiesen radicalizar su música, cantada en un extraño inglés con acento andaluz aprendido de las canciones.

Después de un lógico prólogo temporal que llegaría hasta 1.968, cubierto por grupos que se pierden en la memoria de los tiempos… los Flexos, los Continentales, los Jerrys, Draken, los Murciélagos, Foren Dahf… grupos que surgían por docenas, con chavales que se iban de sus casas obsesionados con la música, que era su única posibilidad de liberación, se produce el primer bombazo fuerte que encendería definitivamente la mecha. Y que coincide con el momento en el que aparecen Nuevos Tiempos y Gong.

Atrás, el Mane a la guitarra y voz, tapado por Pepe el Saxo. En la foto no sale Gualberto, pero en la grabación de abajo se encarga de una guitarra también. Sí sale Pepe Saavedra (el del sombrero), que tocaba percusiones. Y el Ricky al órgano. ¿Y sabes quien ese tipo melenudo que toca el bajo en la foto…? Pues no, no es el Silvio, aunque se le parece una jartá. Es José María Ruiz Frutos (Josemari el loco), que se alternaba en el bajo con aquél.

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Gong – “Love me baby”

Estamos en 1.969 y comienzan a llegar los ecos de la gran eclosión hippie, del apogeo de los grandes festivales, Monterey, Woodstock. Nuevos Tiempos y Gong se encargaron de anunciar en Sevilla que algo empezaba a moverse y a cambiar, a base de música potente y ruidosa y de conductas morales dudosas. El ambiente se agitó tanto que de él surgió el grupo más grande, más líder, de la historia de la ciudad: Smash.

Su rock era brutal; un rock híbrido de todas las mezclas posibles. Smash traían… no… Smash eran la ansiada revolución. Eran el símbolo representativo de todo un sector de gente que empezaba a abrirse a nuevos modos de comportamiento; uno de los grupos pioneros de aquello que se decía “música progresiva” y que se suponía que estaba llamado a prender la misma llama en toda España. Gualberto, Julio, Antoñito, Henrik… sus cuatro componentes clásicos son suficientemente conocidos y han sido escuchados y leídos hasta la saciedad en programas de radio y televisión y páginas impresas o virtuales, solo tienes que bucear un poco para encontrar sus palabras. Pero al principio había con ellos un quinto (el que aparece también en la foto siguiente… y no necesita presentación) y un sexto miembros, éste último casi olvidado, al que ya hemos mencionado aquí, Joaquín Salvador, que compaginaba el micrófono en la radio con los bongos en los conciertos del grupo… y a él, apenas se le ha escuchado desde entonces…

Nuestras constantes son las actuaciones y la poca comercialidad. Hemos grabado dos temas nuestros hace poquísimo. Uno de ellos tiene la estructura del blues, pero no suena como un blues de John Lee Hooker o de Fleetwood Mac… suena como una canción de paseo, con rítmo de pasos.

De cuando Silvio aún formaba parte de Smash…

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Smash – “Scouting”

¿Qué si nuestra música es underground? Dentro de las limitaciones que esta actitud supone en España, pues sí. Como creo que también los es la de Maquina!, Darwin Teoría o incluso la de Los Buenos; ahora bien, ser consecuente con una actitud underground, creo que no lo es ningún grupo más en España, salvo nosotros. Porque para ser auténticamente así hay que replantearse las cosas muy profundamente. Hay que revolucionar los hábitos, las costumbres, la escala de valores. El subconsciente, lo onírico, pasa a primer plano. Es todo eso de psicodelia, que es algo más que una palabra de moda. Y toda la cuestión de las drogas como medio de alcanzar esas vivencias oníricas, surrealistas. Pero como aquí la realidad nos apremia cada tres minutos, una realidad desagradable y condicionada en la que no es posible influir, este planteamiento es poco menos que ilusorio.

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Green Piano – “Blues adventure”

Y claro, fue esa puta realidad apremiante, la que acabó por resquebrajar la ilusión muy pronto como un cristal. La decadencia se inició en el ’71… bueno, vale, te doy vidilla y te concedo hasta el ’72… Gong y Nuevos Medios ya habían desaparecido, Green Piano cayeron tras grabar solamente un single, lo mismo que le ocurrió a Los Lentos, que aún perduraban de sus tiempos como grupo de baile; Galaxia tuvieron más suerte y llegaron a grabar dos; y Smash agonizaban entre trampas financieras y promesas sin cumplir en Barcelona. A ellos también les llegó la disolución. La conocida partida de Gualberto a los Estados Unidos solo fue la cabeza visible de un éxodo que se llevaría a otra mucha más gente, si no tan lejos, pero sí fuera de aquí… “vente a Alemania, Pepe”… joé, esto me suena de haberlo oído en el telediario de esta misma tarde… el tiempo convertido en pescadilla que se muerde la cola…

Los hermanos Garrido después de ser Soñadores y antes de ser Flamenco, con sus tres colegas galácticos.

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Galaxia – “La noticia”

La crisis… el socavón musical sevillano. Se abre una época de vacas flacas en la que no hay ni un puto duro para comprarse una guitarra de segunda mano ni un mal amplificador. Un pozo negro y sin perspectivas… joé, que esto me sigue sonando del telediario de esta tarde… menos mal que los músicos sevillanos tenían una solidaridad instintiva más grande que su marginación y su paro, y se ayudaban como podían a pesar de ser carne de manicomio… ¿sabías que un estudio de la época decía que el 50 % de los músicos y personajes relacionados con el ambiente rockero sevillano pasaron por aquella institución de las tres M: Manicomio Municipal de Miraflores?

Casi todos han tocado juntos en una u otra ocasión, y a pesar de las emigraciones y los abandonos consiguieron mantener el carcomido ambiente propio a base de formaciones fluctuantes como Julio Matito y la Cooperativa, Fly, Total, los Chicle, Caramelo y Pipas… hasta que casi tres años después un producto publicitario del avispado manager Fernández de Córdoba, que ya conoces del post anterior, deja colgando en el aire el fantasma del “nuevo rock del sur” que usó como etiqueta de presentación de los Storm.

No… no es un truco del Photoshop, es que el guitarrista y el batería, Angel y Diego, son hermanos gemelos; aparecen también José, el bajista, y Luis, el teclista, ya fallecido.

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Storm – “It’s all right”

Gualberto se vino de los USA con dos músicos de allí justo a tiempo de unirse al nuevo despegue que se realiza de la noche a la mañana sin que en realidad hubiese ninguna razón sólida que lo justificase. Junto al nuevo grupo de Gualberto surgieron Manantial, Blizzard, Goma, Triana. Éstas dos últimas bandas además de la suya fueron los objetivos fundamentales de la caza de talentos olvidados que realizó Gonzalo García Pelayo desde su puesto de productor discográfico en Gong-Movieplay. Esas tres bandas estaban mucho más evolucionadas que las anteriores y habían asimilado mucho mejor las aportaciones extranjeras con nuestras propias raices musicales. Ya no tenían la ingenuidad del principio, pero su mayor dominio técnico de los instrumentos les proporcionaban más riqueza y creatividad.

Los discos salieron prácticamente al mismo tiempo y con las mismas perspectivas, pero no fueron más que una cortina de humo que ocultaba a la puta realidad apremiante que se empeñaba en seguir estando ahí. Solamente Triana consiguió seguir adelante. Goma se derrumbaron junto al segundo boom y Gualberto aún sacaría dos discos más con Gong-Movieplay, pero con escasa repercusión fuera de los que sabían algo de música…

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Triana – “En el lago”

En el libro sobre la “Historia del Rock Sevillano” de Luis Clemente aparece este amargo texto de octubre de 1.976:

Luis no lo sabía entonces, pero ese airado sevillano era vuestro seguro servidor, Carrascus. Y Claudí Montañá me contestó que es que “en Catalunya se hace la mejor música de todo el estado español”… Y puede que ahora, visto con más luces y menos cabreo, hasta tuviese razón en aquel momento, porque durante tres años y pico aquí, al igual que casi en todas partes, solo surgieron grupos sin futuro como Cántaro, Sesión, Yak, Piedra, e incluso otros todavía más desconocidos, que tardaban en separarse menos tiempo del que habían tardado en pensar el nombre que ponerse… pero el suicidio de Claudi, poco tiempo después, le impidió ver como durante los años siguientes todos los grupos de su tan benignamente juzgado Rock Laietano quedaron arrasados por la coalición madrileña-sevillana que supuso el Rock Andaluz.

Y es que de las cenizas de aquellos grupos tan efímeros surgieron otros como Imán. Y las crónicas de discos y conciertos dejaron de convertirse en responsos.

El resto de la historia es suficientemente conocida.

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Imán – “Tarantos”

UHF

Aquello debió suceder a finales de 1.974 o principios del ’75. Por entonces en España solamente podían verse dos canales de televisión, el VHF y el UHF de Televisión Española, y éste último ni siquiera llegaba a todo el país.

En la primera cadena, que era el VHF se ponían todos los programas importantes, y para la segunda cadena, la que todos conocíamos como el UHF, se dejaban los programas minoritarios, los que se hacían por compromisos y los que nadie sabía muy bien como catalogar.

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Gualberto – “Tarantos (Para Jimi Hendrix)”

Y en el UHF era donde emitían los poquísimos programas musicales en los que se hablaba de rock, cantautores, música poco comercial… por aquella época todavía estaba vivo el mítico “Beat Club”, también seguía funcionando el “Mundo Pop” que dirigía Moncho Alpuente y presentaba Gonzalo García Pelayo (bueno, en realidad este programa comenzó en la primera cadena hasta que se lo cargaron, para reaparecer después en la segunda una vez pasado noviembre del ’75), aunque ya comenzaba a tener sus horas contadas porque sus contenidos resultaban molestos muchas veces para las mentes que establecían los parámetros culturales del franquismo; y se emitía desde hacía poco tiempo otro programa que se llamaba “Ahora”, y que se diferenciaba de los otros dos en que se hacía desde los estudios de Miramar de Barcelona en lugar de los de Prado del Rey de Madrid.

Y en este programa fue donde pudimos ver por primera vez un programa dedicado al rock que se hacía en Sevilla.

Con el paso del tiempo y la pátina de dignidad que le dan los años a todas las cosas, ahora podemos pensar que aquellos tiempos eran legendarios y que Sevilla era poco menos que el San Francisco español, como se decía… pero aquel programa, recordado ahora con la mente iconoclasta que nos gastamos por aquí, presentaba una realidad muy diferente…

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Goma – “Aquí y ahora”

En realidad, grupos que fuesen algo significativos solamente había cinco o seis. Todavía García Pelayo no había comenzado con su sello Gong, los componentes de Triana apenas habían comenzado a ensayar y… bueno, prácticamente solo teníamos un ambiente propicio. Había músicos dispuestos a hacer música avanzada, puede que en mayor cantidad que en otras partes de España, incluso; teníamos una gran tradición musical, probablemente la mayor del país en todos los estilos; y los disc-jockeys sevillanos (de los que el principal era García Pelayo) eran responsables directos de haber creado ese ambiente propicio para el rock.

Pero grupos… estaban Goma; estaban los grupos que formaron los miembros de Smash cuando se disolvió esta banda, que eran La Cooperativa de Julio Matito (al que ya le dedicamos un post); también Fly, la banda que montaron Antoñito y Henrik con los hermanos Rodriguez de Trujillo; el grupo que montó Gualberto al volver de los Estados Unidos, al que él mismo le daba nombre; y estaban los Storm. Y poco más.

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Julio Matito y la Cooperativa – “Al despertar”

Y a casi todos ellos les llevaba de manager Fernández de Córdoba, que ejercía de representante que los vendía. Con él, a través de él, el rock sevillano conseguía difusión, pero en base a la premisa de que lo más importante en un grupo es que se vendiera bien, porque si no lo que hacía no servía de nada. Para él lo más determinante es que la música del grupo se pudiese vender, y aunque con Storm eso le llevaba funcionando bien desde hacía algunos años, con los demás grupos, que tenían otras características distintas, la cosa no cuajó.

Y por eso este programa, aún apareciendo todos los demás mencionados en otras ocasiones, se centró totalmente en Storm. Las grandes estrellas sevillanas que hacían alucinar en sus conciertos a todos los espectadores, y que eran como dioses entre los incipientes aficionados al rock de esta ciudad.

Pero en realidad Storm eran la parte estereotipada y vendible de un tipo de música; eran como el Avecrem, un caldo de sopa concentrado que no tiene por qué tener mal sabor y que incluso resulta rico, pero que no tiene nada que ver con la sopa de caldo hecha con hueso, carne, tocino y tó los avíos. Eran algo artificial, creado por Fenández de Córdoba.

Cuando éste comenzó a trabajar con Storm, la banda estaba totalmente en blanco. Se dedicaban a tocar “La cucaracha” y toda la música de baile que hiciese falta por los pueblos de Andalucía. Y él les puso a su disposición un buen equipo, la posibilidad de grabar, actuaciones, dinero para vivir… pero a cambio les obligaba a currar a tope, y les metía diez horas de ensayo. Y ahí estaban, funcionando al máximo, haciendo música y, sobre todo, vendiéndola bien.

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Storm – “I’ve gotta tell you mama”

Pero claro, después uno escuchaba en la tele a Ángel Ruiz diciendo que hacía seis meses fue a ver una película que se llamaba “Monterey Pop” y vio en ella una actuación de Jimi Hendrix, y se dio cuenta de que hacía lo mismo que él en el escenario, y casi le dio vergüenza seguir haciéndolo. Y uno no puede aguantar la risa…

¿Cómo puede decir eso, y pretender que nos lo creamos, alguien al que incluso le dan el sobrenombre de Angel “Hendrix” Ruiz, y que toca la guitarra en una banda que te están vendiendo como el grupo en el que el guitarrista folla con la guitarra y toca con los dientes? Y uno enseguida piensa que igual que Hendrix. Y luego los veías en directo y te dabas cuenta de que además caminaba sobre el escenario como si estuviera pisando uvas; igual que el guitarrista de Slade, que por entonces eran lo más de lo más. Y veías que el teclista casi tumbaba su instrumento; igual que Keith Emerson… Storm eran en realidad una gran mentira; pero eso sí, una mentira muy profesional, y escuchándoles hasta parecían algo importante.

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Storm – “Un señor llamado Fernández de Córdoba”

Los demás grupos eran otra historia. Sobre todo Gualberto. Yo creo que de todos los músicos sevillanos era el que mejor sabía lo que se hacía, musicalmente hablando. Y así lo demostró en la tele con algunas canciones de su primer disco, todavía inédito. Pero el problema es que Gualberto adolecía de una falta de seriedad que ponía en duda su responsabilidad. A la grabación del programa llegó sin dos de los músicos de su grupo. Y no dos cualesquiera, porque uno de los que no se trajo fue ni más ni menos que el mismísimo Enrique Morente, que era el cantaor de parte de su repertorio. Y claro, en la tele, aunque sin que trascendiese por la pantalla, le afearon su conducta y su cara dura, porque precisamente uno de los puntos fuertes era la presencia de Morente, que por entonces comenzaba a despuntar, junto a Manuel Gerena y José Menese, como uno de los renovadores del flamenco tradicional que más estaba haciendo por acercar éste género a la juventud.

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Gualberto – “Prisioneros”

Y tras aquello, los programas musicales del UHF volvieron a decaer con las últimas bocanadas de la dictadura y tras tirar a la basura el “Mundo Pop” tuvieron que buscarse la vida por otros lados gente como Moncho Alpuente, Carlos Tena, Adrián Vogel, Gonzalo García Pelayo… y por el contrario, la música en Sevilla comenzó un auge desconocido hasta ahora, que es ampliamente recordado y está en la mente de todos: Triana, Imán

ENSEÑANZAS OBLICUAS

Éste es el segundo de los posts de mi primera época de blogger que he actualizado un poco para que lo leáis durante estos días.

Cuando una amiga que debía escribir sobre un antiguo disco de Brian Eno me pidió que le buscase en mis archivos información de la época (mediados de los ´70) sobre él, al hacerlo redescubrí algo que ya no recordaba siquiera, las Estrategias Oblicuas… la baraja con la que Eno se jugaba la suerte de sus producciones musicales.

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Brian Eno – “St. Elmo’s fire”

BRIAN ENO es el tipo extraño que manejaba los botones para Roxy Music, pionero de la música “ambient” y uno de los mayores productores del mundo, aunque conocido sobre todo por su trabajo con U2. Las cartas de “OBLIQUE STRATEGIES” que él y su amigo el pintor Peter Schmidt sacaron se han convertido en material de leyendas. Estas cartas contenían slogans, recordatorios, advertencias y sugerencias para formas alternativas de hacer las cosas, y fueron diseñadas para ser usadas y resolver dilemas o situaciones problemáticas en los estudios de grabación. Los mensajes van desde lo más claro y sencillo hasta lo ridículo y absurdamente oscuro y podía ser usado eligiendo una sola carta de la baraja o sacando cartas una tras otra hasta encontrar la inspiración.

