THE GIRLS ARE ALRIGHT

Vamos a seguir jugando, que aún es verano y estoy de vacaciones y sin muchas ganas de escribir.

Por eso hoy voy a emplear pocas palabras. Hoy sobre todo os traigo imágenes. Todas ellas de gran belleza. Y no solo física.

Les debo mucho a todas estas mujeres. Me han acompañado en los mejores y los peores momentos; en los ratos de soledad y en los de compañía; en los largos viajes en coche por las carreteras andaluzas en busca de hospitales con máquinas que reparar; en los largos ratos de papeleo de despacho y de trabajo técnico de taller; se han leído a mi lado infinidad de libros…

Son las mujeres que hacen la música que amo. Poppies, vanguardistas, rockeras, locas, intimistas, dulces, feroces…

Hay tres slideshares con sus fotos y unas palabras que se me han ido ocurriendo a medida que las iba subiendo. No te diré quienes son para que las mires un poco mejor buscando si tú también las conoces. Y así ocurrirá en la mayoría de los casos. Por supuesto, lo que yo piense de ellas no tiene por qué coincidir con tu propia opinión; seguramente tú las describirías de otra forma… ahí tienes la sección de comentarios para que lo hagas. Y para que nos hables de tus favoritas. Y para que nos digas a quienes conoces y a quienes no de las mías. Y para que nos digas qué te parecen.

Y para que vosotras pidáis un post igualito, pero lleno de hombres…

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A todos nos recuerda algo, por eso ha sido la musa de tantos músicos más jóvenes.

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Los colores de su arco iris pintaron infinidad de canciones de otros artistas.

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Su voz estaba a la altura de su cara… y su cuerpo en un ceñido vestido negro semi transparente, ni te cuento…

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…si vieras como mueve su vientre en el escenario… y como hace bailar a su ombligo…

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Pionera en tantas cosas…

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…suavemente.

…las adoro a todas.

UN RAIMUNDO AMADOR FELIZ

Ahora os propongo otro juego divertido y veraniego.

Hace ya algún tiempo, a través de un artículo que nuestro amigo Ambrosio vio en la página del Rocking Vicar, un rincón del ciberespacio que es como una especie de Hogar del Pensionista para viejos rockeros como nosotros (me refiero a él y a mí), donde siempre encontramos a otros personajes afines que escriben contando batallitas y curiosidades sobre las que charlar, encontramos una cosa simpática que nos llamó la atención.

Se trataba de la página de una asociación de amigos de los libros o algo así, que había tenido la idea de hacer un pequeño concurso entre sus visitantes. La idea había surgido al ver que los currantes y visitantes del estudio donde tiene la sede esta asociación dejaban mensajes en las pizarras repartidas por las paredes. Junto a los mensajes habituales o dibujos sin sentido comenzaron a aparecer otros en los que la gente había fundido el nombre de algún grupo de rock con el de un libro, y en ocasiones resultaban nombres delirantes, curiosos y divertidos.

Lanzaron el concurso al espacio, y entre los nombres que ya tenían en sus pizarras y los que enviaron los participantes había perlas como las que a continuación os voy a transcribir.

Como todo está en inglés y a este blog se asoma alguna gente que tiene problemas con ese idioma, me vais a permitir los demás (abusando un poco de vuestra paciencia) que a veces explique un poco el chiste de algunas de las asociaciones de nombres, porque cuesta pillarlos sin tener nociones de ese idioma. Intentaré que todo salga de forma amena.

* The Chemical Brothers Karamazov
* Haircut One Hundred Years of Solitude
(Cien años de soledad con el pelo cortado)
* Charlie Daniels and The Chocolate Factory
* Courtney Love in the Time of Cholera
(jeje… éste es bueno)
* The Hitch Hiker’s Guide to the Galaxy 500
* A Christmas Carole King
* The Joy Division of Sex
* Mein Camper Van Beethoven
* Guadalcanal Diary of Anna Frank
* Status Quo Vadis

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Go-Go’s – “We got the beat”

* Of Mice and Men At Work (De Ratones y Hombres Trabajando)
* Lil’ Romeo and Juliet
* A Midsummer Night Dream Theatre
* Harry Potter and the Sorcerer’s Stone Roses
* Harry Potter and the Goblet of Arcade Fire
* The Necronomiconway Twitty
(Los Conway Twitty practicaban la brujería)
* Bare Naked Lunch Ladies
* Even Cowboy Junkies Get the Blues
* Oliver Twisted Sisters
(Oliver Twist y Twisted Sisters)
* A Tale of U2 Cities
(Historia de U2 ciudades)
* Great White Expectations
* The Great White Gatsby
* All Quiet Riot on the Western Front
(Mezcla del grupo Quiet Riot con el libro Sin Novedad en el Frente… algo así como Sin disturbios silenciosos en el frente)
* Johnny Got His Guns ‘n Roses
(Johnny cogió su fusil para disparar a los Guns ‘n Roses… jejeje)
* The Faster Pussycatcher in the Rye
(La banda Faster Pussycat y El Guardián entre el Centeno)
* Days of Iron and Wine and Roses
* Doctor ZhivaGoGo’s
* Lords of the New Church of the Flies
(Los Señores de la Nueva Iglesia de las Moscas)
* Pet Shop Boys Sematary
(Los Pet Shop Boys enterrados en un Cementerio de animales)
* All the King’s Bunnymen
(¿Todos los hombres del Presidente eran hombres-conejo?)
* Midnight Oil in the Garden of Good and Evil
* Requiem for a Dream Syndicate
* The Invisible Manfred Mann
* All Creatures Great and Small Faces
* The Natalie Merchant of Venice
(Éste me encanta, Natalie Merchant se casa con El Mercader de Venecia)
* Fleetwood Macbeth
* Captain Beefheart of Darkness
* Orchestral Manoeuvres in the Heart of Darkness
(Maniobras orquestales en el corazón de la oscuridad)
* Deborah Harry Potter
(jejeje… Blondie con gafitas)
* Manowar and Peace
* In Coldplay Blood
(Coldplay y A sangre fría)
* Gone With the Earth Wind and Fire
(Lo que la Tierra, el Viento y el Fuego se llevaron)

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U2 – “I still haven’t found what I’m looking for”

A veces los concursantes no han respetado las reglas de forma estricta sino que han jugado con las palabras y salen algunas cosas muy buenas también:

* Enya Karenina (y Abba Karenina, por supuesto)
* Buena Vista Fight Club
(Los Buena Vista Social Club en el Club de la Lucha)
* Last Yo La Tengo in Paris
* Jonathan Richman Seagull
(Juan Richman Gaviota)
* A Kraftwerk Orange
* For Whom the Belle and Sebastian Tolls
(Las campanas doblan por Belle and Sebastian)
*10.000 Maniacs Under the Sea
(Los 10.000 Maniacs acompañan al Capitán Nemo en sus viajes submarinos… debió ser cuando Natalie se casó con el Mercader de Venecia y les dejó tirados)
* The Agony and the XTC
* SidVicioushartha
(Si hubiese leído Siddharta, Sid Vicious no hubiese sido tan golfo)
* Jane Eyre’s Addiction
* Bridge over the River Jamiroquai
(Jamiroquai silbando la famosa parte del Puente sobre el río Kwai)
* The Scarlet Pimpernelly Furtado
(jejeje… ésta es muy buena)
* Whitesnake Noise
(¿El ruido blanco de la serpiente… o el ruido de la serpiente blanca?)
* Oth-Yello
(Otelo era suizo)
* Megadeth of a Salesman
(La muerte de un viajante heavy)
* The Colour From Outer Spacehog
(Cierto, la música de Spacehog a veces parece del espacio exterior)

Y para terminar, uno sobre el libro favorito de mi mujer, que tengo en casa en tropecientas mil ediciones diferentes. Si mezclamos a los Judas Priest, con “Orgullo y Prejuicio” (que en inglés es “Pride and Prejudice”), y tenemos en cuenta que en inglés Prejudice suena prácticamente igual que Prejudas, sale: Pride and PreJudas Priest. Una joya, mi asociación preferida.

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Sr. Chinarro – “Una llamada a la acción”

…Y ahora nos toca a nosotros. Poned el ingenio a trabajar a ver si podemos completar una lista graciosa. Para ir comenzando, aquí tenéis unos cuantos de los que hemos podido reunir:

* Polansky y El Ardor guerrero
* La Familia de Pascual González Duarte
* El viejo y el Mar Otra Vez
* Angeles y Demonios Tus Ojos
* Asesinato en el Comité Cisne central
* Los Heroes Del Silencio cansados
* El Juan Perro del Hortelano
* El sí de los Niños Gusanos
* El Señor Chinarro de los Anillos
* Los Del Rayo que no cesa
* Romeo y Julieta Venegas
* Esplendor Geométrico en la hierba
* Barón Rojo y negro
* Las Lola, Lolita y Rosariyo Flores del mal
* La Dama de las camelias Se Esconde
(o La Dama Se Esconde de las camelias…)
* La hora Cero Noventa y Uno
* La oscura historia de la Materia Prima Montse
* Últimas tardes con Teresa Rabal
* El libro Guiness de La Polla Records
* Pero hubo alguna vez 11.000 Vírgenes Adolescentes?
* Un Pachuco Cadáver en la biblioteca
* El Ultimo mohicano de la Fila
(o El Ultimo merovingio de la Fila … o El Ultimo judío de la Fila)
* La guerra del general Manolo Escobar
* Trópico de Cancer Moon
* Matar un ruiSeñor Chinarro
* La Ciudad Jardín y los perros
* Nosoträsh que no somos como las demás
* El increíble hombre Cuarto Menguante
* Los Niños Gusano del Brasil
* La vida es Sueño de Morfeo
* Cien años de Sole Jimenez
(o de Soledad Bravo)
* Siniestro desafío Total
* Escrito por Silvio y Luzbel
* La ordalía del Kiko Veneno
* A la Pata Negra de palo
* El Tierno Mancebo que amaba las palabras
* No Me Pises la mala hierba Que Llevo Chanclas
* De la tierra a La Luna Les Canta
* Todos los Hombres G del presidente
* Pánico Speed nuclear
* Miguel Bosé Strogoff
* Noche de Tahúres Zurdos
* Un Pingüino En Mi Ascensor de los borrachos

Por supuesto, tampoco hace falta que seáis demasiado respetuosos con las normas, porque así os podrán salir genialidades como éstas que se les ocurrieron a unos amigos nuestros:

* El Fari del fin del mundo
* El Chucho del hortelano

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Chucho – “Capitán en alta mar”

LA IMAGEN DEL ESPEJO

Como estoy de vacaciones le he dado descanso también a las neuronas encargadas de aportar ideas frescas al blog. Y las próximas entradas van a ser revisiones de ideas que ya hemos desarrollado por aquí, pero presentadas en forma de juego, para hacerlas más divertidas y refrescantes. Y el primero de estos posts va a ser uno sobre el que estuve hablando hace unos días con Lu, Koloke, Inma y Antonio.

Por eso hoy vamos a hablar de la música clásica y su relación con el pop y el rock. Que no se limita a la forma en que Freddie Mercury cantaba algunas partes del “Bohemian Rhapsody”, ni a la Caballé destrozando el “Hijo de la luna”.

El rock en todas sus variedades se ha visto influenciado por la música clásica muchas veces, y en formas muy variadas, ya sea interpretándolo fielmente pero con instrumentos propios del género, basándose en piezas clásicas para construir otras diferentes pero con regusto añejo, o deconstruyéndolas y jugando con ellas. De todo ello vais a tener ejemplos en este post.

Y además es un texto especial porque no lo escribí yo solo, sino que lo hice a medias con nuestra amiga Glauca María, de la que aprecio sus conocimientos y buen gusto sobre música clásica, por lo que le pedí que escribiese sobre una lista de piezas que le envié, que posteriormente han llegado a nuestros oídos revisadas por músicos actuales. Y amablemente accedió. Aquí tenéis el resultado de la colaboración.

Está presentado, como ya os he dicho, en forma de juego; sin daros a conocer los nombres de los compositores, artistas, obras ni canciones. Lo haréis vosotros mismos en los comentarios, porque la mayoría son muy conocidas. Es posible que os sorprendan algunas de estas revisiones, pero serán las menos. Y todos aprenderemos algo.

La estructura del post es fácil de seguir. Primero estarán los comentarios de Glauca (escritos en cursiva), seguidos de una pieza clásica. Después estará mi comentario sobre la versión moderna de esa pieza, y a continuación podréis escucharla también. Hay 14 de cada una, por lo que haríais bien en tomarlo con calma y no intentar merendaros todo el post de una vez.