El origen de estas Estrategias Oblicuas está en la observación de Brian Eno de la presión que significa estar observando por el rabillo del ojo como va corriendo el tiempo en el reloj de pared de un carísimo estudio de grabación que tienes alquilado por horas sin poder sacar adelante ningún trabajo productivo porque no te puedes concentrar debido a la presión que significa estar observando por el rabillo del ojo como va corriendo el tiempo en el reloj de pared de un carísimo estudio… … … … …Las estrategias eran, por tanto, una forma de despertar en sí mismo el hábito de recordar, de sacudirte la mente, de romper el círculo vicioso que se ha establecido.

Para el diseño de las cartas contó con la colaboración de Peter Schmidt, un pintor británico que ya había colaborado con Eno antes, por ejemplo decorando con sus acuarelas la contraportada de sus disco “Before and After Science”, con el que le unía una especie de conexión inalámbrica que hacía que ambos llegasen a las mismas conclusiones y posiciones intelectuales aunque llevasen varios meses sin verse. Esa manera de resolver los problemas de trabajo tanto en los estudios de grabación como de pintura con casi exactamente las mismas palabras y casi exactamente al mismo tiempo les hizo pensar que aunque a menudo los problemas se solucionan con el método más obvio o más seguro, a veces necesitamos un apunte que nos recuerde que podemos adoptar “esta” actitud o “aquella” otra.

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Brian Eno – “The paw paw negro blowtorch”

La primera Estrategia Oblicua decía “Acepta este error como una intención oculta”. Es decir plantéate lo siguiente: ¿He cometido realmente una equivocación…? y sigue por ahí a ver que sale. Comenzaron a escribir frases cada uno independientemente del otro para sorprenderse de que no solo usaban un sistema de pensamiento similar sino de que muchos de los mensajes que escribían podían superponerse uno al otro cuando no eran casi coincidentes. Por lo tanto decidieron unir sus trabajos y ponerlos a disposición de todo el mundo para su uso.

Esta especie de tarot tecnológico incorporaba axiomas como éstos:

-Abandona los instrumento normales.
-Acepta un consejo.
-Sé sucio.
-No acentúes una cosa más que otra.
-Pide a la gente que trabaje contra su mejor juicio.
-Llama a tu madre y que te diga qué tienes que hacer.
-Analiza el todo.
-¡Valor!
-Define una área segura y úsala como ancla.
-Distorsiona el tiempo.
-Acentúa la diferencia.
-Quita ambigüedades y conviértelas en específicas.
-Quita específicos y conviértelos en ambigüedades.
-Rellena cada compás con algo.
-Humaniza algo que está libre de errores.
-Respira profundamente.
-Trabaja con personal no cualificado.
-Usa pocas notas.
-Quita lo de en medio, extiende los bordes.
-Imagina la música como una serie de hechos inconexos.
-Quita los elementos que parecen no tener importancia.
-Una linea tiene dos caras.
-Compara el principio de la consistencia con el principio de la inconsistencia.
-Descubre las recetas que estás usando y abandónalas.
-Haz algo aburrido.
-Presta atención a las distracciones.
-Observa atentamente los detalles más desconcertantes y amplifícalos.
-No hagas nada mientras sea posible.
-Explica el problema con palabras tan claramente como sea posible.
-Eres un ingeniero de sonido.
-¿Necesitamos agujeros?
-Enfréntate con una elección entre dos cosas, haz las dos.
-Graba acoples en una situación acústica.
-La cinta es ahora la música.
-Usa filtros.
-Enfatiza las imperfecciones.
-Consigue que te den un masaje en el cuello.
-Da rienda suelta a tus peores impulsos.
-Corta una conexión vital.
-Imagina la música como una cadena en movimiento, o una oruga.
-¿Es ése el tono apropiado?
-No cambies nada y continúa con inmaculada consistencia.
-Canal izquierdo, canal derecho, canal central.
-Mira todos los objetos pequeños.
-Sal fuera. Cierra la puerta.
-Ensambla todos los elementos formando un grupo y trabaja con ese grupo.
-Recuerda aquellas tardes tranquilas.
-Revaloriza un espacio en blanco rodeándolo de un exquisito marco.
-Haz una lista exaustiva de todo lo que puedas hacer y haz la última cosa de la lista.
-Haz una acción súbita, destructiva, impredecible; incorpórala.
-No rompas el silencio.
-Ponte tapones en los oídos.
-Tápate la boca con precinto.
-Usa un color inaceptable.
-Agua.
-Solamente puedes hacer una cosa a la vez.
-Abandona el juego.

También se incluían cartas en blanco para irlas rellenando sobre la marcha.

Con el tiempo tanto Eno como algunos otros productores o amigos que se prestaban a colaborar (Peter ya no, porque murió en 1.980, en España precisamente) fueron incluyendo sentencias que se iban incorporando a las siguientes ediciones de este oráculo de cartón: “Dáte siempre mérito por tener más que personalidad” (Arto Lindsay), “No construyas una pared, pero coge un ladrillo”, “Siempre primeros pasos”, “Pónlo donde puedas encontrarlo”… llegaron a incorporarse tantas que Eno ya no podía incluirlas en las cartas y, probablemente después de sacar la última carta citada, comenzó a poner las siguientes frases en un diario:

-Roba una solución.
-Describe el paisaje al que pertenece.
-¿A qué se parece?
-Haz una lista de las cualidades que tiene. Haz otra de las que a ti te gustan.
-En vez de cambiar eso, cambia el mundo que le rodea.
-¿Cómo se lo explicarías a tus padres?
-Vuelve atrás algunos pasos. ¿Qué otra cosa podrías haber hecho?
-¿Qué estás haciendo? Ahora, ¿qué haces mejor?
-Primero hazlo solo. Ahora hazlo con una pareja insólita.
-¿Qué es lo más reciente que te haya impresionado? ¿A qué es similar? ¿Qué puedes aprender de ello? ¿Qué puedes extraer de ello?

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Brian Eno – “Baby’s on fire”

¿Cómo lo ves? ¿Te apetece usar estos consejos? Pueden servirte incluso para resolver los problemas que se te presentan en tu vida diaria. Las primeras ediciones de estas OBLIQUE STRATEGIES con los dibujos originales y su aura de leyenda solo pueden encontrarse en subastas a precios prohibitivos, pero hay alguna edición posterior que puede adquirirse en la tienda On Line oficial de Brian Eno al módico precio de 30 libras (unos 45 euros de nada). También puedes usar la edición que hay colgada en internet, y elegir una de las cartas solamente con pinchar en este enlace, yo acabo de hacerlo y me ha salido lo siguiente: “Trust in the you of now”, lo cual me parece un consejo totalmente perfecto, profundo y adecuado, que pienso seguir al pie de la letra.

A lo mejor con su ayuda puedes producir discos como los que le han dado fama a su autor, que seguramente ha usado estas estrategias para crear el “The Joshua Tree” de U2, el “Fear of Music” de Talking Heads, el “Faith and Courage” de Sinead O’Connor, el “Laid” de James, o los primeros discos de Devo o Ultravox…

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Talking Heads – “I Zimbra”

NO DIGAS QUE FUE UN SUEÑO (El banquete final)

Para Lu y Koloke, que suelen escribir posts dedicados a la comida. Y para Zambombo, que prefería un post a un comentario.

Yo tengo dos grandes pasiones, y durante el año de 1.992 que nos ocupa, y la gran muestra universal que tuvimos aquí en Sevilla, pude desarrollar las dos con una gran diversidad. En la Expo pasé casi tanto tiempo disfrutrando de sus conciertos como de su gastronomía. Y me ocurrió también que me tuve que tragar enormes bazofias… esta vez en sentido literal. Pero después de todo, igual que ocurrió con la música, creo que con la comida también el balance final fue positivo.

Eso sí, tuve que gastar pasta por un tubo. Pero en aquellos años todavía no tenía que preocuparme de ninguna hipoteca, y disfrutábamos de los tiempos a los que la señora Carrascus se refiere ahora cuando, tras un enorme suspiro, dice: “echo de menos cuando teníamos dinero…”

Porque de otra forma jamás podíamos habernos permitido el lujo de abonar facturas como las que reproduzco en este post (que han aparecido en la carpeta de recuerdos olvidados de la Expo), ni de haber sido comensales en muchos de los restaurantes de los que disfrutamos allí.

En la Expo podías comer cualquier cosa… bastaba que te girases hacia un lado y tenías alguna oferta culinaria. Y aptas para cualquier bolsillo. Pero igual que la gente hacía colas enormes para entrar en los pabellones o para consumir productos asequibles a una economía media, cuando uno acudía a los restaurantes que presentaban una oferta más singular apenas tenía problemas para realizar una reserva, o incluso podía presentarse en ellos sin realizarla siquiera y obtener una mesa. Porque los restaurantes de la Expo, en general, eran caros de cojones.

Y ese era el motivo de que siempre estuviesen llenos los bares que hemos mencionado en los anteriores posts… el “Kangaroo Pub”, el “Yankee Stadium” americano… así como el pabellón de la Cruzcampo, a pesar de ser la cervecería más grande de Europa, o las diferentes casetas del pabellón de las Tierras de Jerez; y pudieses ir a cenar sin ningún problema a “La Toque de Europa” o a la mayoría de los restaurantes de los pabellones autonómicos españoles.

En la cervecería más grande de Europa incluso fabricaban la cerveza que se consumía alli mismo.

La sra. Carrascus y yo no le hicimos ascos a nada: igual nos tomábamos un perrito caliente, una hamburguesa o unas raciones de pizza en cualquiera de los cientos de kioskos que nos encontrábamos al paso, que nos permitíamos el capricho de una cena romántica o familiar en algunos de los muchos restaurantes que se nos ofrecían a nuestra elección. Y de eso tratará esta entrada, de lo que vimos, padecimos y disfrutamos, entre fogones y mesas con manteles de hilo.

Desde el principio tuvimos claro que a los restaurantes de los pabellones autonómicos no no íbamos a acercar, más que nada porque su oferta podíamos degustarla fácilmente en otro entorno que no fuese el de la Expo… aún así no pudimos resistirnos al día en que el Pabellón de Extremadura ofrecía degustaciones gratuitas de jamón de sus dehesas, que al remojarlo la sra. Carrascus con abundante vino de pitarra de aquellas tierras, le hizo imposible dar un paso por aquel suelo de cristal de la planta superior, a través del cual se percibían muchos metros de espacio vacío hasta el nivel de la planta baja, lo que me hizo tener que representar el papel de caballero andante, y llevarla en brazos hasta los ascensores, entre el aplauso del nutrido (y muerto de risa) público asistente, que seguramente pensarían que estaban asisitiendo a una representación cutre de “Oficial y caballero”.

De todas formas, de la gastronomía española me quedé con ganas de asistir a algunas de las cenas del pabellón español. Bueno… sí que llegamos a estar en el mesón, en el que además de menús de unas 2.000 pesetas, había también raciones y bocadillos que se podían comer en un terraza magnífica con una espléndida vista sobre el lago… ¿o aquella terraza era la del pabellón de Andalucía…? No lo recuerdo con exactitud, pero en realidad da igual; a donde no pude acceder nunca fue al apartado exclusivo en el que cada cierto tiempo se dedicaba una jornada a algunos de los grandes restaurantes españoles… “El Bulli”, “Jockey”, “Sibaris”, “Señorío de Bertiz”… porque probablemente las mesas las repartirían entre la “crème” sevillana, y nunca había nada disponible cuando llamaba para hacer una reserva… en algún momento determinado me cansé de intentarlo y lo dejé por imposible.

Así que el mono de que nos cocinara un chef de gran prestigio nos lo quitamos en el restaurante “La Toque de Europa”, que era una maravilla al borde mismo del lago en el que se presentaban platos de toda la Comunidad Europea, cocinados por Iñaki Izaguirre, del que en aquella época se decía que era el Pablo Picasso de la cocina. Sabíamos que el caprichito nos iba a costar un buen pellizco, pero… qué cojones…!

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Cocinero, cocinero…

Cuando llegamos me sorprendió que la chica del atril de la entrada, en lugar de preguntarnos por la reserva que había hecho yo previamente me preguntase por las invitaciones… le dije que cuando llamé para reservar no me dijeron nada de invitaciones. Y es que la chica pensaba que veníamos a una cata de aceites que estaban haciendo en uno de los salones; lo que no me sorprendió, porque clientes… lo que se dice clientes de pago, solo estábamos nosotros dos; que teníamos a nuestra disposición toda la ámplia terraza exterior, como ya os digo, a la mismísima orillita del lago.

Y a nuestra disposición también, claro está, todo el servicio… un maitre amabílisimo y más pelota que el tío de la tienda de ropa de “Pretty woman”, un camarero atentísimo a cualquier mínimo detalle, como llenar los vasos de vino hasta su medida justa en cuanto los vaciábamos… el hombre no tenía otra cosa que hacer, de todos modos… el somelier, que vino a servirnos la botella cargado con toda la parafernalia de desgolletarla, abrirla, disponerla en la mesa, etc… con la pompa y el boato dignos de un banquete de película…

La comida estaba muy buena… buenísima… pero los platos eran algo escasitos y más historiados que el copón. Por ejemplo, el “Nido de jamón” de mi primer plato tenía poco jamón (aunque era un pata negra digno de aplauso) y mucha patatita fina formando un nido “picassiano” contrapunteado por salsas de colorines; en realidad, creo que era poca cosa para las casi 2.400 pelas que me clavaron por él (IVA aparte, jejeje), aunque el plato tenía nombre y todo, se llamaba “Curro”. El carpaccio de hígado de pato (pero de hígado de verdad) de la sra. Carrascus también era digno de prestarle una atención especial. Ahora bien, los lomos de buey rellenos de queso de cabra, acompañados de diferentes clases de purés, que nos metimos los dos de segundo fueron ya una cosa indescriptible del todo.

De postre pedimos dos diferentes para compartirlos: una “meloja”, como decimos aquí (¿qué coño es eso de “milhojas”?) con una mariconadita hecha con pétalos de rosa, y una marquesa de chocolate con jugo de fruta de la pasión… Y mientras disfrutábamos de ellos entre aaaaaahs y ooooohs de placer casi orgásmico vino el propio Iñaki Izaguirre a preguntarnos si todo había sido de nuestro gusto y a darnos un poquito de charleta. Todo muy de puta madre y digno del mejor recuerdo… hasta ahora.

Las pegas vinieron después. Y no, no estoy hablando de la factura de 14.774 pelas que véis ahí arriba. No es que fuesen cosas en exceso desagradables, pero que a mí, sin llegar a estropearme en absoluto la buena sobremesa en aquel ambiente tan encantador y propicio al hedonismo, sí que me lo enturbiaron un poquito. Para empezar, en un sitio tan “fino” y “exclusivo” como aquél no tenían bourbon del bueno… ni del corrientito siquiera; solo whisky escocés a mil pelas el pelotazo, por lo que con el cubata, aún sin ser del todo el de mi gusto, tuve que perderle el cariño a mil trescientas y pico de pelas más (IVA aparte, claro). Y fue durante esta sobremesa cuando aparecieron los únicos otros comensales que tuvieron esa noche, un pequeño grupo de tres adultos y un niño, encabezados por la señora Duquesa de Feria, que pasaron, por cierto, por nuestro lado sin dejar ni una pequeña muestra de algo que pareciese un saludo, a pesar de que éramos las únicas personas que estábamos allí en ese momento.

En cuanto se sentaron apareció junto a su mesa Iñaki Izaguirre y esta vez el peloteo fue más o menos como el que nos hizo a nosotros el maitre, pero multiplicado por diez. Y lo que me sentó fatal es que a ellos les regalase una botella de oloroso tan bonita e historiada como sus platos, para que se la llevasen de recuerdo o la disfrutasen mientras les servía… ¿Y por qué me molestó? Vale, yo no soy nadie de fama o prestigio como la señora Nati Abascal, y me parece muy bien que el chef quisiera tener un detalle con ella… pero yo lo hubiese hecho de forma más discreta para no hacer de menos a nadie que estuviese cerca… joé, que nosotros también éramos clientes (los únicos hasta ese momento, recalco) que nos dejábamos allí una pasta y no tuvieron ni el detalle de invitarnos a algo, aunque hubiese sido a una copa que compensase que la que me sirvieron no era siquiera la que me había apetecido.

No sé vosotros si pensáis como yo de una situación como ésa, pero a mí me hizo constatar cómo de diferentes son las atenciones a las personas según su clase social, aunque estén en el mismo entorno. Y lo peor no es eso, que no soy un iluso y sé que las cosas son así, sino mostrarlo abierta y ostentósamente sin cortarse lo más mínimo con quien pueda sentirse agraviado comparativamente. A mí personalmente me pareció una grandísima falta de educación.

Y aunque me quedó cierto regustillo amargo, opté por mandarlos mentalmente a todos al carajo, y seguir disfrutando de la compañía de la sra. Carrascus en aquel vergel de tranquilidad y belleza.

La vista de la sobremesa.

Como os dije antes, aunque con un chef español, y una mayoría de especialidades también españolas, éste era el restaurante que representaba a la Comunidad Europea. De países concretos de nuestro continente también visité bastantes, aunque los restaurantes tenían muchos altibajos. De entre los mejores, el pabellón de Alemania, que tenía en su planta superior un restaurante en el que todo te lo servían en porcelanas y cristalerías muy finas, aunque tanto arenque y pasta casera alemana no me terminase de convencer; el lomo de buey portugués y el bacalao también eran dignos de repetir visita; el italiano tampoco estaba mal, aunque era excesivamente caro y aunque tenían el gancho de tener un vino diferente por cada día que duraba la Expo, en realidad casi ninguno soportaba comparaciones serias con los españoles. El restaurante suizo, el “Eaten by…”, tenía mucha fama porque tenía colgados del techo y de las paredes muchos tiestos extraños, y cuadros con botellas, bandejas, pretendiendo ser todo muy artístico, pero en realidad a mí me parecía bastante feo y la comida era absolutamente forrajera, aunque se salvaban el mousse de chocolate y que los menús costaban solamente 1.650 pelas. El que sí era bonito de verdad era el restaurante del pabellón de Hungría, a dos niveles entre aquellos campanarios, con menús a base de oca, pescados de río, sopa gulasch. Normalmente los restaurantes que estaban en plantas altas presentaban unas vistas muy buenas de la Expo que hacían agradables las sobremesas, pero no eran muchos los que superaban la “prueba del 9”, y gastronómicamente hablando no tenían la misma altura… era una pena que en un rincón tan bonito como la terraza del pabellón que compartían Polonia y Bulgaria solo se pudiesen degustar derivados del chucrut…

Pero sin duda ninguna, nuestro restaurante favorito, no solo de los europeos, sino de toda la Expo, era el del pabellón de Noruega, el “Restaurante La Rica Noruega”, que tenía un buffet grandísimo en el que podías servirte a voluntad cualquier clase de salmón, preparado de múltiples formas; carnes de alce, reno, ballena, aves raras; muchos pescados y mariscos…

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Qué gustito, qué placer…

No era barato, pero merecía la pena; el cubierto costaba 3.800 pelas por cabeza, y los niños pagaban la mitad; y aunque podías comer todo lo que quisieras, la bebida te la cobraban aparte… nosotros solíamos remojarlo todo con su típica cerveza Ringnes, a razón de 350 pelas la jarra. Pero os juro que de allí salíamos que en vez de andar, rodábamos… por eso íbamos sobre todo a mediodía en vez de a cenar.

La factura que os he escaneado, en la que nos cobran dos menús infantiles debe ser de un día que vino con nosotros nuestra sobrina Laura (el Joselillo tenía apenas dos años y no pagaba), que era algo mayor que nuestra hija. Y recuerdo especialmente esa ocasión porque nos libramos por un pelo de que nos llamasen la atención. Las dos niñas estaban especialmente contentas y no paraban de ir y venir y andar entre las mesas (bastante separadas como para molestar a nadie) y por todo el salón, sin parar de reír y de comentar cosas que parecían hacerles mucha gracia… la sra. Carrascus y yo seguíamos comiendo y charlando con la tranquilidad que da el saber que por allí no iban a perderse; hasta que en uno de los momentos en que las miramos los ojos se nos quedaron abiertos como platos al ver que las dos estaban probando de todos los postres que había en el buffet… con las cucharas que había para servirlos! Las puñeteras se acercaban a alguno de los postres, cogían el cucharón con el que la gente se los apartaba a sus platos, lo llenaban y lo probaban… comentaban entre risitas si les gustaba o no, o vete tú a saber qué, soltaban el cucharón de nuevo en el recipiente del postre y se iban a hacer lo mismo con otro… y así. Menos mal que nos dimos cuenta antes que los atareados camareros…

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Con las manos en la masa…

Como véis, mi sobrina siempre ha tenido un talento especial para meter los dedos donde no debe.

De entre los restaurantes europeos hubo un par de ellos que me hubiese gustado visitar pero no pude hacerlo. Uno de ellos fue el de Rusia; pero no el autoservicio que tenían, que ése tenía de ruso lo mismo que yo, ya que estaba gestionado por la misma compañía que llevaba el restaurante del aeropuerto sevillano, y la comida era igual de previsible y mala, y más cara todavía que la de éste. Sin embargo tenían un pequeño restaurante, en el que por 5.000 pesetas te ponían un menú con caviar del de verdad, berenjenas rellenas con nueces, solomillos con salsas especiales… pero os juro que en toda la Expo nunca pude pillarlo abierto. De verdad que llegué a dudar de si este restaurante existía realmente, o solo tenía la puerta, sin nada más detrás… decenas de veces llamé por teléfono para reservar sin que nadie me cogiese el auricular en aquel lado, y otras muchas veces fuimos allí directamente mientras estábamos en la Expo, a horas del día diferentes, del mediodía y la noche, y nunca pude ver aquella puerta abierta; siempre estaba cerrado sin que nadie pudiese indicarme si había algún horario en el que pudiese uno venir a comer…

El otro que me quedé con las ganas de visitar fue el restaurante francés. “La Carte de France”, se llamaba, y era todo de diseño vanguardista y cálidez. Pero tenía muy pocas mesas y nunca pude conseguir ninguna. De todas formas la verdad es que tampoco lo intenté con tanto ahínco como con el ruso, porque aquí una cena te salía por unas 12.000 pelas por persona… y realmente era un precio que me echaba para atrás si me lo pensaba un poco.

De entre los restaurantes americanos nuestro favorito era el de Cuba. A él íbamos exclusivamente por la langosta, que te las servían cortadas por la mitad transversalmente, por lo que era muy cómodo comerlas. Eran pequeñas y por eso costaban solamente 500 pesetas cada una de esas mitades, un precio más que asequible para lo que se acostumbraba en el resto del recinto. Ya puestos, también comíamos cochinito con yucas y plátanos fritos, picadillos criollos, tartas de frutas tropicales…

La terraza de las langostas y los mojitos.

Allí tuve un problema en nuestra primera visita a la hora de pagar. En aquella época mi empresa tenía un convenio con American Express que nos reportaba algunas ventajas a los empleados, y ésa era la tarjeta de crédito que yo entonces usaba. Una tarjeta que era aceptada en todos los pabellones de la Expo igual que lo era en cualquier tienda del país. Pues cuando se la dí al camarero para que se cobrase la cuenta, me dijo que no… que no… “hermanoooo… esto es Cuba… hasta aquí llega el bloqueo americano…”, me dijo. Así que tuve que dejar allí a la familia un rato mientras yo iba al cajero más cercano (los había por todos lados también) a sacar dinero en efectivo.

Al resto de los pabellones americanos íbamos sobre todo a beber cócteles tropicales y café colombiano, porque en su mayoría sus platos estrellas eran ensaladas con frutos y verduras exóticas, y mucho forrajillo; aunque no nos quedamos sin probar también un día el menú único que ofrecían en su parrilla los argentinos, que consistía en ensalada, sopa de melón, y un enorme entrecot o solomillo de su famosa ganadería vacuna. No estaba mal, pero tampoco es que fuese una maravilla digna de las 7.000 pelas por comensal que nos dejamos allí. No repetimos.

Lo que sí estaba muy bien y era un sitio muy recurrente para nosotros era la tienda de helados de México. Había un kiosko abajo y otro en la terraza, por lo que lo normal era subir a ella, tomarse un helado allí disfrutando de aquel paisaje azteca que recreaban, y al bajar, comprar otro helado para disfrutarlo andando camino a otros pabellones.

La comida africana también la degustamos bastante. En la Plaza de África había un restaurante bastante informal en el que podía hacerse algo parecido a comer de tapeo como en los bares sevillanos. Y también la mayoría de sus “tapas” estrella tenían como base un componente muy andaluz: los camarones. Pero con una diferencia…

El caso es que a mí esos bichitos tan chiquitines nunca me han entusiasmado; no soy muy partidario de esas tortillas de camarones que tanto encandilan a mis paisanos. Y por eso allí en “La Marmita Africana” no iba a pedir hojas de mandioca con camarones, ni aguacate con camarones… hasta que ví como algunos de mis familiares sí los pedían, y comprobé que los africanos (la madre que los parió) llaman camarones a unos bichos que son como nuestros langostinos de la talla XXL. Por supuesto, las gambas, gambones y langostinos sí son de mi aprobación, por lo que me hice asiduo de aquellos platos.

Aquí se comía lo mismo que Aníbal 2.200 años antes.

Estuvimos una vez en el restaurante del pabellón de Marruecos, “La Mamounia”, que tenía un menú degustación por 8.000 pesetas de todas sus especialidades, y era una maravilla… tajines de ternera, hombros de cordero, pichones con almendras, dulces marroquíes… pero añadirle las bebidas a ese precio (cervezas a 400 pelas, y el vino ya ni te digo) hacía que fuese prohibitivo el volver por allí en más ocasiones. Así que se convirtió en nuestro restaurante africano de referencia el de Túnez, en el que te costaba comer menos de la cuarta parte que en el marroquí, y encima era menos conocido y estaba siempre muy tranquilo y con ambiente relajado. Y la verdad es que este restaurante, “Cartago” se llamaba, hubiese merecido mucha más atención, porque era toda una obra de investigación culinaria; los platos que tenían se basaban en los que habían heredado de los cartagineses, los fenicios, los romanos… vamos lo que se llama “dieta mediterránea” con absoluta propiedad. Allí, aparte de unas perdices que ríete tú de las que ponen en la sierra de Cádiz, me dí cuenta de que el cous-cous que yo acostumbraba a comer en el Hacho de Ceuta (por entonces yo aún viajaba por los centros de diálisis) no se parecía en nada al plato magrebí preparado en su forma clásica; aquí más que sémola casi seca, que es como suelen presentárnosla, era más parecido a nuestros potajes andaluces… y como no, la repostería de estos países, que es para no parar de comerla, aunque sea sin acompañarla con té, del que no soy nada partidario.

Y ya por fin, de los asíaticos dejamos aparte el japonés porque su comida no lograba ponernos a todos de acuerdo, y el chino, porque no ofrecía apenas nada más que no conociésemos ya en todos los restaurantes que hay por aquí. Así que nuestro rincón favorito era una especie de placita rodeada por kioskos en los que podías comprar comida de Malasia, de Singapur, de Taiwan… y comértela sentado por allí en alguno de los bancos y mesas dispuestos para ello. Un día que estábamos allí una gran parte de la familia, en total trece o catorce personas con algunos niños, tuvimos un problema que pudo llegar a ser bastante serio, porque un empleado de alguno de aquellos kioskos vio que a los niños les estábamos dando sandwichs y otras cosas que llevábamos nosotros (ya sabéis, nocilla, bollicaos, y esas guarrerías que les gustan), y el tío, en un español macarrónico casi imposible de entender, se empeñó en decirnos que aquello no podía ser y que había que consumir comida comprada allí. Nuestros intentos de convencerlo de que lo estábamos haciendo así y que esa comida era solo la de los niños, que no comen otras cosas, fueron infructuosos, y el hombre aquél cada vez gesticulaba y nos gritaba más y más sin atender a razones, e incluso hizo ademán de quitarle a uno de los niños su bocata… y cuando ya uno de mis cuñados iba a darle la primera hostia lo cogió por banda otro señor de su mismo tenderete (imagino) y lo puso firmes, diciéndole entre otras cosas que nos dejase en paz porque todos los adultos que estábamos allí nos estábamos dejando una pasta gansa en comida y bebida, y que no pasaba nada porque los niños comiesen lo que les diese la gana que trajésemos de casa. Ese señor sí que sabía mirar por su negocio…

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Comer es un placer…

Los niños huyendo del tío que les quería quitar los bollycaos.

Y en realidad todos estos restaurantes orientales era así como funcionaban, basándose en preparar comida para llevar; así que no había mucha variedad entre la que escoger, sobre todo porque además uno de los restaurantes convencionales, el de Filipinas, lo cerraron por problemas de higiene durante las primeras semanas. Prácticamente solo quedaba que mereciese la pena el de Pakistán, al que fuimos varias veces porque no era muy caro (unas 2.500 pelas el menú) y tenía unos excelentes platos de ternera preparada de muchas formas diferentes, en filetes, en pinchitos, picada, en albóndigas, horneada… había un plato de ternera con gambas y arroz pakistaní que era una maravilla.

Y así se nos fue pasando la Expo. A lo mejor os parece que comíamos demasiado, pero no os preocupéis porque bajábamos bien todo lo que comíamos a base de paseos por el recinto y los pabellones… de verdad que no acumulábamos nada de grasa.

He ido hilvanando mis recuerdos intentando estructurarlos de alguna forma, y mientras iba escribiendo me iba acordando de algunas otras cosas. Como el restaurante de Nueva Zelanda, al que era un coñazo ir a comer porque a cada rato estaban los maoríes ésos de los cojones bailándose una Haka a tu lado; que la primera vez que lo ves tiene su gracia, pero después son más pesados que las tunas de aquí.

En otro restaurante (y en general en todo el pabellón) donde eran también particularmente pesados era en el de Yugoslavia. En aquellos días la guerra de los Balcanes estaba en todo su apogeo y los servios, que eran los que estaban en el pabellón, se empeñaban en decirnos una y otra vez que ellos “no eran los malos”, y a cada momento te venían con un papelito para que lo firmases, en el que decían que ellos estaban allí muy bien, y que no tenían nada que ver con las guerras contra los bosnios y los croatas, que esto era una fiesta y no hiciésemos caso a los exterminios que decía la prensa… y otro montón más de tonterías justificativas. Y encima los puñeteros te ponían mala cara si no se los firmabas…

Los Estados Unidos tampoco ofrecían nada especial, más que una hamburgesería de “genuino sabor americano”, que era inmensa y siempre estaba hasta la bola… creo que allí solo llegué a comerme un hot-dog de ésos que veía en las pelis, pero tampoco fue nada especial. Y qué cosa más incómoda de sitio…

Una vez fui al pabellón de Australia con la esperanza de poder comer canguro (si es que se come) o algún bicho raro de los de por allí, pero los cabrones no tenían restaurante para el público, el que tenían era solamente para recibir a los visitantes VIPs y a los políticos y a toda esa gente a la que había que darle coba. Se ve que con el “Kangaroo Pub” consideraban que tenían bastante para la plebe… y aún así se fugaron de él en mitad de la Expo con la pasta que pudieron arramplar.

También quise probar el cordero tan famoso que preparan los turcos, pero el restaurante de ese pabellón, aunque sí abierto al público, era también una especie de saloncito VIP, de un lujo inalcanzable, así que…

Y al de Gran Bretaña ni me acerqué… total, para comer asquerosas “fish and chips” en una típica y tópica taberna inglesa no merecía la pena perder el tiempo.

Y ya para terminar, a los que seáis muy queseros, como es mi caso, os daré un poco de envidia al contaros que en el restaurante de Dinamarca había una tablas de quesos enormes, en el que todos estaban buenísimos… y rizando el rizo, en el restaurante del pabellón de Holanda, lo único que había para comer era queso. En pequeñas porciones. De todas las variedades y calidades. Y todos también buenísimos.

Que aproveche, amigos.

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Buen menú…

NO DIGAS QUE FUE UN SUEÑO (y 4ª Parte)

En la entrega anterior nos quedamos pendientes de lo que ocurría en el concierto de No me pises que llevo chanclas

Con los Chanclas el éxito estaba garantizado de antemano; la fiesta ya había comenzado horas antes de que salieran al escenario, con sombreros, vasos e incluso sillas volando por encima de nuestras cabezas. El grupo bien, cuatro discos de agropop dieron para hacer un repertorio infalible. El grupo quizá fallaba a la hora de encajar un par de temas algo más serios en el repertorio, aunque les agradecía el intento de colar “Maria Ignacia” en el setlist. (Zambombo)

Por allí también anduvo nuestra amiga Lu. Pero ella, como siempre, iba más bien a lo suyo…

En el de No me pises me lo pasé teta, cantando “Bolillón” y demás canciones chorras. Pegar botes y beber cerveza, mis amigos y yo no hicimos otra cosa. Y había sombreros de paja por todas partes. (Lu)

Mucho menos divertida fue la noche del jueves 13, en la que yo había vuelto ya de mis vacaciones para sufrir el aburrimiento desplegado por John Lurie.