Echaréis en falta muchas obras por una y otra parte, pero creo que las muestras presentadas recogen todo el abanico de posibilidades… y nadie es perfecto. Podéis aportar también vuestro granito de arena, pero os ruego a los más heavies que no abuséis de Satriani, Deep Purple, Michael Schenker, Rainbow y cía. porque podíamos sufrir de empacho mental y sonoro. Rebuscad más bien entre Santana, Wendy Carlos, Jeff Beck, Evanescence, Mika, Oasis, Michael Jackson, Village People… incluso entre los Beatles. Eso sí, os advierto que al que cite el “Ciclos” de los Canarios lo echo a patadas del blog. Los blogueros de bien estamos peleados con Teddy Bautista.

Os dejo ya disfrutar con los comentarios de nuestra amiga:

De las cuatro suites para laúd que compuso este autor, ésta es quizas la más conocida y la menos complicada. Se ha hecho famosa por un nombre evocador que pertenece a su segundo movimiento, que le viene de un arreglo realizado en el siglo XIX. Dicho arreglo presentaba la melodía principal durante toda la obra en la cuerda de Sol, la más grave del laúd. La plantilla orquestal de este movimiento consiste en una orquesta de cuerdas y continuo de una armonía sublime. Una sola línea melódica va surgiendo hasta que da paso a un pasaje más recitativo. Es de una especial belleza la combinación de las escalas menores y mayores en la última cadencia de la segunda mitad. Los ornamentos dan pureza de tono, con su sonoridad tan limpia y llena que es toda una experiencia para los sentidos su audición. La parte que ponemos es precisamente ésa que decía que le ha dado el nombre a toda la suite y, para comenzar con un español, en una versión para guitarra que interpretó Andrés Segovia.

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1-A

Si hubo un grupo que envejeció malamente fue éste. Pero en sus momentos álgidos fueron una de las bandas más importantes del rock. En esta pieza mezclan el clasicismo barroco con aires jazzys, y en su tiempo fue la cumbre de la diversidad que podía ofrecer la música rock… anda que el tiempo no vuela ni ná!

De todas formas, aún hoy se sigue escuchando con agrado muy frecuentemente, porque sigue siendo uno de los instrumentales más radiados de todos los tiempos.

La pieza comienza en forma etérea, con una angelical melodía de flauta, hasta que un rompimiento rítmico bastante funky la hace cambiar de estructura y presenta caras que van desde los arreglos clásicos hasta los psicodélicos, a los cuales se van añadiendo todos los miembros de la banda que complementan estupendamente el trabajo rítmico de la flauta y el bajo.

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1-B

Esto es conocido como el concierto optimista; destaca en él su movimiento lento, que se va prolongando en una melodia larga que roza el éxtasis. Está lleno de fuerza positiva y optimismo, y es considerado como uno de los más hermosos fragmentos de la historia de la música. Ha sido utilizado con mucha frecuencia en el cine.

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2-A

Seguramente ésta debe ser la canción más concisa que conozco para expresar sentimientos tales como la tristeza, el dolor… y todo arropado por una melodía líbremente basada en la que Glauca os ha comentado.

Así que para respetar los deseos del cantante, seré yo tan conciso como él. De todas formas la vais a conocer enseguida.

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2-B

El compositor de la siguiente pieza es el típico idealista tranquilo que goza de un gran talento creativo junto con el dominio de la armonía, algo que le permite encontrase con un público agradecido. Vivió la época floreciente de la industria del cine en su país en la que un gran director compatriota suyo quedó maravillado del realismo de su música. Este realismo le lleva a componer la obra de la que extraemos el fragmento, que nos va convirtiendo la música en imagenes, en concreto en la parte que escuchamos toda ella tiene una fantasmal sustancia romántica. Las dificultades son captadas por un doble bajo, se escuchan gemidos a través de una melodía que se desliza hasta hacernos sentir el sonido del contrabajo como si éste hubiera adquirido una calidad fantasmal.

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3-A

Una dulce melodía clásica usada para hacernos llegar un mensaje bastante panfletario y partidista sobre la Guerra Fría… la verdad es que está de sobra la pregunta sobre si “los rusos también aman a sus hijos”. Debería haberse quedado en las consideraciones sobre que las ideologías no son importantes comparadas con la vida y el amor. Pero es que este tío es un poco cargante (verdad, querida Lula?), y se pasa de dramático muchas veces. Ay… las primadonnas histéricas!!

Por cierto… ¿sabeis que Ambrosio o yo (no sabemos en realidad quien fue) hemos dormido en la misma cama que el nota éste?

Una cosa que siempre me he preguntado es cómo se tomaría su antiguo compañero de grupo la canción ésta, ya que su padre fue uno de los jefecillos de la CIA y más de una vez tuvieron sus más y sus menos a cuenta de los pensamientos políticos del uno y del otro cuando compartían grupo. Siempre salía perdiendo el cantante que ha hecho esta versión, claro, ya que es conocido como hombre de paz y practicante del yoga (un blandengue, vamos), mientras que el otro era el batería, que ya sabeis que suelen ser tíos cachas y un poco locos. No es extraño que alguna vez le fracturase una costilla, como así sucedió.

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3-B

Estamos ante un compositor que fue capaz de comprender y emplear todos los recursos musicales de su época. Combinó esquemas rítmicos de orígenes varios, llevando a la cima el arte del contrapunto.

Traemos un extracto de una de los obras mas conocidas del compositor, sin duda; pero a su vez es una de las suites mas bellas que se han escrito. Concretamente el Aria del segundo movimiento contiene uno de los más bellos compases que aún no han sido superados. En su éxito tiene mucho que ver la eficacia con la que se entreteje la melodía. El movimiento de una tiende a ser la respuesta al movimiento de la otra.

La melodía suena como si muy suavemente se estuviera despertando, primero estirándose hacia abajo en la escala, y luego desperezándose hacia su comienzo; es maravillosamente simple. Creada por un ánimo sereno con los patrones usuales de cuerdas y notas arregladas en su justa proporción de cambio, aparte de un gran derroche de imaginación. Es de una exquisitez sin límites, serena, y plagada de poesía.

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4-A

¿Habeis visto “El año pasado en Marienbad”…? ¿Os gustan las películas francesas… el surrealismo de las pinturas de Dalí, de René Magritte…? Pues se puede dibujar una línea entre las fracturas de la narrativa de esas películas y la de esta canción, compuesta de retazos que hablan de amargura, abandono… no hace falta conocer todo su signifcado para sentirse atrapado por su atmósfera.

Y la música es lo que más ayuda a que esta canción sea así de evocadora. El autor moderno no pretendía en realidad hacer una combinación de música clásica y rock, pero es que el alma del autor clásico que la compuso hace siglos estaba dentro de él.