Esa fue la noche en la que estrenó “World is fair”, una obra que le había encargado la Expo hacía ya dos años, y que le había pagado por adelantado; y que en vista de lo que nos ofreció, nos hizo salir de allí bromeando a los que estábamos, Blas, Luis, yo, algunos más, que este tío se había pasado casi los dos años puliéndose la pasta que le dio la Expo y a última hora, cuando ya le pillaba el toro, se puso a improvisar una cadena de pizzicatos, que aquí corrieron a cargo de The Balanescu Quartet, con un par de solos de saxo, para cubrir el expediente. La cosa fue así de frustrante.

No empezó mal del todo, porque como la obra le había quedado tan cortita, para poder ofrecernos un espectáculo musical que pudiese llamarse así, antes salieron solamente los Balanescu para interpretarnos “Stranger than paradise”, la banda sonora que Lurie compuso para la película de Jim Jarmush. Pero cuando él se unió al cuarteto y comenzaron con el estreno de la nueva obra, aquello no había por donde cogerlo; una cosa tan fría, reiterativa y cansina, que solo consiguió de los espectadores que todavía no nos habíamos ido de allí levantar unos aplausos al final precisamente por eso, porque era el final. Y recibimos nuestro merecidísimo premio con un bis que, gracias a Dios, no tuvo nada que ver con lo anterior y nos devolvió a nuestro John Lurie enérgico, sacando de su saxo notas de verdadera belleza.

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John Lurie – “Harlem nocturne”
(El bis valió por todo el concierto)

Y mientras tanto los conciertos de grupos españoles del actual mercado del pop se iban sucediendo en la Plaza Sony…

Me saqué, es decir, mis padres me pagaron, el pase nocturno, así que estaba día sí, día no, en aquel recinto. Me llevé grandes recuerdos y también pésimos resultados académicos. Debí asistir a bastantes conciertos en aquella Plaza Sony.

En el de OBK pasé por allí pero no me quedé ni de coña. Recuerdo a la gente gritando “la misma, la misma”, pidiendo que volvieran a interpretar su único éxito. (David González)

Había que tener ganas… y mucha necesidad de música en directo para ir a ver hasta a OBK.

También fui a OBK; el único del que me marché al segundo tema, pues me parecieron peor aún que en disco, la fotocopia de la fotocopia de unos grandes, con todos sus defectos y ninguna de sus virtudes.

Siempre que podía, gracias a tener el pase de temporada, me acercaba a la plaza Sony a ver qué caía. Tenía 21 años, y apenas había asistido a un puñado de conciertos hasta entonces. No era virgen en ese terreno, pero casi. Mis gustos, por aquel entonces, eran bastante convencionales. Sólo ello explica que omitiera a grandes figuras y me tragara grandes bodrios. (Zambombo)

Nuestros dos comentaristas solo pasaron esa noche de refilón; pero hubo más noches para quedarse: Cómplices, Revolver, La Unión, Danza Invisible

Otros de los “prescindibles” que me tragué por pura curiosidad melómana fueron Modestia Aparte (sin comentarios), Rico (que no estuvieron mal, divertidos), Los Limones (poca cosa) y unos aún recientes Revolver que ya entonces me hicieron echar de menos a Comité Cisne. Pese a un par de buenos temas en su repertorio y a que Goñi no era aún el soso en que se convirtió después, me pareció imperdonable el que eligieran “La Bamba” como bis. ¿No había otro tema? Además llevaban un guitarrista que estaba más emocionado de la cuenta, demasiada pose para un público tan frío.

La Unión fueron sólo a cubrir el expediente ante un público poco exigente, pero les observé mucha menos pasión que en 1989, donde tuve la suerte de verles dos veces en muy buena forma.

Algunos de esos grupos pop dieron un espectáculo más que digno, como Cómplices, que estaban en su mejor momento, con Teo de multinstrumentista; creo recordar que había dos baterías en el escenario. Uno de esos casos en los que te das cuenta de que el directo amplía tu concepto del grupo, aunque realmente se tratara de un proyecto personal. Por otra parte, también quedaba claro lo poco que pintaba allí la señora de este hombre.

Danza Invisible es otro de esos que dieron un buen espectáculo, enérgico y largo, parecían incansables. Aún no habían pasado a hacer ese pop insulso que hacen ahora, aunque ya estaban en plena transición, y desde luego el repertorio no era el de su Directo del 86, aunque sí que tocaron una durísima “Espuelas”, por ejemplo. Los Raperos del Sur se les unieron para hacer y ampliar el rap de uno de los temas del “Catalina”. (Zambombo)

Y el lunes, 31 de agosto, tuvimos la mayor sorpresa de la Expo: los Scorpions, que se estaban tomando un año sabático, replanteándose muchas cosas de su carrera, de la que ya habían descabalgado a Francis Buchholz y aún no habían dado paso a Ralph Rieckerman, hacían una excepción y se venían los cuatro que en ese momento formaban la banda a Sevilla a dar el único concierto que hicieron ese año, en formato semiacústico, en el pequeño auditorio del pabellón de Alemania.

El concierto que más recuerdo es el de Scorpions en el Pabellón de Alemania. Set acústico ya sin la presencia del bajista Francis Buchholz, que acababa de dejar la banda y que no fue reemplazado por ningún músico para este concierto.

Clásicos del rock (Elvis, Beatles…) y clásicos de Scorpions se mezclaron en un concierto sin trampa ni cartón, allí no había grandes equipos de sonido, sino lo básico para que aquello sonara decentemente.

Supongo que el show que pocos tuvimos la oportunidad de presenciar fue lo más parecido a ver a los músicos alemanes tocando en casa para unos colegas.

La anécdota más destacada fue los coros béticos “a lo Silvio” que el público cantó mientras los Scorpions interpretaban, con cierta cara de asombro, el clásico de Elvis “(Marie’s the name) His latest flame”. (Maese Rancio)

Era curioso ver la cara de asombro de los señores scorpiones mientras el auditorio acompañaba la parte instrumental de esa canción de Elvis con los gritos de “Beeeeetis, Beeeeeetis…”.

Un par de guitarras, acústica y eléctrica, un instrumento percusivo que no llegaba a batería, y la voz versátil de Klaus (junto a las palmas de un par de chicas en alguna canción), para llevarnos durante algo menos de una hora por un viaje en el tiempo, que comenzaba en Elvis y los Beatles, pasaba por las baladas más conocidas de la banda alemana, y volvía de nuevo a los orígenes, poniendo punto final al concierto con “Long tall Sally”.

Esta noche aquí en la Expo quedó tirado por tierra ese tópico sobre lo bien que lo organizan todo los alemanes, porque después de anunciarse que el concierto sería gratis y se dejaría pasar a la gente hasta que se ocupase todo el aforo del auditorio, al ir llegando el personal se encontraron con la sorpresa de que les pedían unas invitaciones que nadie tenía ni puta idea de donde tenían que haber recogido (menos mal que los carnets de prensa sirvieron para algo). Los que estaban dentro no sé como se las apañaron, pero lo que sí sé es que fuera se quedaron muchos chavales que habían pagado la entrada a la Expo solamente para ver a los Scorpions y se encontraron jodidos y sin concierto.

Con todo el dolor del mundo me perdí a Crowded House porque me había ido de acampada y a los Scorpions. Cuando nos presentamos en el pabellón de Alemania no nos dejaron pasar. No sé si estaba ya lleno o era necesaria invitación, pero fue una gran decepción. Nos contentamos con escuchar el concierto desde fuera. (David González)

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Scorpions – “Still loving you”

La semana siguiente la música más atractiva se desarrolló puertas afuera de la Expo, durante los “Encuentros de Nueva Música”, así que cambiamos la Plaza Sony (que al fin y al cabo lo más interesante que ofrecían esta semana era a los Presuntos Implicados) por los escenarios de los teatros Maestranza y Alameda, e incluso por la mismísima calle, ya que también tuvimos música en la Plaza de San Francisco y en otras de las más emblemáticas de la ciudad.

Gavin Bryars fue el encargado de abrir el ciclo con un concierto en el Teatro Alameda lleno de minimalismo melancólico que no fue lo suficientemente atractivo como para apasionarnos con su música. Es cierto que el grupo que le acompañaba vino bastante menguado con respecto a lo que se esperaba, por ejemplo, nos quedamos sin la guitarra de Bill Frisell, así que lo más interesante era el violín de Alexander Balanescu oscilando entre los patrones repetitivos que tejían dos vibrafonistas. Gavin se mantuvo casi imperceptible conduciendo las piezas (cinco en total) tras el contrabajo o los teclados del sintetizador y el piano, saliendo al primer plano prácticamente nada más que en la ocasión en que se sentó al piano con Dave Smith para desgranar una agradecida lluvia de notas a cuatro manos que rompieron la monotonía que nos amenazaba.

El día siguiente me salté a Joanna McGregor y volví al teatro (esta vez al Maestranza) el miércoles para ver al gran maestro de los loops y los sonidos secuenciales. Stockhausen se presentaba en Sevilla con un grupo de siete u ocho acompañantes (perdí la cuenta a base de salir bailarines y trompeteros) entre los que se encontraban sus tres hijos, Markus, Simon y Jellena, para presentar parte de la gran ópera que llevaba componiendo desde 1.977 sobre los días de la semana y de la que aún le quedaba mucho por componer… a razón de cuatro años de escritura para cada día, echad la cuenta…

Aquí tuvimos el “lunes”, el día dedicado al personaje de Eva (los otros son Miguel y Lucifer), que representa los espíritus de nacimiento y renacimiento del ser humano, es decir, el día de la mujer y los niños… pero todo eso lo sabemos porque lo explicó él mismo en la conferencia de prensa anterior al concierto, porque lo que es con su música… bueno, con sus sonidos… o con sus ruidos… o con los resultados de sus inmersiones en la electroacústica y la fonética… o bueno, con lo que fuera aquello que vimos y oímos allí..

Como de allí salí vacunado de “nuevas músicas” para una buena temporada, decliné la asistencia dos días después al concierto de Schönberg, y por supuesto al de Michael Nyman, al que ya de antemano tenía previsto faltar porque con una vez en mi vida que haya estado en uno de ellos ya ha sido suficiente.

La Michael Nyman Band cerró los “encuentros” en el Auditorio de la Cartuja. En esta ocasión junto a la Orquesta Andalusí de Tetuán. Después de sufrir la decadencia de ambas bandas, tocaron el encargo hecho por la Expo a Nyman. Un tríptico pastiche a caballo entre música druida y villancico gitano. Impersonal, superficial… (Antonio Murga)

Y el domingo, día 20, por la noche en la Plaza de San Francisco el gran bluff final de este ciclo, con la broma de llamar “Nueva Música Española” a Eduardo Laguillo, Gualberto y Manuel Imán… ¿qué serían entonces Esplendor Geométrico, Macromassa, Gringos…? Y terminar con las aburridas notas y cacareos de Wim Mertens. Una noche totalmente opuesta a la anterior, la del sábado, en la que un montón de grupos de percusión de diferentes paises y estilos se adueñaron de esta misma plaza, además de las del Salvador, el Pan, Santa Ana, Alianza y Santa Marta para ofrecernos todo un viaje por el espacio y por el tiempo, desde Mozambique hasta Japón, y desde los rítmos tribales más arcaicos hasta la percusión más contemporánea.

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Stockhausen – “Montags – Eva” (Corte)

Y así entramos en el último mes de la Expo, el más aburrido de todos en cuanto a música. Y si a esto le uníamos que el cuerpo ya estaba resintiéndose de los cinco meses y pico que llevábamos arrastrados, yo ya estaba deseando que terminase la cosa.

Sé que después lo iba a echar de menos, como así fue. Y puede que tuviesen razón los que pensaban que aquello debía durar todavía más, sobre todo porque nunca habíamos tendio tanta oferta cultural diferente en la ciudad… pero mirado desde mi punto de vista de padre de familia, en la que (aparte de los conciertos) la asistencia a la Expo prácticamente todos los días, y todos los fines de semana, se había convertido en una obligación, por el afán de que los niños lo viesen todo, de que a nosotros no se nos escapase nada que mereciese la pena, y de que a cambio solo obtuviésemos colas y más colas interminables para entrar a pabellones que solamente ofrecían mediocridades (los buenos, buenos de verdad ya los habíamos visto y revisto con anterioridad), hacía que yo estuviese deseando que llegase el día 12 de octubre.

En las últimas tres semanas, apenas un par de cosas interesantes musicalmente ocuparon nuestra atención…

Quizás mi mayor sorpresa fue la Orquesta Mondragón. Nunca los había visto, y no sabía que fueran tan rockeros, tenía otro concepto de ellos. Con un gran Toni Carmona a la guitarra y un Gurruchaga como no hay otro, vestido con un traje de chaqueta rojo rojísimo y probablemente zapatos de charol, disfruté enormemente de esa sobredosis de rock and roll, con muchas versiones, largos solos y las posturas obscenas de, creo recordar, una corista con mucho morbo (aparte de la obesa negra de gran voz), que simuló hacerles mamadas a Carmona y Gurruchaga. Ahora me pregunto qué sería haberlos visto en su mejor momento, pero entonces me parecieron grandes, a pesar de que también tocaran la del “Huevo de Colón”, qué remedio. (Zambombo)

A Zambombo le gustó la Orquesta Mondragón en la Plaza Sony; yo me perdí a los Chieftains en el Auditorio de la Cartuja, y el padre de Lu se sorprendió con Nacha Guevara en el Auditorio de la Plaza de América.

También recuerdo que mi padre fue a ver a Nacha Guevara, pues siempre ha sido fan de ella, y se quedó muerto. Llegó a casa diciendo “¡Nacha Guevara se ha hecho heavy!”. (Lu)

Y no era para menos el asombro del padre de Lu, porque Nacha, tras sacar una rara inspiración de un concierto de Bon Jovi al que asistió, en el que se imaginaba a la banda interpretando tangos endurecidos, decidió hacerlo ella misma, y montó el espectáculo “Heavy tango”, que fue el que presentó aquí en los días finales de la Expo, en el que cantaba los tangos más clásicos y conocidos, respaldados por rítmo hard rock de guitarras eléctricas, bajo y batería. La división de opiniones suscitada parecía no importarle a la cantante, que decía que prefería que a la gente le pareciese ridículo que mediocre.

Mi útima experiencia musical en la Expo no fue en directo, sino grabada; pero fue tan alucinante como el mejor concierto. Quedaban dos días para el final de la muestra, y todavía no había tenido ocasión de ver la película de los Rolling Stones en el Pabellón de los Descubrimientos. Así que el día 10, que era además el último día en que la proyectaban, la familia Carrascus y los allegados nos dirigimos allí a poner remedio a la situación, previo sufrimiento matutino en una larguísima cola que nos daba derecho a adquirir la entrada que puedes ver aquí debajo.

En ese pabellón había un cine en formato Omnimax, el Cine Espacial Alcatel, que ocupaba toda una enorme cúpula, en la que tú estabas en el interior, y se te ofrecían dos o tres películas rodadas con un sistema nuevo, de las que una (la de las 11 y media de la noche) era sobre la gira del ’91 de los Stones, con imágenes de sus conciertos de Berlín, Londres y Turín. El resultado era algo impresionante y sin igual. Tú estabas allí, en medio de Ron Wood y Keith Richards, acompañando a Mick Jagger en sus carreras por el escenario, y mirando a la vez que él las pantallas del telepronter que había al pie del escenario con el orden de las canciones.

Eran dos partes de 45 minutos cada una, con un pequeño descanso para cambiar los rollos (en este formato no se pueden encadenar), en la que pasábamos del incendiario “Start me up” a “Brown Sugar”, “Satisfaction”, “Sympathy for the devil”, “Honky tonk woman”… tras el descanso, “Paint it black”, y un delirio psicodélico a base de efectos digitalizados con “2000 light years from home”. Quince canciones en total que te dejaban absolutamente abrumado.

El primer síntoma de que todo se acababa fue el irónico párrafo que se marcó por los altavoces un speaker de entre los currantes del cine, antes de empezar la película, que vino a decir más o menos que “esta proyección va dedicada a todos los que curramos aquí: acomodadores, azafatas, proyeccionistas, etc, que después de ver esta película todos y cada uno de los días de los últimos seis meses, estamos ya hasta los mismísimos güevos de los Rolling Stones y tenemos unas ganas locas de perderlos de vista…”

Y así dio comienzo el principio del final.

NO DIGAS QUE FUE UN SUEÑO (3ª Parte)

Cuando hablábamos en la anterior entrega del concierto de Guns N’Roses alguien mencionó que éstos se cayeron del cartel de Madrid por la aluminosis del estadio del Atleti. Pues el caso es que el estadio del Betis también la padecía, aunque con mucha menos gravedad que aquél, y si el día de los rockeros no pareció importar mucho, sí que se habló bastante de ello en los días previos al concierto de Elton John. Porque aquí sí que se preveía desde el principio que aquello iba a estar lleno a reventar.

A mí Elton John nunca me ha gustado y no tenía el más mínimo interés en ese concierto, pero sí en cierta chica que era muy fan; así que aproveché para quedar como un señor rumboso invitándola a zona vip. De esa noche tengo el recuerdo muy vivo del voladizo del campo del Betis agitándose como si la tierra temblara cuando la gente se puso a pegar botes. En cuanto pude me fui de allí. Ah, la chica al final resultó ser una petarda. (El Profe Franz)

Pero aparte de unas tiritonas de la tribuna, probablemente más imaginadas por la prevención que tenía la gente que reales, allí lo único que se derribó fueron los prejuicios que cualquiera pudiese tener contra Elton John, que nos ofreció un concierto maravilloso, sustentado prácticamente por su repertorio anterior a sus discos más recientes… es decir, por todas sus canciones buenas. Fue una delicia absoluta escuchar en directo “Tiny dancer”. Pero es que también nos cantó “Rocket man”, “Daniel”, “Saturday night”, “Funeral for a friend” encadenado a “Love lies bleeding”, “Your song”, incluso una versión del “Show must go on” de Queen.

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Elton John – “Tiny dancer”

Se habla de la puntualidad inglesa como un tópico, pero es que Elton se pasó. Si miráis la entrada que os pongo aquí arriba veréis que su hora de comienzo era las 22:30… bueno, pues para entonces ya llevaba un rato cantando. Y ese adelanto fue debido a que Versace le había diseñado un escenario y un cambio de vestuario que, para poder mostrarlo entero sin agobios, necesitaba como mínimo dos horas, así que para toda la gira española amplió un poco el repertorio y la duración de los conciertos, y los adelantó a su hora.

Pero nadie se perdió nada porque allí estábamos todos ya a las 9 y cuarto pasadas cuando salieron al escenario Tomatito y Juan Carmona (el de Ketama), con un bajista y otro que tocaba el cajón, para ir calentando el ambiente a base de bulerías a la guitarra, aunque nadie les echase demasiada cuenta. Era la reaparación de Tomatito tras la muerte de Camarón y allí se mantuvo serio, dedicándole la actuación al cantaor desaparecido y manteniéndose en el escenario poco menos de media hora. Telonero de lujo.

El concierto de Elton John fue todo lo intimista que se puede ser ante una audiencia de varias decenas de miles de personas, y ante su piano, con las mismas ganas y sensibilidad que se le apreciaban en sus primeros discos, nos regalaba tres baladas por cada rock directo, en el que quien se lucía era Davey Johnston, un guitarrista buenísimo como pocos. Cuando el primer plano lo recuperaba Elton, los tonos de su voz te atravesaban.

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Elton John – “Love lies bleeding”

Y la noche siguiente nueva sesión de apretujones, esta vez en la plaza Sony de la Expo, porque estaban allí los chicos de La Frontera dando un concierto que estaban grabando porque poco después se editaría como LP doble con el título de “Capturados vivos”.

El calor que pasamos fue sofocante a pesar de ser las once de la noche… que agobio de gente, por Dios, ni en las madrugás de la semana santa me había visto tan apretujada. A mí me gustó mucho, no es que el sonido fuese una maravilla y como además la gente se sabía las canciones y las cantaba con el grupo pues lo que yo escuchaba era más a tíos desafinando que al cantante, pero hicieron todas las canciones buenas de sus primeros discos y aquello lo compensaba todo, aunque la mejor se la guardaron para el final del todo, cuando ya creíamos que no iban a salir más y que aquello se había terminado, pero por fin cantaron “Cielo del sur”. Despues de aquello ya fue imposible que siguieran con más bises. (Lali)

No les quedaron mal ni el concierto ni el disco, la verdad. Mucha potencia derramada en la voz de Javier Andreu… aunque a Lali se la tapasen los coristas de alrededor… y un acompañamiento musical demoledor, en el que tenía mucho que ver que en la batería estaba Ñete, el que ocupase ese mismo puesto en Nacha Pop. También andaban estrenando guitarra, Guille Martín, que anduviese antes en los Desperados.

El disco en directo en realidad no se grabó en su totalidad aquí en la Expo, también tiene canciones del concierto que dieron en Alicante dos noches después. Pero en la mayoría, a los que se oye aullar es a nosotros.

Mucho más relajados estuvimos cuatro días después, el lunes 20 de julio, cuando en el Auditorio de la Cartuja apareció Ryuichi Sakamoto con una camisa amarilla de ésas que dicen que da mala suerte a los artistas… a lo mejor por eso su concierto fue tan desigual.

De entrada recuerdo que me pasé casi todo el tiempo en el bar del auditorio charlando con Jose Pardo, que andaba por allí igual de aburrido que yo. Y es que el concierto fue bastante pesado en su mayor parte. El Moriyama era un cantante melódico si ningún interés; Sakamoto venía él solo con piano, como Mari Cruz Soriano, y fue un tostón de los que hacen época…

…estooo, Profe Franz, disculpe la interrupción, pero me parece que aquella noche estaba usted más pedo de lo que recuerda. Se lo digo más que nada porque Moriyama no era un tío, sino una mujer… vale que al ser japoneses y vestirse tan raro y parecerse todos y eso, pudiese usted confundirse… ¿pero que el Sakamoto vino solo con el piano…? Si había cinco tíos y hasta una cantante con él…!

Bueno, no es de extrañar. Yo creo que en aquella época bebíamos demasiado y seguramente hasta nos drogábamos, por lo que las neuronas que tenían que fijarse en las cosas para luego recordarlas estaban generalmente a otro rollo.

Eso sí, con la Orquesta de la Luz disfruté como un enano: eran un combo de salsa con una puesta en escena espectacular, vestidos todos iguales con camisas de chorreras, con movimientos coreografiados y todo eso, y cantando en español con acento japonés: para mí, lo más divertido de la Expo. (El Profe Franz)

Antes de que apareciese la estrella de la noche tuvimos a Ryoko Moriyama, una cantante melódica, que en Japón seguramente sería una gran figura, pero que a nosotros no nos dijo apenas nada. Y después, como ha dicho el Profe, sí nos divertimos mucho más con la Orchestra of Light, antes de que Ryuichi comenzase con su atípico set.

Los ecos de “Nuages” marcaron el inicio, y solo frente al piano desgranó las notas compuestas para “Tacones lejanos”. Sonaron piezas de “Music Encyclopedia” y “Field work”, con diferentes formaciones, antes de que la banda al completo (dos violines eléctricos, bajo, percusiones, la deliciosa Vivian Saunders a la voz y Manu Katché a la batería) atacara la vertiente house del repertorio. Relevo de público: los de la new wave se fueron a echar una cervecita y los bailones se levantaron de sus sillas; sonaron “Beauty” y “Heartbeat”. Pero la fiesta es corta, porque cuando el personal comienza a calentarse Ryuichi dice adiós. Concede un bis relajante, un fragmento de la banda sonora de “Hollywood Zen”, y muy educado y simpático nos deja con un palmo de narices. Entre lo sublime y lo deslabazado. (Blas Fernández)

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Ryuichi Sakamoto – “Nuages”

Y tres noches después nueva cita en la Plaza Sony, que esta vez sí ibamos a tener rock internacional, o al menos algo que se le parecía mucho, porque aunque lo suyo no fuese la caña por la cara, pero Crowded House sabían despachar impecables joyas melódicas, que había que oír… aunque haya más gente que no se acuerde muy bien de aquello…

Del concierto de Crowded House recuerdo sobre todo a Parachokes, eran de mi barrio y había expectación por verlos en directo, y encima en un escenario grande. Eran (éramos) unos niños jugando a ser los Stones. (Lu)

Y no solo los Stones, el concierto de Parachokes fue toda una muestra de las actitudes que podíamos ver en los conciertos de las grandes figuras. Musicalmente jugaban a ser tanto los Stones como los Guns N’Roses, y visualmente tenían todos los tics de las bandas de rocks conocidas, el cantante se cambiaba la camisa según la ocasión, se subía en los bafles, corría por el escenario pa’ un lao y p’al otro… varios conciertos en uno. ¿A quien le importan las malas críticas cuando aquello era pura diversión?

Los Parachokes llegamos a Sevilla, para tocar en la plaza Sony, despues de una gira con Crowded House. Éste era el penultimo concierto con ellos y la verdad es que ya llevabamos siete u ocho por toda España, sin contar otros compromisos anteriores. El caso es que llegamos muy cansados pero con muchas ganas de estar con nuestras familias y ver a nuestra gente, pero sobre todo a nuestras familias, porque en esa época aun vivíamos con nuestros padres.

Lo mas importante era tocar en un gran escenario en nuestra ciudad. Recuerdo que llegamos a Sevilla y nos encontramos con una rueda de prensa como nunca tuvimos. Era en la sala de un Hotel y había por lo menos cuarenta medios de comunicación. Esto nos puso muy nerviosos y suponía una gran responsabilidad para la hora de la actuación.

El concierto en nuestra opinion fué un buen concierto y creemos que la gente quedó contenta y satisfecha. Lo digo porque a la semana salió el concierto en un canal de televisión (Canal Plus) y las imagenes lo dicen todo.

Como anécdota, es que cuando nos disponiamos a hacer un bis, el manager de Crowded House se negó porque esto retrasaba la hora del concierto de su grupo, nosotros contamos hasta tres y salimos corriendo antes de que lo hicieran ellos y tuvieron que esperar tres temas más.

En general tampoco es muy diferente de otros conciertos que dimos en esa época, claro, teniendo en cuenta que es nuestra ciudad. (Ramón Arias, guitarrista de Parachokes)

Y tras ellos, Crowded House, sin Tim Finn, se metieron al público en el bolsillo en un momento; la verdad es que estaban de muy buen humor y estuvieron muy simpáticos desde el escenario, con aquellos jueguecitos con las banderas del público y los saludos por nacionalidades… y con su música, un pop sublime, tocado por la varita mágica de los Beatles más acústicos, a los que hicieron un guiño incluso, metiendo en una de sus canciones algunos acordes de “I’m looking throuh you”.

Como había grandes canciones, al igual que ocurrió en el concierto de Elton John, no se necesitó mucha parafernalia ni un gran montaje; bastó con el saber estar de los componentes de la banda, que se mostraban tan intimistas como energéticos, y tan eléctricos como acústicos según lo requerían las canciones… y no unas canciones cualesquiera, que estamos hablando de “Weather with you”, “Don’t dream is over”, “Fall at your feet”… a pesar de que aquello se había convertido en una fiesta en que la mayoría iba a su bola, la magia se conservó intacta. Fue éste uno de los conciertos de los que mejor recuerdo conservo de la Expo.

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Crowded House – “Always take the weather with you”

Y el fin de semana que comenzaba tras este concierto, comenzaba también el periodo de vacaciones familiares, así que durante los siguientes diez días no estuve en Sevilla y no pasé por la Expo, pero nuestros amigos del blog sí anduvieron por allí, y nos cuentan qué pasó.

El domingo, día 2 de agosto, era el estreno de “Rock andaluz. Ayer y hoy”, un espectáculo musical que la Expo le había encargado a Manuel Imán, y tras su presentación en la Plaza Sony, coincidiendo con el Día de Andalucía en la muestra universal, se paseó por las ocho provincias andaluzas. Aquí se recortó con respecto a su duración normal porque a la una de la noche tenía que estar acabado para poner en la pantalla del Jumbotrón el resumen diario de los Juegos Olímpicos (había un acuerdo con el Comité Olímpico).

La primera parte era para Manuel Imán, acompañado de músicos de aquellas bandas… Pepe Roca y Manuel Marinelli, de Alameda; Pilo Menchén, el bajista de Cuarto Menguante; Chano Domínguez, el teclista de Cai; Antoñito Smash a la batería; las percusiones de Tato Macías… que hacían un repaso del ayer del rock andaluz, con temas de Cai, Smash, Goma, Triana, Alameda e Imán. La segunda parte era el hoy del rock andaluz, y para eso el grupo elegido (que manda güevos la cosa) fue Tabletom. Y la tercera parte era Manuel Imán en solitario presentando su último disco de entonces, aunque él mismo decía que aquello de rock andaluz no tenía ná de ná…

Tabletom no me dijo nada. La superbanda de rock andaluz tocó principalmente temas de Triana, Alameda, Cai e Imán, y sorprendía sobre todo la compenetración de Chano Domínguez y Manolito en los diálogos de teclados y guitarra al recrear temas de Cai (“Mercado del piojito”) o Imán (“Darshan”). Creo que también sonaron “Abre la puerta” de Triana y “Amanecer en el puerto” de Alameda. E interpretaron “El Garrotín” de Smash.

De Tabletom no recuerdo nada, no me gustó mucho. Y lo mejor fue Manuel presentando su disco “La danza del espacio”. Recuerdo concretamente tres temas: “Batalla de dos sueños”, (que también ha llegado a interpretar con Imán en la reciente etapa) y dos temas muy elegantes de ese disco, que sin ser rock andaluz tenían ecos arabes y andaluces respectivamente: “Sombras de Tanger” y “Anhelo sevillano”, el set, que no podía pasar de la media hora, lo completó con “Rumbo” y “Jardín oculto”. Recuerdo que alternó guitarra acústica (amplificada) y guitarra eléctrica. (Imanato)

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Manuel Imán – “Rumbo”

La plaza Sony estaba llena y en el público creo recordar que se identificaban dos sectores; unos, seguidores del rock andaluz y principalmente de Triana, porque coreaban con más entusiasmo los temas de Triana que interpretó la Superbanda y llevaban camisetas alusivas al grupo. Otro, seguidores de Manuel Imán, celebrando su vuelta a la música creativa tras su abandono de la Década Prodigiosa, y que habían llenado un año antes el salón de actos de la Escuela Universitaria Politécnica de la calle Virgen de Africa (para mí, que no soy de Sevilla, recuerdo que pensé en la plaza Sony que muchas caras eran las mismas que había visto el año antes en Virgen de Africa) donde Manuel presentó el repertorio que formaría en el ‘92 el disco “La Danza del espacio”.

De esta iniciativa se desencadenó una gira por las ocho capitales de provincia. Yo ví la de Cádiz, en el Teatro Pemán, en esta cita gaditana faltó Pepe Roca, el vocalista, por enfermedad, y tuvo que cantar el repertorio Manolito. Me gustó más porque se prestó más a la improvisación y frescura. Chano estaba en su tierra, y al final improvisaron un rhythm and blues de quilates. (Imanato)

Después me enteré de que al finalizar el concierto, y antes de que apareciesen los Juegos Olímpicos, en la pantalla del Jumbotrón pusieron el video-clip del “Combustión” de Helio… nadie sabe quién lo programó así ni por qué, así que nos quedamos sin saber a quién agradecer este grandioso milagro… a no ser que tuviese algo que ver con aquello Paco Parra, el batería de los propios Helio, que por entonces curraba en la Plaza Sony.

Y como hasta ahora todo estaba siendo demasiado pulido y limpito, para arreglarlo, el jueves día 6 llegaron Siniestro Total.

De lo que mejor recuerdo fue el infame concierto de Siniestro Total. Seguro que más de uno lo cuenta. Estaban ellos en su momento álgido, tan punkirrones, dando mucha caña, cuando un vaso o una botella de cristal se estampó en el escenario. Ya habían caído varios objetos previamente, así que pararon y Julián Hernández, creo recordar, se dirigió a la audiencia y dijo que mejor nos dejamos de tonterías o el concierto se va al carajo. Así que se fueron p’adentro dejando al público reflexionando. Decirle eso a la gente en un concierto como éste es como decirle a mi crío de año y medio que no toque los mandos de la tele, así que en cuanto volvieron a tocar no pasaron dos minutos hasta que otro capullo tiro otra botella al escenario. Como es lógico cumplieron su palabra y se fueron con viento fresco, para horror, supongo, de la seguridad del concierto, que debió temer que aquello degenerara en disturbios. (Daviz González)

Sin embargo, no sé si es que David no se quedó a esperar, pero un cuarto de hora más tarde los Siniestro salieron de nuevo al escenario por tercera vez, seguramente forzados por los ejecutivos de los “40 Principales”, para, con gesto muy serio y sin dirigir la palabra a nadie, atacar el “Vamos muy bien” de Obús y “Bailaré sobre tu tumba”, con dedicatoria vitriólica incluída. Para entonces las cosas ya se habían calmado, y aunque el rítmo estaba totalmente roto con tanto incidente y tanta entrada y salida, todavía la banda salió una cuarta vez para despedirse definitivamente con un bis que incluyó el “Highway to hell” de AC/DC.