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4-B


Corría el año 1.803 cuando en la abadía benedictina de Beuren, cerca de Múnich, se encuentra un manuscrito que encierra una de las colecciones más valiosas de la poesía cultivada en toda Europa durante los siglos XII y XIII. Lo forman versos satírico-morales y amatorios, además de canciones de dados de taberna. El compositor seleccionó algunos de ellos para crear una obra sinfónico-coral en la que mezcla lo bello con lo vulgar. Es de una extraordinaria simplicidad armónica que alterna los fragmentos monótonos y tranquilos con brillantes y ensordecedoras explosiones de júbilo.

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5-A

Ésta le va a encantar a nuestro amigo D. Micro, que es un fanático confeso del hip-hop.

Esta versión tiene una historia clásica del género. La hacen dos raperos, y en el vídeo que rodaron uno de ellos aparecía crucificado como Jesucristo. Como le pareció que aquello iba a ser demasiado fuerte para su imagen comercial (a los raperos también les gusta comer tres o cuatro veces al día y darse caprichitos) pues mandó quitar estas imágenes del vídeo. Le hicieron caso, pero cuando el manager del segundo rapero envió el vídeo a la MTV, no se sabe si por equivocación o por tocarle un poco los huevos al primero, la que puso en el correo fue la versión original. Se montó una gran controversia, claro… los americanos ya se sabe que son muy mogijatos para según qué cosas… El caso es que el primer rapero se presentó en las oficinas del manager y envió a éste una temporadita al hospital a base de darle en la cabeza con la botella de champán con la que se encontraba celebrando la cantidad de ventas conseguidas con todo el montaje.

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5-B

Estas piezas se publicaron por primera vez en 1874 a raiz de una exposición en honor del arquitecto y pintor Viktor Hartmann y con ellas el autor quiso ilustrar musicalmente su visita a esta exposición. Esta idea de componer la música del programa basada en un concepto no-musical era popular durante el romanticismo. Precisamente el fragmento que sigue se basa en un diseño de un cascanueces de juguete formado por un pequeño gnomo de torpe caminar porque tiene las patas deformadas.

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6-A

Los reyes del rock progresivo, como se llamaba entonces. Luego se devaluaron bastante, pero en los tiempos en que editaron el disco del que hemos extraído la pieza que sigue no solo introdujeron al autor del que os ha hablado Glauca en el mundo del rock, sino que lo convirtieron en una estrella del rock. Aunque los puristas de siempre se sintiesen ofendidos y tildasen esta adaptación de ruidosa, pomposa, pretenciosa, sacrílega… probablemente todos se tomaron a esta banda, y sobre todo a su líder, siempre rodeado de teclados, mucho más en serio de lo que lo hicieron ellos mismos… Y si uno no puede tomarse libertades y divertirse con la música… con qué leches va a poder hacerlo entonces?

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6-B

Esta sonata, al igual que otras dos más, fue dedicada por su autor a Saliere que fue el maestro que le dió lecciones de estilo vocal. Su titulo es sugerente, capaz de conmover, algo en lo que se autor era un experto. A esta parte musical le imprimió serenidad y placidez llegando a expresar con su notas el titulo de la composicion. Es de una belleza sosegada y suave, de apariencia simple pero armónicamente densa. Esta forma de expresion única del autor se puede apreciar en otras de su obras.

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7-A

La sonata ha sido usada por varios músicos de rock… hasta por los Kiss; pero nadie la convirtió en una canción tan melódica y bien escrita como ésta que os voy a poner ahora. Y no solo eso, sino que además es perfecta para bailar con alguien a quien te quieras ligar… Si tienes alma romántica, ésta es una de las canciones que harán latir tu corazón un poquito más rápido.

La letra es una oda a la amistad que se convierte en algo más que eso (lo del derecho al roce, ya sabes). Y la música, aparte del recuerdo clásico del que tratamos en este post, también nos recuerda a las canciones de finales de los `50, con respaldo de “duduás”. Hubiese sido uno de los puntos fuertes en la banda sonora de “Grease”… si la hubiesen incluído, claro está.

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7-B

Este músico siempre defendió el estilo basado en la música folclórica de su país, lo que le originó el enfrentamiento con músicos conservadores y con los críticos. Esto hizo que sus obras tardaron en ser apreciadas. Se hizo famoso por su música incidental para un conocido drama poético. Su forma de adaptar la poesía a la música coral e instrumental le acercó al publico en general, que ya conocía el poema, y al que se lo entregaba en forma de música culta. El acompañamiento musical que dio al poema bien podríamos llamarlo “banda sonora” sin ningún tipo de dudas.

Estamos ante la auténtica música descriptiva, en cierto sentido impresionista, que nos permite visionar lo que escuchamos con una claridad que hace innecesaria la imagen. La música es suficiente.

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8-A

Un trabajo instrumental a la guitarra, que nos recuerda que esta banda, a pesar de ser más que famosa por sus canciones originales, también fueron siempre muy buenos con sus visiones de temas ajenos, nada extraño porque comenzaron siendo un grupo de versiones. Aunque de piezas clásicas solo les recuerdo ésta, que convirtieron en un divertido trash-rock.

En realidad solo era un poco de gamberreo para parodiar la pretenciosidad con que muchos oyentes acogieron obras como el “Sgt. Pepper”, o el “Their Satanic Majestic”.

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8-B

En esta pieza el compositor no sólo nos muestra el aspecto arquitectónico, tradicional y formalista de su técnica, sino que nos hace descubrir en su interpretacion toda la brillante poesía que el genial músico puso en toda su obra.

Para mí su música se resume en aquellas palabras que dijo antes de morir “Usted encontrará muchos trabajos, más o menos dignos de mí. En nombre del afecto que usted siente por mí, por favor, quémelos todos excepto el principio de mi método para piano. El resto, sin excepción alguna, debe consumirse al fuego, porque yo tengo demasiado respeto para mi público y no quiero que las piezas indignas de mi público sean distribuidas en mi responsabilidad bajo mi nombre.”

¿Quien se atrevería a quemar algo suyo?

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9-A

Uno de los cantantes más infravalorados por los “enteraíllos”. Sin embargo sus canciones siempre han sido mucho más que carne de karaoke. Su fuerte son las baladas claras y concisas, bien construidas. Y por eso, su música y su pasión están siempre de moda en “el Copa”, como Lola…

Y si además la pasión de sus canciones de amor se apoya en una composición clásica como la que os ha descrito Glauca, la intensidad se desborda… ¿Por qué será que todas las comentaristas a las que he leído una opinión sobre esta canción dicen que les parece como si la hubiese escrito para ella…?