Hubo otros que pudieron ser grandes conciertos y se quedaron en un triste recuerdo, como el de Siniestro Total, interrumpido varias veces por objetos lanzados al escenario. De nada sirvió que uno de los miembros pidiera un sonoro “hijo de puta” para el lanzador del último vaso o botella, aquello no tenía arreglo, y el grupo acabó tocando su setlist de mala gana. (Zambombo)

Y después de aquello tocaba diversión descarada… aunque, a juzgar por lo que nos contará también Zambombo, no exenta de algún peligro… ¿sillas volando en un concierto de No me pises que llevo chanclas…?

…eso lo veremos en la cuarta y última parte de esta historia. Venid preparados, porque en ella nos picarán los escorpiones…

NO DIGAS QUE FUE UN SUEÑO (2ª Parte)

La primera parte la habíamos terminado de camino al campo del Betis…

Por aquella época, yo era un chavalín de escasos 16 añitos, con unas incipientes greñas que no acababan de crecer y dedicado a ir al cole, a hacer botellón los fines de semana y a escuchar rock. Me juntaba con un grupo de amiguetes con intereses comunes pero, por entonces, lo de comprar discos era un poco prohibitivo (y sin descargas, claro) y los macroconciertos eran pura ciencia ficción para nosotros. Así que nos conformábamos con las gangas del BID y con algunas revistas que te enviaban cintas de VHS con conciertos piratas (todavía conservo una con Guns N’ Roses en el Ritz, el “Texas Jam” de Aerosmith en el 78 y un show de los Ramones nosedonde).

En ésas estábamos cuando anunciaron la llegada a Sevilla de Guns N’ Roses, grupo al que teníamos devoción casi religiosa (recuerdo incluso quedar en casa del Nicolai para escuchar un concierto que retransmitían en la radio desde París). Así que el shock fue brutal, te puedes imaginar: en cuanto salieron a la venta, corrimos a por nuestras entradas y desembolsamos la pequeña fortuna que nos suponían 4.500 pelas (coño, 4 talegos y medio daban para mucho). (Koloke)

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Guns N’Roses – “Welcome to the jungle”

Total, que con nuestras entradas aseguradas en el bolsillo esperamos impacientemente a que llegara el día del concierto, sin saber que fuimos de los pocos primos que compraron la entrada. Sí señor, a falta de pocos días para que se celebrara el concierto, la venta de entradas había sido tan miserable que ante la amenaza de tener que suspender el concierto no les quedó otra a los promotores que regalarlas. Una amiga me contó que se presentó su jefe en su empresa con un fajo de entradas para repartir. A otro amigo le regalaban la entrada sin más que comprar un disco de Guns N’ Roses en la tienda. Sólo así consiguieron un aforo decente. ¿Cómo es posible que con un cartel como éste ocurrieran estas cosas?. Tengamos en cuenta que hablamos de la primera y entonces única actuación en España de Guns N’ Roses (el concierto de Madrid se suspendió por aluminosis en el estadio Vicente Calderón). ¿Falta de promoción?…¿Falta de medios para comprar la entrada?… No lo sé, pero básicamente creo que es que aquí somos unos catetos que nos creemos que estas cosas deben ser gratis. El caso es que aquel fiasco lo hemos pagado los sevillanos con creces y no ha sido hasta hace bien poco que se vuelven a celebrar en esta ciudad eventos de esa magnitud. (David González)

Yo también me pagué la mía, y mientras esperábamos en la tienda del Gordo hasta que nos reunimos todos y nos pusimos de acuerdo sobre las clases de whiskey y drogas que había que llevar, cuando llegamos al estadio los Soundgarden ya habían tocado y dentro estaban ya las 25.000 personas que se congragaron para el evento. Una entrada pobrísima si tenemos en cuenta que solamente para cubrir gastos se necesitaban 30.000 espectadores. Y de esos 25.000 muchos habían pasado con entradas conseguidas del modo que cuenta David, cuando no las habían comprado en la misma puerta del estadio por solo 1.000 pelas, o las habían conseguido con una simple llamada a la radio, ya que Gled S. L., la productora de Rufino González, que organizaba el concierto, había distribuido así muchísimas, llegando a darle a la SER más de mil entradas para que las regalase de esa forma.

Me pasó una cosa curiosa durante la Expo, y es que el promotor de los conciertos que se hicieron en el campo del Betis, Rufino González, era amigo de mi padre, con lo que yo tenía entradas VIP para todos los espectáculos. Es más, llegó a ofrecerme que me hiciera cargo del servicio médico de los conciertos a lo que yo, prudentemente, me negué. Lo siento por las jugosas anécdotas que podría haber contado.

De este primer concierto recuerdo que pasé de la zona VIP y me fui con la gente al césped. Recuerdo también que entre tomarnos unas copas antes e ir a pillar algo llegamos tarde y nos perdimos a Soundgarden. No lo lamentamos entonces mucho porque en aquella época no eran tan conocidos como luego llegaron a serlo; yo personalmente no los conocía. De la cosa musical sólo recuerdo que los Guns N’Roses nos aburrieron soberanamente. (El Profe Franz)

Pero con lo que sí nos divertimos fue con Faith No More y su legendaria lluvia de objetos.

Ya perfectamente situados comenzó el concierto de Soundgarden, la banda del entonces melenudo Chris Cornell. No recuerdo mucho del concierto porque desconocía la discografía de este grupo y el concierto fue muy breve, una media hora más o menos. No sonaban mal, ¡pero se les veía tan diminutos en aquel inmenso escenario!. Todo lo contrario que los siguientes Faith No More, que aunque tenían el mismo espacio reservado, se hicieron dueños absolutos del mismo. El show de los Faith No More dejó pequeños a los mismísimos Guns N ’Roses. “Caffeine”, “The Real Thing”, “We Care a Lot”, “Epic”…todos temazos en un show de poco más de una hora. Fue al finalizar “Land of Sunshine” cuando el zumbao de Mike Patton comenzó a provocar al público: “Cabrones”, “Bastardos”, eran algunas de las lindezas que soltaba. El respetable comenzó a lanzar al escenario todo tipo de objetos y el Patton, lejos de amedrentarse, animaba a la gente a tirar más cosas: “Más cosas aquí! …Ahorita! …Más cosas!”, decía. De pronto, como en la película “300”, el sol se oscureció. Una impresionante lluvia de botellas y latas sobrevolaba nuestras cabezas hacia el escenario. Y el Patton esquivándolas con una habilidad alucinante. “Hurt me!, Hurt me!”, seguía arengando. En pocos minutos todo el escenario era un mar de plásticos y latas. Y ellos tocando como si nada. Acojonante. Hay un vídeo comercial que se llama “Video Croissant” donde los propios Faith No More rememoran este concierto y lo califican como uno de los mejores de la gira. (David González)

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Faith no more – “Epic”

Esta es la única foto que no está tomada en Sevilla en aquel tiempo. Es de Lisboa, de unos días después que aquí, en que repitieron el numerito. No le tiraron ni la décima parte de basura que nosotros… pero te puede servir para hacerte una idea.

El día del concierto nos plantamos en el Estadio del Glorioso sobre las 12 de la mañana. Corría el rumor de que iba estar medio vacío aún habiendo regalado entradas a patadas, pero nos daba igual: Guns N’ Roses llegaban a la ciudad y nosotros íbamos a estar en primera fila. Así que allí estábamos, sentados en la puerta, pertrechados con innumerables botellas de Hunting Lodge (menos de 1000 pelas la botella, más venenoso incluso que el Dyc), litros de refresco y algunas bolsas de hielo, que se fundieron a las primeras de cambio. Toda la mañana tirados, buscando alguna sombra miserable en un día en el que estaban cayendo papas cocidas del cielo, pero privando sin interrupción. Hasta que a eso de las 4 de la tarde se abrieron las puertas y corrimos como posesos hasta la primera fila.

Al principo se estaba desahogado, tranquilitos, finiquitando los últimos litros de güijqui mezclado que habíamos colado al campo y soportando como podíamos la caló (ahora a pleno sol, sin refugio posible). Pero, poco a poco, se fue masificando la zona y empezamos a pasarlo una mijita regular. Además, se nos acabó el bioalcohol, así que lo único que podíamos beber eran las pocas gotas que podías pillar, sacando la lengua, cuando daban algún manguerazo. Pasaban las horas y recuerdo sed y calor y más sed y más calor. Pero de allí no nos pensábamos mover aunque tuviéramos que acabar bebiendo meados.

En éstas que empezó Soundgarden. No les había escuchado antes: sonaban bien, pero mi preocupación principal en esos momentos era no morir deshidratado, así que no recuerdo mucho de ellos. Una pena.

Tras otro rato, aparecieron Faith No More. Eran tan espectaculares en escena que se me pasaron todos los males y me puse a hacer el cabra como loco. La presencia en el escenario de Mike Patton era impactante, un auténtico showman que saltaba, gritaba, corría y transmitía una fuerza que te obligaba a desatarte como un poseso. Y me acuerdo muy bien de Jim Martin, con sus barbas y sus gafas colorás, aparentemente impasible pero llenándolo todo con cada guitarrazo que daba.

Y, de pronto, comenzaron a tocar “Epic”. Y, de pronto, se armó la de San Quintín: Mike Patton empezó a provocar al público y éste respondió lanzando al escenario latas, botellas y todo lo que pillaban. A mí me tocó en primera fila y puedo jurar que aquello era una puta tormenta. Y el Patton seguía achuchando, “más, quiero máaaas”, decía en un macarrónico español. Y más que caía. Impresionante, no he vuelto a ver nada semejante en mi vida. (Koloke)

A Mike ni lo tocaron con ninguno de los proyectiles improvisados… latas, botellas y plásticos variados, vasos, cualquier objeto susceptible de ser lanzado… aunque parezca un contrasentido, aquella lluvia de basura fue un momento bellísimo y lleno de simbolismo; uno de los mejores efectos visuales que se hayan podido vivir en un concierto de rock.

Y tras este breve pero intenso show, abandonaron el escenario para que se preparara para los Guns N’ Roses. Entre cientos de pipas correteando por todos lados, un tipo de la organización, viendo el panorama, advirtió a la audiencia que con el señor Axl y compañía nada de tirar cositas al escenario, o el concierto se va al carajo. Y la gente se comportó, creo más bien que porque se había quedado sin munición. Es curioso que en aquellos tiempos fueran tan permisivos con los posibles objetos arrojadizos. Estamos hablando de latas de refresco o cerveza que bien podrían estar totalmente llenas. Tiempos más salvajes, sin duda.

En los Guns N’ Roses del año 92 no está Izzy Stradlin, y ya hace tiempo que expulsaron al drogata de Steven Adler, pero están en su momento más popular y llevan uno de los más impresionantes shows de aquellos tiempos. Pantallas y carteles gigantes, metros y metros de pasarela para correr, luminotecnia, pirotecnia, sensual sección de viento, Slash con su chistera, la Les Paul y el pelo de perro chouchou, un Axl Rose más endiosado que nunca, el petardo de Duff McKagan, versiones clásicas como “Live and Let Die” y “Knocking on Heaven’s Door”, guiños a “Mother” de Pink Floyd y “Wild Horses” de los Rolling, el Padrino, “Welcome to the Jungle”, “Paradise City”, “Sweet Child of Mine”… “Guns N’ Roses at his best”. Un concierto memorable que no distó mucho de alguno que hay publicado oficialmente en vídeo. (David González)

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Guns N’Roses – “Nightrain”

Y, bueno, tras una larga espera y agotados por la maratoniana jornada, por fin llegaron nuestros ídolos. Estábamos ya bastante cascados, así que para no perder lugar, nos atamos a las vallas con los cinturones, para que ni la madre de todos los pogos pudiese apartarnos de la primera fila. Poco te puedo contar, porque estaba en pleno éxtasis y se me pasó el show volando. Sé que salté, canté, grité, me embrutecí y disfruté como el enano que era. Pero no te puedo hacer una crítica musical seria porque al terminar el concierto se me formateó la neurona.

Salimos del concierto flotando, agotados pero felices. Y, como colofón, recuerdo muy bien que me tomé las dos mejores cervezas de mi vida: arrastrándonos conseguimos llegar al bar La Viña y nos pedimos dos cada uno, la primera de un trago y la segunda saboreándola mientras hacíamos balance de un día tan grande. (Koloke)

Vale, como el Koloke no puede, dejemos la crítica musical seria en manos de Blas Fernández, que escribía esto en el “ABC”:

Se encienden los focos y las pantallas de vídeo, y el “The lion sleeps tonight” sirve como prólogo antes de que la guitarra de Slash provoque una explosión de júbilo entre los asistentes. Las gradas vibran y el césped queda apisonado: los Gunners descargan su calculada electricidad sobre Sevilla.

…Los trucos pirotécnicos hacen acto de presencia con “Live and let die”. No serán los únicos; un par de inmensos globos, para regocijo del personal, se hinchan mientras suena “Welcome to the jungle”. Estamos asistiendo a un espectáculo en el más exacto sentido del término, y lo musical, aunque la más importante, solo es parte de él.

En uno de esos solos que quitan el hipo Slash exagera los aires pseudoflamencos al final de “Double talkin’ jive”, que cierra con un guiño, siempre tan bien recibido, a Hendrix.

…Y como no hay jardín sin flor ni concierto heavy sin solo de batería, Matt Sorum se pasa siete minutos golpeando los tambores, tiempo que el resto de la banda probablemente aprovecha para una cena rápida.

Y así, entre lucimientos individuales y canciones coreadas por la mutitud (aquí el estadio ofrecía ya un aspecto menos lamentable) llegamos a la buena versión del “Knockin’ on heaven’s door” tras el que la banda se despide, para volver poco después a ofrecer el único bis, de antemano previsto.

Esa previsión en todos y cada uno de los movimientos que realizan sobre el escenario es lo que me molesta de Guns N’Roses. Musicalmente no descubren nada en absoluto, pero sería ridículo no reconocerles un directo impecable y lleno de fuerza, una calidad como instrumentistas fuera de toda duda y una capacidad innata para conectar con su audiencia. (Blas Fernández)

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Guns N’Roses – “Sweet child o’ mine”

No es extraño que ante tal descarga, el día siguiente no acudiese ni Dios al Auditorio a escuchar a Celine Dion en la fiesta del día de honor de Canadá. De hecho, ni siquiera en la prensa hubo crónicas del concierto… se ve que Blas Fernández, Luis Clemente y Quico Pérez-Ventana todavía estaban desatascándose los oídos. Sí recuerdo haber visto circulando por YouTube algún vídeo de aquel concierto, porque fue retransmitido por la televisión canadiense y era fácil de copiar. Aunque ése, si os interesa, lo buscáis vosotros mismos.

El siguiente gran concierto tuvo lugar varios días después, el sábado día 11 de julio, en el auditorio de la Plaza de América, organizado por el pabellón de Brasil. Esa noche disfrutamos del encanto de Marisa Monte.

Cuando llegamos a la Expo todavía se veían por allí centenares y centenares de agüeletes; ese día estaba dedicado a la tercera edad, o al Inserso, o a algo por el estilo, así que los ancianos campaban a sus anchas por el recinto. Y había multitud de ellos en la inmediaciones del auditorio, cosa que me chocó bastante, hasta que una vez comenzado el concierto me dí cuenta que todos estaban allí porque se creían que a quien iban a ver era a María del Monte. Así que después de quitarle muchísimos asientos a gente realmente interesada en la brasileña (menos mal que yo llevaba acreditación, si no me quedo fuera con mi amigo el Profe Franz, que también pudo entrar por fin), prácticamente todos los vejetes se fueron del concierto después de las primeras canciones, cuando vieron que aquello no era lo que esperaban. Y después de todo, hubo asientos vacíos de sobra.

Aquél fue un concierto para recordar, lleno de aires brasileños y neoyorkinos; de reggae y de funk; de pop y de rock; por el que sobrevolaron los espíritus de los Beatles (increíble versión del “Dig a pony”) y de los maestros del soul (no menos increible versión del “I can see clearly now”)… y sobre todo, la indescriptible presencia de una mujer tan llena de magnetismo como Marisa. Cuando salimos de allí, hablando de todo aquello, le propuse a Blas que coronase su crónica de “ABC” con el escueto titular de “Sexo platónico”. Aunque no se atrevió del todo y lo suavizó un poco…


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Marisa Monte – “De noite na cama”

Marisa Monte canta con todo el cuerpo, hasta con las manos y los ojos. Su presencia es sexo sonoro, ensoñación sensual, excitación mental y física que entra por los oídos y se instala en las neuronas con efectos adictivos.

Cuando se acerca lentamente al micrófono, a paso de sensualidad incendiaria, y entona el “De noite na cama” de Caetano Veloso, hasta el iceberg del pabellón chileno sube de temperatura. (Blas Fernández)

Y si verla era un enorme placer, escucharla cantar era una experiencia inolvidable. Blas la comparaba también en su crónica con una mujer mezcla de Carmen Miranda, Vampirella y Martha Davis, que sobrepasó todas nuestras expectativas con una soltura que debía salirle del alma.