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9-B

Esta composicion es la vuelta de su autor a la composicion después de un breve pero intenso parón, y pone de manifiesto todas sus interioridades artísticas y humanas. El adagio posee unos destellos de gran belleza, su más puro estilo.

El fascinante y hermoso segundo movimiento fue el tema de amor de una película que a mi personalmente me desgarra: “Breve encuentro”.

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10-A

El cantante que vais a escuchar ahora llevaba dos meses desesperado, con una letra preparada hacía tiempo y un interludio musical que tenía ya también más que compuesto. Pero no encontraba la forma de incluírlo en mitad de una canción actual.

La inspiración le llegó escuchando el segundo concierto para piano que Glauca os ha comentado anteriormente (seguramente incluso viendo la película que ella cita). Escuchó la melodía, y la usó para acompañar su letra. Es una melodía tan dramática, con tanta angustia, que seguro que ninguno de los dos músicos, ni el clásico ni el moderno, estaban pasando por sus mejores momentos amorosos cuando las compusieron.

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10-B

A este autor siempre lo asocio a las Bandas Sonoras de Star Wars o a Vangelis. Lo que me fascina del corte que incluímos es el horror de la batalla y como pudo captar todo el ruido de las balas y las bombas que caen, el paisaje desolador lleno de tumbas de muertos, los hombres gaseados o pisados por los tanques que avanzan, la no esperanza; en definitiva, el horror de una gran guerra como fue la I Guerra Mundial, que comenzó muchos años despues de concluir la pieza.

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11-A

Una de las más oscuras y siniestras suites de esta banda está basada, aunque tomándose muchas libertades, en la composición clásica que Glauca nos ha comentado anteriormente. Aunque está interpretada principalmente con el mellotrón, resalta mucho el sonido de la percusión, que suena como si se tratase del ensayo de una banda de ésas que suelen tocar marchas para desfilar, y los demás instrumentos van improvisando completando un panorama de muy diversos sonidos.

Tal como se entrevé en el comentario de Glauca, esta composición está dedicada a Marte, el Dios de la Guerra, y esta interpretación contemporánea es lo suficientemente densa y lo apropiadamente espeluznante como para sentir el horror de la batalla que se avecina.

Pondremos solo un fragmento, para que no haya demasiados heridos.

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11-B

Estamos ante un autor que al componer su música supo aunar el uso de técnicas tradicionales con la música folclórica, debido a la gran influencia que en el tenía su ascendencia materna. Y esta es una pieza que se encuentra incluída dentro de una celebre obra (un ballet) por la que el compositor alcanzó fama mundial. Es considerado el primer compositor que consigue integrar la música moderna con el ballet clásico, y esto lo hizo ya que estaba convencido de que el público debía de sentir las mismas emociones y sensaciones que los bailarines experimentaban y que a su vez trataban de transmitir sobre un escenario.

Como anecdota cinematografica, esta famosa pieza fue utilizada por Billy Wilder en su película “Uno, dos, tres”.

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12-A

En sus primeros tiempos, este tipo, mucho más conocido por sus movimientos en el pub rock y la new wave, lideró un trío de blues-rock que se dio a conocer con esta enloquecida reescritura de la anterior pieza. Por supuesto nada que ver con el resto de su obra; ésta pieza fue algo singular que se le ocurrió cuando estaba de telonero de Emerson, Lake & Palmer y se contagió de la exuberancia del teclista. Pura bravuconería guitarrera en el más puro estilo de los guitar-killers de la época.

Lo curioso del caso es que, siendo éste un músico respetabilísimo, y teniendo sobre sus espaldas muchos años de duro trabajo (y bien currado además) que todavía continúa porque hace poco editó otro disco, su único éxito que podamos llamar comercial, y que llegase a los primeros puestos de las listas, fue este instrumental con el que empezó su carrera allá por 1.968.

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12-B

Esta pieza no suele ser mencionada en los catálogos meticulosos de composiciones de autor, pero los musicólogos no tienen dudas respecto a la autenticidad de que esa hermosa pieza musical fuera concebida por el autor, concretamente en una fiesta infantil.

Se cuenta que el autor fue invitado a una reunión en donde se encontraban varios niños, llamándole la atención una hermosa niña, de nombre Elisa, quien al reconocer al maestro, le dijo que ella tocaba algunas piezas al piano. El compositor, pues, le pidió que tocase algo.

La niña interpretó obras de varios compositores, pero cuando el le solicitó que tocase alguna de sus sonatas, la niña le dijo que no le gustaba tocarlas porque eran muy difíciles. El maestro le prometió que haría una pieza mucho más sencilla, para que fuese tocada por ella.

Ahí la leyenda… y el titulo de la pieza, al que agregó el subtítulo “Recuerdos del 27 de abril de 1808”.

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13-A

Una deconstrucción en toda regla. Aunque conociendo el resto de la obra de este grupo, esta pieza resulta ser de lo más asequible.

Está basada, claro, en la anterior obra que ha comentado Glauca… aunque si la escuchase ahora, la niña seguramente huiría despavorida. Sobre todo si además ve a sus intérpretes. Sé por experiencia que los niños se esconden debajo de las mesas cuando les ven, aunque sea por la tele.

El porqué de la elección de esta pieza para grabarla nunca se supo a ciencia cierta, pero se sospecha que lo hicieron para hacerse perdonar la música del show que paseaban en aquella época, de ahí que lo regalasen a la salida a todos los espectadores.

En realidad la editaron como una obra en nueve partes… pero tranquilos, que solo os pondré la más accesible, una que editaron de forma comercial, según ellos entienden esta palabra.

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13-B

Y terminamos como empezamos, con otra guitarra española. Estamos ante un compositor que no escribió una sola nota para guitarra, pero su música ha quedado ligada a este instrumento ya que muchas de sus obras deben en parte su fama a la versión hecha para este instrumento. Sus piezas o colecciones de piezas son de clara inspiración española.

La interpretación de su obra no ha estado exenta de polémicas y controversias, pero siempre ha enriquecido su magnifico universo expresivo. La interpretacion de esta pieza de especial dificultad no ha frenado a los musicos en su intento, sino que más bien ha hecho que algunos se convertieran en fieles transmisores de la técnica y estilo del autor, mientras que otros nos muestran una peculiar visión subjetiva de la obra. Hay un hecho induscutible en la producción del compositor, y es que ésta puede fragmentarse en piezas sueltas que mantienen su autonomía respecto a la obra a la que pertenecen, lo que ha hecho posible que sean interpretadas de forma individual en todo tipo de repertorios.

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14-A

Ésta la vais a conocer enseguida también, y es una de las escasas piezas de este grupo que no escribió el cantante, sino el guitarrista. Por eso la hizo para su lucimiento en la intro, basada en la obra española que os ha comentado Glauca, con unos toques muy aflamencados tocados con una Ramirez, para después coger una Gibson SG pasada por una caja de fuzz… toma ya flamenco-fusion!

Es extraño que este guitarrista diga que esta canción no está basada en la pieza clásica que Glauca os comenta, sino en las “Granadinas”, otra pieza de guitarra clásica. En realidad no tendría que parecerme rara esta confusión en vista de la extraña visión que tienen los americanos de lo español (de lo andaluz, sobre todo); no hay más que ver la Semana Santa sevillana que se montaron en “Misión Imposible”. Así que lo más normal es que este tío escuchase campanas sin saber exactamente donde sonaban… quiero decir, que vete a saber si no estaba escuchando una cosa pensando que era la otra. Porque desde luego, a la que se parece esta canción es a la pieza anterior, y no a “Granadinas”… vamos es que es clavaíta…

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14-B

¿Acabamos de batir un record de longitud y número de canciones en un post…?

De todas formas, creo que ha merecido la pena.

Ahora es vuestro turno…

GLORIA O MUERTE

Un beso, Angie. Este post es para ti.

Seguramente en Sevilla no se había visto a nadie con los pelos color naranja hasta que apareció Nacho por aquí. Aquello debió suceder allá por 1984 y se había venido desde Vigo aburrido de aguantar las manías de primadonna de Alberto Comesaña en el grupo Semen-Up. Claro que al venirse aquí las cambió por las de José María Sagrista en Círculo Vicioso y para poder llevar él mismo la voz cantante no tuvo más remedio que fundar su propia banda.

La moneda cayó de cara cuando la echó al aire, por eso esta historia que estamos comenzando a contar no es la de una banda llamada El Reverendo Perkins y su Fiel Iglesia, sino que la suerte quiso que su nombre fuese PARAPLÉJICO Y LOS MONOS.

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“La casa de los monos”

Nacho Fernández era batería de vocación, pero se tuvo que reconvertir en guitarrista poco virtuoso porque siempre pensó que para dirigir un grupo es necesaria una guitarra. Pero aunque en Parapléjico y Los Monos ya se atreviese a coger este instrumento para sacar adelante las canciones que previamente había compuesto con una vieja guitarra de palo a la que solamente le quedaban dos cuerdas, sus inicios como componente de bandas de rock los hizo sentado ante los tambores.

Y la primera de todas fue una banda heavy llamado Epsilon. Porque Nacho además de batería de vocación, también era heavy de vocación, pero a base de darse caña con los punkies de su ciudad se dio cuenta de que, al fin y al cabo, con quince años que tenían todos, tampoco eran muy diferentes los unos de los otros, y en Vigo, tras el bombazo de Siniestro Total primero y de Golpes Bajos después, el mundo de la música parecía mucho más divertido del lado de los de las crestas… pero no tuvo demasiada suerte, el sexo y las drogas no molaban tanto si a cambio uno tenía que pelearse constantemente con Alberto Comesaña. Y además, ¿para qué sirve ir de poeta, como iba ése, cuando uno puede decir que su chica le gusta y es lo más importante del mundo con solo cantar sobre su culo al bailar…?

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“Eva”

Y como en Lugo no pegaba una banda como la que Nacho hubiese querido montar, se vino a Sevilla. Por aquí anduvo en Concierto Grosso y en Los Moderados antes de sustituir en la batería de Círculo Vicioso a Francis Romo, que se tuvo que ir a marcar el paso. Vale que Sagrista no era ni la décima parte de chungo que Comesaña, y vale también que la música de Círculo Vicioso era mucho más honesta que la de Semen-Up, pero Nacho seguía teniendo que estar a lo que dijesen los demás y respetar la imagen que marcaba la compañía multinacional que les tenía en su escudería… y las limitaciones nunca fueron algo que tuviesen que ver mucho con él.

Por eso comenzó a componer y a montar su propia historia; habló con Miguel Ángel Redondo, que era compañero suyo en Círculo Vicioso, para que le ayudase con su guitarra a tapar las limitaciones que él tenía con la suya y le dio un toque al Rama para que se ocupase de la batería. De cantante puso a un amigo suyo, peluquero, el Jesús; pero enseguida se dio cuenta de que aquello era un error porque aparte de no tener imagen ni nada, cantaba peor de lo que podía hacerlo Miguel Ángel, que ya tenía experiencia de haberlo hecho en Refugio, otro grupo anterior… ¿os imagináis que banda tan rara…? un guitarrista que cantaba a duras penas, otro guitarrista que apenas sabía tocar y un batería… ni siquiera tenían bajo… lo cierto es que si lo que Nacho quería era salirse de lo convencional, con estos primeros Parapléjico y Los Monos lo consiguió por completo. Los conciertos eran un descontrol total, en los que más que la música primaba la risa: reírse de sí mismo y de los demás; con el público conectaron a la primera.

Pero había que ir más allá, había que experimentar y buscar sonidos nuevos, abrirse a más tendencias, pero eso sí, siguiendo siempre a los Cramps y a los Ramones. La banda se remodeló entrando el Alfonso (Yoni para los amigos y El Mutante para los no tanto) como cantante, así conseguía más diversión en el grupo, que al fin y al cabo era lo que Nacho siempre quiso; lo abría a la improvisación y al espectáculo, porque el Yoni, aparte de buena voz, tenía un gran enganche con el público.

Y otra buena elección que hicieron por entonces además de ésa, fue buscarse de manager a Guillermo Garrigós, otra figura de la escena musical de aquellos años que también habría que reivindicar más a menudo por su empeño en que todas las bandas sevillanas a las que llevaba por entonces sacasen la cabeza al menos como los 091, con los que también tenía mucho contacto, o por haber reconvertido más tarde la fábrica de turrón de su abuelo en los estudios Central, donde tantas otras bandas locales tuvieron la oportunidad de grabar su música. Nacho tenía muchos proyectos, y alucinaba por un tubo con ellos, pero todo se quedaba en labia; él controlaba el arte, pero de ninguna manera hubiese podido controlar el comercio de no haber tenido a Guillermo para eso.