Después del concierto, habían preparado una pequeña fiesta en uno de los salones del Auditorio, en la que el propio comisario del pabellón andaba por allí preocupado de que a ninguno de los periodistas nos faltase nunca en la mano un vaso de caipirinha, servidos por una ámplia muestra de las bellísimas azafatas brasileñas, que fueron otra de las principales atracciones de la Expo.

Y allá andaba yo cuando por una de las puertas laterales entró una chica jovencísima, enfundada en un ceñido y espectacular traje largo negro, que se paró conmigo saludándome efusivamente e interesándose por cómo estaba… no había terminado yo aún de preguntarme quién sería esta diosa cuando un movimiento generalizado de todos los que estaban allí hacia nosotros me hizo caer en la cuenta de que estaba ante la presencia de Marisa Monte. Imperdonablemente no la había reconocido, seguramente porque en el concierto no la veía desde tan cerca, y allí su presencia me deslumbraba por completo. Además, uno siempre se imagina a las estrellas más mayores de lo que son en realidad, y Marisa era una jovencita que acababa de cumplir 25 años hacía unos días…

Yo ya iba advertido de la posibilidad de que podía encontrármela tras el concierto y me había llevado la portada de su reciente CD para que me lo firmase. Ese momento de cordialidad mientras lo hacía, más el descubrir que yo era el único de los presentes que sabía algo de ella y que ya la había escuchado antes de esa noche hizo que su conversación se dirigiese a mí casi por entero; así pude enterarme de que la semana siguiente estaría en New York trabajando con la élite musical de aquella vanguardia, incluyendo a John Zorn, así que le pude decir que le conocí unos años antes y que cuando le viese le dijera que el cantaor de flamenco que tan flipado le dejó cuando estuvo en Sevilla, acababa de fallecer.

Todo se desarrollaba de modo fantástico… hasta que se me ocurrió meter la pata como el gilipuertas inexperimentado que era entonces (y que espero que no penséis que sigo siendo). Se me ocurrió preguntarle si no era una contradicción que alguien como ella, que había escrito letras como las de algunas canciones de su disco, viniese a participar en una fiesta que conmemoraba su colonización… antes de que pudiese contestarme unas manos se apoderaron de mí y me retiraron a un rincón; el comisario (político) del pabellón se ocupó de contestarme él mismo mientras me quitaba de en medio a base de tópicos como que el Pabellón estaba haciendo un gran esfuerzo para traer a actuar a las principales figuras de su país y bla-bla-blá. Y allá que me dejó en el exilio del rincón rodeado de azafatas, supongo que con la misión de mantenerme la boca ocupada constantemente con caipirinhas, para que no pudiese volver a sacar mi lengua viperina. Aunque, en realidad, pensándolo después, tampoco estuvo tan mal…

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Marisa Monte – “Dig a pony”

Cuando bajé de la nube seguían sucediendo cosas en la Expo. Pero ésas os las contaré ya en la tercera parte de la historia, la que, al igual que ésta segunda, la comenzaremos camino del campo del Betis…

NO DIGAS QUE FUE UN SUEÑO (1ª Parte)

Para todos los que habéis colaborado con vuestros recuerdos.

El alcalde de Jerez, Sr. D. Pedro Pacheco, ha interpuesto una queja oficial a la organización de la Expo debido a que la pantalla gigante (la pantalla de video más grande de Europa) que Sony ha instalado en la plaza de su nombre, el Jumbotrón, no deja de vomitar durante todo el santo día video-clips a un volumen altísimo, por lo que en el Pabellón de la Tierras de Jerez, que está justo a su lado, no logra entenderse nadie; los caballos andaluces bailan al rítmo de U2 en vez de al que les ha compuesto Luis Cobos y las niñas tienen que bailar las sevillanas al compás de Bruce Springsteen. (Noticia que yo mismo envié a la agencia con la que colaboraba en aquellas fechas)

Ah… la Expo y sus contradicciones. En realidad casi la única música de rock que se oyó en la muestra universal es la que salía de los poderosos altavoces de ese Jumbotrón y sus video-clips. Hubo muchísima música en directo, de muchísimos estilos distintos, pero muy poco rock. Hubo grandes estrenos mundiales en el Teatro Central a cargo de grandes figuras a las que se había pagado mucho dinero por adelantado para que las creasen, y hubo mucha música de radio-fórmula delante de este Jumbotrón a cargo de todos los grupos que eran algo en el panorama del pop nacional, y a los que se obligaba, se coaccionaba, para que actuasen gratis. Las comisarías de los pabellones andaban algunas tan escasas de recursos financieros que muchas veces la programación musical que tenían establecida peligraba, y los artistas tenían que cobrar por su arte gracias al mecenazgo de empresas privadas, como fue el caso de Farruco y su gente en el Pabellón Disperso (y Difuso) de Sevilla; y por fuera de la Expo otras empresas privadas empeñadas en mantener el rock a buena altura tenían que desistir porque la Expo se tragaba todas las iniciativas culturales paralelas; y por eso, aunque en el campo del Betis se ofrecieron tres conciertos guapetones, hubo que desistir de hacer también los de Dire Straits, Prince, Michael Jackson y el cuarteto de leyendas del rock compuesto por Chuck, Jerry Lee, Carl y B.B.; además de que (a un nivel muchísimo menor) los de Producciones Informales, que también sacamos adelante dos o tres noches, tuvimos que anular las de The Fall, Lagartija Nick, Mick Taylor y Teenage Fanclub.

Pero en este post no vamos a lamentarnos por lo que no vimos, sino a recordar y celebrar lo que sí disfutamos; porque, como dice Lu:

…mi Expo fue más cachondeo que otra cosa, y disfruté mucho de la música… (Lu)

La lista completa, con las fechas y el lugar de celebración, de todos los conciertos de la Expo, la tienes en este post anterior. Aquí vamos a desgranar las sensaciones que tuvimos en aquellos conciertos a los que pudimos asistir.

Ya desde el primer día tuve ocasión de atisbar un poco el concierto de Youssou N’Dour en el Palenque. Pero solo un rato; no era tarde aquella de apalancarse en un solo sitio, era la inauguración de la Expo y toda la familia tenía los ojos llenos en cada rincón de ella. Había que ver los pabellones por fuera, el ambiente festivo, la fastuosa cabalgata, el deslumbrante espectáculo del lago… Martika, que estaba en la Plaza Sony, podía esperar.

El primer concierto que disfruté completo fue el de Milton Nascimento en el auditorio de la Plaza de América. Y fue también la primera vez que mi hija vino conmigo. Era por entonces una niña de diez años vivaz y simpática que después, andando por el backstage con Blas y otros periodistas que tenían que currar, llamó enseguida la atención de todas las chicas brasileñas azafatas que tan enamorados nos tuvieron. Fue la primera de las dos veces que estuve rodeado de ellas, y aunque sus atenciones no estaban dirigidas a mí directamente, era un verdadero placer estar inmerso entre tanta belleza. Lástima que Celia se aburriese con Milton y no quisiera venir conmigo a ningún concierto más…

Así que al siguiente al que asistí lo hice acompañado de Epi, el guitarrista de la Compañía Malpaso, y Viqui, su mujer. Todos éramos fans de Laurie Anderson y no podíamos perdernos el estreno mundial de “Halcyon days”, el espectáculo que le había encargado la Expo. Pero en realidad aquí nos aburrimos bastante todos.

No fue éste un concierto al uso, sino más bien algo parecido a una “spoken word”, en la que Laurie se presentaba ella sola en el escenario, en el que solamente había un templete, una pantalla de video y una esfera y un cilindro sobre los que se proyectaban imágenes mientras ella iba desgranando sus historias y diatribas sobre la guerra nuclear; su abuela, que se fue al Japón a evangelizar a los budistas; la crispación de la sociedad actual americana, las neurosis colectivas… “cuando cayó el muro, observé un gesto conocido en la cara de los berlineses: el ansia de comprar…”, y otro montón de cosas más que apenas pudimos entender a pesar de que Laurie tuvo el detalle de esforzarse en contárnoslas en castellano, aunque su forma de leer fuese “de aquella manera”, supongo que ya me entendéis.

La música estaba pregrabada casi en su integridad, y el único instrumento musical que apareció por allí fue un sintetizador que apenas manipuló. Vanguardia dura.

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Laurie Anderson – “The end of the world”
(A nosotros nos lo leyó en castellano… o casi)

El concierto de los Gun me pareció cañero y me gustó. No había mucha oferta de rock porque creo recordar que aquello era dominio de los 40 Principales, ¿no?, así que con este concierto tuve mi racioncita. (Lu)

Es curioso que el concierto de los Gun del 27 de mayo en la Plaza Sony sea el más recordado por todos los lectores habituales de este blog. Quizás sea por eso que apunta Lu ahí arriba, y yo también en los primeros párrafos, sobre la poca oferta de música rock en la Expo. Había que aprovechar la que nos diesen.

Quizá el concierto que recuerdo con más cariño sea el de Gun. Ya los había visto en directo en Valencia, en la gira del primer disco. Aquí llegaban con el segundo, y me encontré con que venían con un guitarra menos y una puesta en escena mil veces más gamberra. Guitarreo, desmadre y más guitarreo, me pareció todo un señor concierto de rock. El desmadre fue tremendo en el escenario y también entre el público; recuerdo a gente muy pasada de vueltas orinando en todo el centro de una Plaza Sony abarrotada. Aunque no fue el momento más destacable, imposible de olvidar que el batería agarró el micro en los bises para regalarnos la peor versión de “Smell like teen spirit” que consigo recordar. (Zambombo)

Yo sin embargo ví un concierto soso, sin chispa ni feeling, e incluso con un sonido de muchos menos watios que los conciertos anteriores (joé, si hasta Sergio Dalma sonó más fuerte la noche antes, y eso que había mucha más gente aún que hoy). Y además, el fuerte viento que había en ocasiones se encargó de llevarse esos pocos watios, por lo que el sonido fue muy desigual; aunque eso nos libró de sufrir bajo el amasijo de notas creadas por los dos guitarristas, que ni siquiera tuvieron el detalle de ofrecernos un buen punteo. La cosa se animó un poco hacia el final del set, cuando interpretaron sus temas más conocidos y versionaron a Metallica; pero en realidad se animó por detalles ajenos a la música, como fueron el engullimiento por parte del público del cantante, que al principio se dejó hacer, pero que llegó a pasarlo mal y emergió de entre la marabunta sin micrófono y casi sin pantalones. Luego se puso a ligar con una chavalita a la que sacó desde las primeras filas al escenario, aunque le quedó bastante burdo el numerito final de meterle entre las tetas (que se realzaban en todo su esplendor en el Jumbotrón) una acreditación para el “aftershow”, o al menos creo que yo que sería eso, para que luego pasase a verle.

El mayor desastre vino al final, en un segundo bis en el que el cantante pasó a la batería, el batería al bajo y el bajo se puso a cantar. En realidad eran todos tan malos que daba igual el instrumento que tocasen cada uno, y como ya nos ha dicho Zambombo, hicieron una versión del “Smell like teen spirit” de Nirvana, que si éstos llegan a oírla les ponen una demanda. Hasta consiguieron enfriar a un público que despertó al reconocer los primeros acordes de la canción, pero que pasaron tanta vergüenza ajena que ya no les pidieron más bises.

Glenn Branca era un absoluto desconocido para mí cuando tuve la ocasión de acudir a una de tantas convocatorias musicales que se ofertaban en la Expo, que por lo general no conseguían motivarme lo suficiente para entrar en el engranaje de aquella macroestructura festiva, en la que los esfuerzos e impedimentos varios no compensaban la mayoría de los resultados… pero aquella noche de mayo, en unión de toda la peña, acabamos en el teatro Central después de salir huyendo de lo que hoy es su explanada de aparcamiento, entonces el cine de verano de la Expo… allí se encontraba actuando Enrique Morente junto a una banda de cornetas y tambores, en lo que parecía una amalgama imposible e injustificable (las cosas de la Expo)… (Losmi)

Al entrar al concierto de Glenn Branca, las chicas de la puerta nos daban unos tapones para los oídos, diciéndonos que eran para preservar nuestro sentido, ya que el sonido en el interior iba a ser demasiado fuerte. Yo dudo de que cualquier oyente habitual de música rock se los llegase a poner, y tampoco fue para tanto el nivel de decibelios. Sobre el escenario una banda compuesta por bajo, batería, percusión, teclados y seis (!!!) guitarras. Lo que ocurrió allí y sus antecedentes os dejo que lo cuente Losmi.

Lo de los tapones fue un gesto efectista que predisponía a una experiencia sónica brutal y que sin embargo era perfectamente asumible, al menos para los oídos educados a pie de las torres de sonido de cualquier concierto de rock…

…el programa, un encargo de la Expo al artista, se configuraba en tres partes, correspondientes cada una a un movimiento de la Sinfonía nº 8, estreno absoluto en los dos días que se ejecutó (28 y 29 de mayo)… sin embargo, el registro discográfico de esta obra (1994) recoge una versión reducida a dos movimientos (“Pasión” y “Anarquía Espiritual”), debido a que en el disco se incluye asimismo la Sinfonía nº 10 y el formato CD por aquel entonces, solo permitía 72 minutos de música… en el camino y de acuerdo al programa, se ha quedado el segundo movimiento, denominado “Destrucción”, en una maniobra comercial de baja estofa, muy habitual en la edición musical y con una larga tradición en todos los géneros, que ha afectado decisivamente a muchas obras clásicas (en su caso, por la normalización en la duración de los espectáculos), que hoy nos han llegado en versión “reader digest”… desconozco si existe un registro sonoro de los conciertos de la expo, lo que supondría un documento de enorme interés para conocer la obra íntegra, tal y como se recogió en la partitura original y tuvimos la inmensa suerte de disfrutarla en el teatro Central…

…me parece evidente con la perspectiva de los años y el conocimiento de la obra de Glenn Branca (quien desde aquella noche entró a formar parte de mi santoral particular), que el compositor y director orquestal hacía años que se había apeado de su prominente lugar en el escalafón de la No Wave neoyorquina, de la que había sido un pionero destacado si bien sus seminales registros discográficos (rescatados por Branca muchos años después), apenas nos hacen vislumbrar sus decisivas aportaciones… no obstante, la principal característica de la musica de Branca, el tratamiento tímbrico de la armonía atonal, se recoge en algunas de las canciones de su primera banda de rock Theoretical Girls (1977), dónde encontramos ese sonido que generado por guitarras eléctricas, resulta “otra cosa” absolutamente diferente, resultante de sus afinaciones particulares, tan apartadas de las claves (temperadas o no) de la música canónica… en resumidas cuentas, Branca no vino a tocar rock a Sevilla, un género del que se había apartado con bastante anterioridad, como pone de manifiesto en una de sus primeras obras de cámara, “Lesson nº 1” de 1979, con un formato múltiple de guitarras similar al de este concierto… (Losmi)

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Glenn Branca – “Symphony Nº 8 – 1st Movement – The Passion” (Corte)

Este concierto, que fue uno de los más arriesgados y brillantes de toda la Expo, fue un caos calculado milimétricamente por Branca. La belleza del estruendo, con la armonía dentro; cuando la encontrabas, el éxtasis estaba garantizado…

…el sinfonismo de Branca no se sustenta en la tridimensionalidad melodía-armonía-ritmo habitual en el planeta sinfónico, por mas que algunos presuntos dinamitadores como Bartok apuntaran tímidamente en esa dirección… Branca construye un muro de sonido mediante una amalgama armónica de tonos disonantes en principio, que esquivan conscientemente cualquier dibujo melódico y va mutando imperceptiblemente en una sucesión temporal que hace evolucionar los acordes de forma imperceptible, logrando un efecto narcótico que desde luego no tiene antecedente alguno, siquiera en las elucubraciones de la psicodelia sesentera, efecto narcótico que no eliminaba un ápice la tensión a la que el oyente se encontraba sometido (si se prestaba al juego propuesto con la concentración adecuada… fueron muchos los que abandonaron la sala y algunos aprovechamos para abalanzarnos a las primeras filas bajo el pasillo transversal para no perdernos detalle…)

Personalmente y en mi experiencia como oyente, este concierto marcó un antes y un después, sirviendo fundamentalmente para abrirme de orejas a otros formatos musicales y sobre todo, comprender los fundamentos de la música modal, en la que la melodía pierde protagonismo y la construcción artística se basa en la resonancia orgánica con un estímulo mas primordial, conseguido exclusivamente por la tensión armónica y tímbrica suspendida de forma intemporal, sin conclusión aparente… (Losmi)

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Glenn Branca – “Symphony Nº 8 – 2nd Movement – Spiritual anarchy” (Corte)

Otro que recuerdo muy bien fue el de Celtas Cortos, que ya entonces se habían vendido a la radiofórmula descaradamente y estaban lejos de ese grupo folk de los primeros discos. Los gratos recuerdos no son por el concierto en sí, que estuvo bastante bien, sino porque tuve un affaire con una chica a la que llevaba persiguiendo hace tiempo. (David González)

Es curioso lo que dice David, porque en ese concierto de los Celtas Cortos también yo reencontré a una antigua amiga a la que hacía siglos que no veía, y con la que pasé todo el concierto y gran parte de la noche. Y era difícil, ya que ésta era la noche en la que más público se había congregado hasta ahora en la Plaza Sony. Para mí fue una recompensa por haber acudido por inercia a la cita con una banda que no me interesaba nada en absoluto y a la que siempre consideré un pastiche.