Y así el grupo se fue asentando. Su música siguió basada en las melodías de los sesenta, pero con guitarras mucho más fuertes y pasionales, e incorporaron nuevos elementos, abrieron las puertas al heavy que siempre le gustó tanto, pero no a Iron Maiden o a Europe… “para eso mejor la música disco, que al menos te hace bailar…” decía, sino a los clásicos, Purple, Zeppelin; al glam, a Johnny Thunders… eso hizo que algunos comenzaran a hablar de Parapléijico y Los Monos como una alternativa a Dogo y Los Mercenarios, pero en realidad los parecidos solo eran Thunders, el Silvio y el Rock and Roll; frente al Iggy de unos, estaba el pop de los 60 y el glam de los otros; frente a la onda guitarrera fuerte de unos, estaban las guitarras más heavies de los otros… además, Nacho nunca tuvo la magia divina del Dogo para las letras, lo suyo eran historias más simples… ya sabéis, “pasamos la noche en un motel y volví a partir su culo…”

El Nacho y el Yoni. Tras ellos, Miguel Ángel CV. (Escaneo de uno de los fanzines “Trilita”)

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“La chica de la Harley gris”

Yo hago rock; diferencio claramente lo que es rock y pop, son dos formas de vida. Los rockers somos chicos depresivos, con experiencias duras, con sangre demasiado cerca, vicios, amigos muertos… duros, muy duros, pero de corazón blando; a quien se quiere, se quiere bien.

De todas formas, hasta este momento Parapléjico y Los Monos no pasaba de ser una banda supeditada a los compromisos de dos de sus componentes principales con otra de mucha mayor actividad, como era Círculo Vicioso. El punto en el que se rompió este status-quo, que duró un poco menos de dos años, lo marcó el concurso de rock “Provincia de Sevilla” del que hablamos en el anterior post. Se presentaron porque pensaban que podría ser divertido, pero sin ningún aliciente más, pero una vez allí… “nos lo llevamos de calle, para eso somos mucho más guapos”.

Y aunque no se lo llevasen de calle, porque el jurado tardó más de dos horas en decidirse, sí que tuvo razón Nacho pensando que iban a ganarlo. Aunque al final se quedasen sin premio porque WEA les prohibió grabar el maxi-single que había para el grupo ganador, porque les interesaba más que él y Miguel Ángel se centrasen en Círculo Vicioso. Aquello fue la gota que desbordó el vaso de su paciencia; entre que su pertenencia a Círculo hacía que Parapléjico tuviese que estar parado mucho tiempo y que la forma de vida que llevaban hacía que los malos rollos menudeasen en el interior de la banda, apenas un par de conciertos más después del concurso, entre ellos aquél de protesta por el cierre de los bares que terminó con la policía pidiendo carnets a diestro y siniestro y con los heavies dándose de hostias por las esquinas, Nacho anunció que decidía terminar con el grupo.

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“Todos bailan”

Pero aquello no fue un punto final, sino un punto y aparte, porque lo que hizo Nacho fue reconstruir la banda con gente nueva. Solamente mantuvo a su lado al Rama en la batería y esperó a que Jesús Arispont terminase sus compromisos madrileños para que se uniese a ellos tocando, por fin, el bajo. No volvió a meter en el grupo a otro cantante, pensó que el único que le podía dar todo el sentido a las letras que había escrito era él mismo, y se puso a ello. La verdad es que lo hacía peor que el Yoni, pero cantaba lo suyo y creía que lo hacía de forma más personal, más auténtica.

Ése fue desde entonces su gran caballo de batalla, conseguir en directo la autenticidad que reflejaban unas letras que hablaban de lo que pasaba todos los días..

Si tengo que abrirme en canal como el cantante de los Christian Death, lo haría; si es necesario, me sacrificaría; ahora no se sabe dónde está, si loco, si internado, o dónde. Yo entiendo que lo hiciera, por pasión sería capaz, lo haría…

Parapléjico fue un grupo inestable desde siempre, y puede que ése incluso fuese uno de sus mayores alicientes. Cada una de sus actuaciones podía ser tan desastrosa como vacilona; eso de ensayar durante mucho tiempo no iba con ellos, es más, el error en el escenario no solo estaba permitido sino que era casi obligado, así pensaba Nacho que cada persona se esforzaría lo máximo en escena. La música se fue arropando más con el acompañamiento de los saxos de los hermanos Aquiles y Gautama Del Campo, pero él seguía tocando la guitarra bastante mal y decidió abandonarla por fin. Se hizo cargo de ella Tony Barea, que venía de Ley Seca. Después se fueron los saxos y entró otro guitarra más, Miguel Ángel Montero, de Dulce Venganza…

Aquiles y Nacho. Por cierto, ¿sabíais que el padre de Aquiles es el autor del mosaico del estadio del Sevilla?

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“Pat Rem”

Pero las patadas del caballo y los bocados del mono estaban pasando de vueltas a Nacho, y su fuerza y ferocidad comenzó a mostrarse también fuera de los escenarios.

No soy nada hippy. La violencia es una forma de expresión importante; mira los chavales dando caña, solo con violencia se consiguen cosas. A mí, cada vez que quiere me para un policía, si me piden papeles me avío, pero si no me dejan entrar en El Corte Inglés y se lo digo a un madero se lleva riendo toda la tarde. Cada vez que muere un policía, un alma más al infierno.

Una actitud que contrastaba con la de los demás miembros de la banda… Jesús Arispont me dijo por entonces que estaban pensando en que sería mejor cambiarle el nombre al grupo porque lo de “Parapléjico” podía molestar en un momento determinado a algunas personas. Aquello no tenía futuro.

Y cayó el telón sobre Parapléjico y Los Monos tras apenas dos años y medio de existencia, con tan solo cuatro maquetas (mal)grabadas, una canción plastificada en el single que acompañaba al fanzine “27 Puñaladas”, un puñado de conciertos memorables y otros no tanto y el status de ser uno de los grupos míticos y malditos de ésta Sevilla nuestra.

Nacho lo intentó durante algún tiempo más, formando grupos casi fantasmas… Rey Muerte, Doctor Muerte… en los que se rodeaba de músicos de bandas tan correctas como los Amos del Mundo o los Tiernos Mancebos, que se ahorraban el dinero del psiquiatra descargando con él en el escenario los malos rollos.

Puede que fuese la depre que le entra a la gente por Navidad, pero poco después de pasar la de 1988 Nacho dejó para siempre Sevilla y se fue a Berlín. Allí estuvo viviendo en una casa de okupas hasta que nos llegó el rumor (aunque convertido en certeza felizmente rectificada en los comentarios de este mismo post) de que el sida terminó con él sin haber llegado a cumplir siquiera los veinticinco. El Yoni sí que se fue para siempre hace unos años.