Los Celtas Cortos ya en su cuesta abajo, solo sus dos primeros discos me interesan. Concierto a años luz de uno magnífico que dieron en Sevilla años atrás en una pequeña sala, cuyo nombre no recuerdo. Lo más “divertido” fue el mitin antidescubrimiento de América que el cantante dió entre canción y canción, precisamente en un concierto que tuvo lugar en un recinto donde se celebraban los 500 años de dicho descubrimiento. Pelín demagógico cobrar de ellos y luego largar. Lo lógico habría sido haberse negado a actuar en la Expo, pero poderoso caballero es don dinero. (Maese Rancio)

En realidad el poderoso caballero esta vez no era don dinero, como apunta el Maese, porque como ya he dicho por ahí arriba, allí había que tocar gratis. Pero, como decía Blas en su crónica del “ABC”, el grupo tenía que devolver el favor a esa cadena de radio sin la cual seguirían siendo un grupo minoritario. Y una vez “vendidos” resultaba una completa incoherencia salir al escenario a cantar vestido con una camiseta con el lema estampado de “V Centenario… ¿de ké?”, y lanzar la diatriba a la que se refiere Maese, y algunas proclamas más contra la mili, demasiado facilonas, solo para caer bien a la gente.

Eso fue el jueves, 4 de junio; dos noches después , de la mano del Pabellón de la Cruzcampo, otro lleno absoluto en la plaza, ésta vez para escuchar a Luz Casal.

El de Luz me sorprendió mucho por la calidad del sonido. Fue brutal de bueno, unos músicos de lujo. ¿Llevaba dos bateras? ¿Uno de ellos era Tino di Geraldo? En mi cabecita retuve esa información, pero no sé si es cierta o me la inventé. Lo que sí puedo asegurar es que aquello sonó de putísima madre. (Lu)

Y tan de putísima madre que sonaría, al menos en lo que se refiere a potencia, algo que puedo atestiguar aunque no estuve allí. Por entonces yo aún vivía en el Polígono de San Pablo, que en relación a la ubicación de la Expo está en el otro extremo de Sevilla según el eje Oeste-Este; pues con las ventanas de mi piso abiertas, y una leve brisa de poniente, podía escuchar desde mi salita la voz de Luz… os lo juro…

Y los conciertos de los “40 Principales” y “Cadena Dial” se fueron sucediendo… el siguiente fue el de los Hombres G

Asistí a algunos conciertos totalmente prescindibles, como el de Hombres G, aunque me parecieron bien, dentro de su línea, porque era un grupo que ya había perdido un poco su sitio y estaba más bien en tierra de nadie. Recuerdo que el guitarra solista (Rafa) estuvo pésimo, con algunos solos fuera de escala. Tuvieron la osadía de tocar uno de los temas que le compusieron a Luz Casal (“Te dejé marchar”) y salir airosos del lance, aunque algunos días antes la propia Luz ya le hizo verdadera justicia al tema en el mismo escenario, en un buen concierto. (Zambombo)

Después fueron pasando por allí Duncan Dhu, La Trampa, La Guardia, Los Ronaldos

Los Ronaldos también dieron un concierto interesante y caliente, pero algo extraño; ya habían dejado de ser una sopresa y unos chavales y estaban sondeando, quizá demasiado, otros territorios, no siempre bien entendidos por el público. La imagen que mejor recuerdo de ese concierto es a Coque Malla echándole cubos de agua al público. (Zambombo)

Y tras dos cubos para bañar a la multitud, el tercero fue para bañarse él mismo, que hacía mucho calor y Coque estaba dando lo mejor de sí, en un concierto que me reconcilió con ellos después de sus vulgares apariciones de la Cita en Sevilla.

Quizás es que estuvo imbuído por algún espíritu de leyenda que llegase a él a través del suave viento nocturno. Ese mismo día, el 2 de julio de 1.992, se había apagado una estrella. Y Coque lo recordaba desde el escenario: “Este concierto se lo vamos a dedicar todos a Camarón, pero no con minutos de silencio, sino con todo el ruido posible, que a él le encantaría”.

Sí que recuerdo mucho que en la Plaza Sony ponían ¿todos los días? a Camarón, acababa de morir y siempre se me saltaban las lágrimas cuando aparecía en el pantallón. Me sobrecogía escucharle, verle cantar ahí con el torso desnudo, consciente de que le quedaba ya poco tiempo. No lo podía evitar. (Lu)

Seguramente, de todos nosotros, a pesar de momentos de congoja como los que nos cuenta ahí, quien mejor se lo pasaba por allí era nuestra amiga Lu.

De Los Ronaldos, ¿qué te voy a contar? No me acuerdo absolutamente de nada… Pero… ¿no tocaron los Ketama? Recuerdo perfectamente habérmelos encontrado en la Plaza Sony y hablar con ellos, al día siguiente actuaban y les prometí que iría a verlos. No recuerdo si lo hice, la verdad, en esa época mi vida era un continuo desmadre. La adolescencia… tú sabes. (Lu)

Pues no, Ketama no llegaron a tocar porque su noche era la del 30 de junio. Y esa noche el público musical de verdad no iba a estar en la Plaza Sony, sino en el campo del Betis.

…pero eso ya lo contaremos en la segunda entrega de esta historia.

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Ronaldos – “Adiós, papá”

EL CANTOR DEL CREPÚSCULO (Y LOS ZOMBIES)

Cuando llega el domingo por la tarde, más aún en estas fechas del nuevo horario recién estrenado, en que la noche te cae sobre las espaldas sin que apenas te des cuenta, le entra a uno algo parecido a una depresión, que es la antesala de otra dura semana de trabajo y rutina. Pero este fin de semana, que pone para mí un punto y seguido entre una semana de vacaciones y otra que aún me queda, no va a terminar con un domingo de ésos. Y si queréis, para muchos de vosotros tampoco, porque el inicio de semana es más que bueno en lo que se refiere a poder salir a disfrutar de conciertos, incluyendo un agradable viajecito rápido a Cádiz en la noche del lunes.

Pero de eso hablaremos después. Primero nos vamos a ocupar de lo que va a ocurrir el martes en el Teatro Central de nuestra ciudad. Esa noche podremos ver a GREG DULLI, presentándose en directo en los escenario por vez primera con su propio nombre en lugar de cómo integrante de una banda.

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The Twilight Singers – “The killer”

En este post, en el que lo que hacemos es reseñar unos conciertos, no vamos a detenernos mucho en los detalles biográficos de los músicos, porque además son bastante conocidos. Greg Dulli, como cabeza visible del grupo The Afghan Wighs, entró de lleno en el mundo del rock, más que por una puerta grande, por una puerta inmensa que le propiciaba el que a medidados de los años ’90 le quisieron considerar como “el nuevo Kurt Cobain”. Pero Greg no quiso medrar bajo esa etiqueta, y en vez de dedicarse a lo seguro, se ha pasado una década y media amalgamando el Rhythm & Blues con el trip-hop y el folk-rock en solitario y en otras formaciones como The Twilight Singers, con los que todavía sigue, como veréis seguidamente, o como The Gutter Twins, en el que estaba asociado con Mark Lanegan, otro tipo que pasará dentro de poco también por aquí.

Así que Greg Dulli es un animal de escenario al que las arenas del tiempo no han conseguido enterrar, a pesar de que nunca le ha sonreído demasiado el éxito comercial ni ha colocado discos en las listas de ventas. En lugar de eso ha sido una gran figura del rock alternativo que ha conseguido arrastrar a una legión de seguidores de culto, que le mantienen todavía artísticamente vivo, mientras muchos de sus contemporáneos han sido relegados por la historia al papel de cadáveres o, lo que es peor, de músicos que graban discos de ésos que van casi al día siguiente directamente a los cajones de saldos de las tiendas. Greg eligió no estancarse.

Porque posibilidades de hacerlo tuvo. Ya te he dicho antes que él no quiso medrar bajo ninguna etiqueta, y eso que hace diecisiete años, cuando The Afghan Whigs fichó por una discográfica multinacional, editó un disco con canciones maravillosas como “Debonair”, “What jail is like” o “Gentlemen”, que eran productos totalmente de su tiempo y que eran radiadas continuamente; eran el paradigma de lo que esa escena rockera alternativa podía producir. Pero el género comenzó a marchitarse y Greg prefirió no continuar intentando revalidar sus éxitos.

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The Afghan Whigs – “What jail is like”

En los discos que siguieron la música de Greg Dulli ha sido siempre oscura, con letras que te describen los rincones más sombríos y los espacios más horrorosos del alma de la mayoría de las personas. Pero él en realidad parece ser un tipo divertido que en el escenario se transforma y no tiene nada que ver con su otro yo que escuchamos en los discos. Él es uno de los cantantes más carismáticos de los últimos veinte años, romántico y expeditivo, intenso como muy pocos más, un especialista en convertir el rock en música soul en constante tensión emocional.

En la gira que le trae aquí no viene con una banda completa, le acompañan solamente dos músicos más, Rick Nelson, que es el violinista y cellista de The Polyphonic Spree, y Dave Rosser, un guitarrista eléctrico y acústico, desde hace mucho tiempo compañero de Greg en The Twilight Singers, que aquí también le respalda en las voces.

Y la gira es una cura saludable para él. Un descanso… aunque parezca un contrasentido. Greg llevaba mucho tiempo enredado en la grabación del próximo disco de The Twilight Singers, que tras cuatro años de gestación saldrá al mercado en el sello Sub Pop de aquí a pocos meses, y necesitaba parar, dejar de pensar en él porque se iba a volver loco. Greg es propenso a los trastornos obsesivos y compulsivos y tenía que retirarse a un rincón a meditar sobre la situación. Así que para no seguir dándole vueltas y más vueltas a la música que grababa se fijó a sí mismo una fecha definitiva para la masterización del disco, que siempre iba posponiendo. Y para no poder postergarla nunca más contrató para unos días después esta gira, que al tener fechas comprometidas en diferentes ciudades era imposible cancelar.

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The Afghan Whigs – “Let me lie to you”

Entre los tres eligieron unas 30 o 35 canciones de todas las épocas de Greg y las desnudaron hasta el hueso, hasta dejar totalmente al descubierto su núcleo oscuro y atormentado, y las ensayaron prácticamente unplugged. Las críticas de los primeros conciertos de la gira, allá en los USA, hablan unánimemente de magia, de abrasadores conciertos dignos de las mejores encarnaciones de Dulli con sus bandas completas, de interpretaciones en las que tanto los músicos como los espectadores terminan sudando fuego.

Con tantas canciones preparadas, los conciertos no se parecen mucho de una a otra noche, pero Greg promete que siempre habrá al menos una canción de cada uno de los discos que ha hecho. En su mayoría son canciones que nunca ha interpretado antes por una razón u otra, algunas versiones de Bjork, Basement Jaxx, Big Star… e incluso hay alguna que otra del disco que acaba de terminar. Todo un reto para Greg, que es la primera vez que encara una serie de conciertos de matiz minimalista; pero lo va superando con creces, le gusta como quedan así las canciones. Y es que cuando una canción es buena se puede interpretar como se quiera; y como las suyas lo son, ahora también brillan aunque estén despojadas de todos sus lujos y oropeles, que es como puedes escucharlas en este post. Todas las que he puesto forman parte de los sets de la gira.

Pero aunque el montaje en su conjunto sea más sobrio de los que acostumbraba con sus bandas, Greg Dulli no pierde ni un ápice de su poder de showman ni de su sentido teatral; él sabe perfectamente como trabajarse un concierto, en el que cada canción sobrepasa a la anterior, hasta terminar con el auditorio puesto en pie, pidiendo más aún.

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The Afghan Whigs – “Candy cane crawl”

Antes que Greg Dulli ocupará el escenario DANI LLAMAS, un músico jerezano que lleva ya más de once años editando discos y dando infinidad de conciertos tanto por España como por Europa y Canadá. Primero integrado en el grupo G.A.S. Drummers, y desde hace algún tiempo en que Ken Stringfellow le animó a desarrollar el potencial de sus composiciones, dejando sus joyas pop en solitario.

Aquí estará presentando su disco “Speaking thru the others” él solo, tal como canta siempre en directo, pero seguro que a todos los que vayamos nos gustará, porque tiene tablas, desparpajo y, sobre todo, canciones, llenas de melodías acertadas, sobriedad y elegancia. Os dejo una muestra.

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Dani Llamas – “Kiss me when I’m dead”

Y el lunes todos a Cádiz. Aunque el que no quiera ir tiene también la opción de ver a los BellRays en el “Malandar”.

Pero es que en el “Aulario de la Bomba” de Cádiz estará uno de los grupos ingleses míticos de los años ’60, THE ZOMBIES, todavía en buena forma porque sus dos líderes, Colin Blunstone y Rod Argent, no han dejado nunca de estar en la brecha, como lo demuestra que el último disco de la banda se editase en el 2.004 y actualmente se encuentren grabando uno nuevo, que verá la luz en mayo del año próximo.

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The Zombies – “She’s not there”

Pero aquí vienen con el repertorio de “Odessey and oracle”, la obra maestra de los Zombies, que vio la luz en 1.968, y del que la banda viene celebrando su 40º aniversario desde hace dos años, ofreciéndolo en directo en conciertos en los que junto a la voz de Colin y los teclados de Rod, se alinean la guitarra de Tom Toomey, la batería de Steve Rodford y el bajo de Jim Rodford, que ya militase antes en los Kinks entre 1.978 y 1.996, por lo que fue el bajista que vino con ellos a la “Cita en Sevilla”.

Sus canciones, desde que debutasen con el single “She’s not there” hace una eternidad, siempre se han beneficiado de la susurrante voz de Colin y de los imaginativos arreglos de teclados de Rod, lo que les daba una marca de identidad muy distintiva. Su estilo se mantuvo en los demás singles que siguieron al primero, excelentes todos ellos, aunque sin demasiado éxito comercial en su país, debido sobre todo a la estrechez de miras de la Decca, discográfica que si unos años antes no quiso saber nada de los Beatles, ahora no tenía ni puta idea de cómo vender estos diamantes pulidos. No fue así en los USA, donde fueron estrellas incontestables. Pero el no ser profetas en su tierra fue algo que les frustró y amargó a la banda durante toda su carrera en los sesenta, por lo que terminaron por romper justo al terminar de grabar el “Odessey and oracle”, comenzando Colin Blunstone una carrera en solitario, y Rod con la banda que fue ámpliamente conocida con su apellido de Argent. Pero como fueron un grupo que merecía mucha mejor suerte de la que tuvo, el destino les iba a deparar una larga vida después de todo.

La promesa de todos aquellos primeros singles culminó con la magnífica colección de canciones que presentaron en este disco, las cuales combinaban muy hábilmente innovación, melodías y harmonías muy bien construidas. El cierre lo ponía “Time of the season”, el mayor éxito que tuvieron The Zombies en toda su historia.

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The Zombies – “Time of the season”

A pesar del paso de los años Colin sigue haciendo que voz se interrelacione perfectamente con las harmonías, y el grupo mantiene la mayor parte del nivel de energía y entusiasmo de los primeros brillos. Y aunque esta celebración de los cuarenta años del disco comenzase siendo un movimiento nostálgico, los conciertos tenían tal sentimiento que sin ser algo calculado por Colin y Rod tuvieron una influencia decisiva en que ambos se metiesen de nuevo en los estudios de grabación para experimentar y cambiar acordes de canciones que ya tenían pensadas, para ensayar con ellas y para completar un nuevo disco. Y la magia y el misterio eran de tal calibre que todavía hoy, muchos meses después de aquella fecha conmemorativa, siguen rememorando los viejos tiempos encima de los escenarios.

Lo mejor de todo, según le he leído a Rod en una reciente entrevista, es que todavía siguen aprendiendo; y ese proceso de descubrimientos nuevos es lo que les da el poder que les impele a seguir y a arrastrar a la gente con ellos.

Y por eso, aunque normalmente soy reacio a los ejercicios de añoranza, yo el lunes pienso dejarme llevar hasta donde ellos quieran. Larga vida al rock and roll!.

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The Zombies – “Care of cell 44”