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“Degeneración al sur”

La última banda de Monos: Jesús, Rama, Nacho, Miguel Ángel DV y Tony.

ESTO ES SEVILLA, AQUÍ HAY QUE MAMAR… FANGO

Nunca me imaginé que por una de las destartaladas puertas de la acera derecha, según se viene desde Sevilla a Triana, de la calle San Jacinto, se pudiese acceder a un solar tan inmenso como era aquél de la antigua Hispano Aviación. Enorme, como todo lo que había allí, incluyendo la magnífica cubierta metálica, diseñada y construida por el mismísimo Eiffel, bajo la que actuaron los diez grupos que se clasificaron para la fase final del “I Concurso de Rock Provincia de Sevilla”, los días 26, 27 y 28 de febrero de 1987.

Aquello lo organizó la Fundación Luis Cernuda, con la colaboración del Ayuntamiento y se recibieron 64 maquetas de grupos de toda la provincia, que se encargó de reducir a diez finalistas un jurado compuesto por dos representantes del Área de Juventud y Deportes de la Diputación y del Ayuntamiento respectivamente, más tres miembros destacados de los medios sevillanos: Luis Clemente, que ya por entonces había comenzado a publicar el “27 Puñaladas”; Enrique López, uno de los comentaristas musicales más recordados de la ciudad, por entonces con su programa en Radio Cadena y que actualmente nadie sabe dónde anda y Blas Fernández, que mantenía el mejor (y probablemente el único) programa en el que se daba cancha a los grupos de rock locales en Radio Aljarafe, la emisora municipal que además estuvo retransmitiendo en directo todo el concurso; así que si la humedad no se ha encargado ya de destruirlas, aún habrá interesantísimas cintas musicales en algún olvidado archivo de Tomares.

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Reincidentes – “Andalucía entera”

Los Reincidentes fueron los primeros en actuar, abriendo la semifinal del jueves, seguidos por Baldomero Torre y sus Cuchillos Afilados, Garganta Seca, Los Flatillos Volantes y Vuelta al Negro. El viernes subieron al escenario Hospital Psiquiátrico, Numerus Clausus, Etiqueta Negra, Arden Lágrimas y Parapléjico y los Monos. El sábado, la gran final, tocando de nuevo los cinco mejores grupos de los dos días anteriores. Y cada una de las noches un fin de fiesta con una banda invitada, que fueron respectivamente La Frontera, Danza Invisible y The Lords of the New Church. El viernes también participó en el montaje final el grupo sevillano Alto el Fuego, algo que muchos vieron como una muestra de publicidad gratuita para una banda que no se había presentado en sociedad siquiera y que ya había gozado del favor previo del Ayuntamiento para grabar un maxi con dinero municipal.

Porque no creáis que todo fueron beneplácitos para este certamen. Al contrario que los posteriores (y ya comentados en este blog) que organizaron los dueños de un par de bares, arriesgando en el empeño su propio dinero, para organizar éste se contaba con un presupuesto que salía del bolsillo de todos los contribuyentes sevillanos, y que ascendía a la cantidad de siete millones de pesetas de las de entonces… y éste fue el kid de la cuestión: las voces discordantes clamaban que si se suponía que el fin del concurso era ayudar a los grupos a entrar en el mundo de la música, en el mercado… ¿por qué emplear toda esa pasta para que saliera a flote de la mierda uno solo de los grupos, mientras los demás iban a seguir hundidos por la carencia de buenos equipos, de buenos locales de ensayo y de salas donde tocar? Con esos siete millones de pesetas se podían haber organizado 70 conciertos por año, en el que todos los grupos, además, hubiesen cobrado por tocar; mientras que de esta forma solo habría un par de ellos que se llevasen cien mil y setenta y cinco mil pelas, que más o menos debería ser el pago normal por las dos actuaciones que hiciesen… y todos hubiesen cobrado similares cantidades de dinero si la mayoría de éste no se hubiese empleado en sueldos de organización y administración, en alquileres de suelo y equipos y, sobre todo, en los pagos a los grupos estrellas que vinieron a actuar como ganchos…

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Numerus Clausus – “No decidas”

Y el caso es que a las voces discordantes no les faltaba razón. El sábado, día en el que se celebró la final, la gente seguramente asistió en su mayoría a ver a Lords of the New Church, para los que hubo una considerable cantidad de público, que previamente había pasado por completo de ver a los grupos sevillanos, que en realidad eran la razón de ser de todo aquello. A uno se le caían lagrimones de impotencia viendo como Numerus Clausus subían al escenario para comenzar la final, y en la explanada había más personas encargadas de la seguridad que espectadores… y eso que todo comenzó con un considerable retraso, porque de otra forma mucho me temo que hubiesen actuado solamente para la gente que les estuviese oyendo desde su casa a través de Radio Aljarafe, y para los dos o tres que, desde la mesa de grabación, controlábamos la retransmisión.

Abro aquí un inciso para alabar la visión de los oyentes y currantes de Radio Aljarafe, porque durante los dos días previos a la final, mientras actuaban los grupos semifinalistas, se organizó una encuesta para que votasen por sus favoritos, y fue asombroso comprobar cómo, aunque el orden final no coincidiese del todo, eligieron para la final a las mismas cinco bandas que eligió después el jurado: Numerus Clausus, Arden Lágrimas, Etiqueta Negra, Parapléjico y los Flatillos Volantes recién creados por el Sitín, y que se subían a un escenario aquí por primera vez, al igual que también lo habían hecho los Reincidentes (que aún siguen su trayectoria) y los Garganta Seca del desaparecido Kike López (ningún parentesco con el miembro del jurado de su mismo nombre). Mi voto fue para Parapléjico y Los Monos, con lo que ya comenzaba a funcionar (botón de irónico autobombo en “on”, please) mi característica habilidad para encontrar la aguja en el pajar, como se demostró posteriormente con la Compañía Malpaso en el concurso del Bourbon y Bar-Bería. Así que ya sabéis quienes fueron los ganadores del concurso. De ellos nos vamos a ocupar extensamente en el próximo post, y tendréis fotos, biografía y música.

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Flatillos Volantes – “Bajo las ruedas”

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Etiqueta Negra – “De prisa de prisa”

Tras dos horas de no ponerse de acuerdo en el resultado del concurso, por fin los clasificados en segundo y tercer lugar, Arden Lágrimas y Etiqueta Negra (por cierto, la única banda finalista que no era de la capital, sino de Gines, y de la que por su sonido se decía que era el grupo “más madrileño” de todos los de por aquí), recibieron los cheques por las cantidades mencionadas anteriormente, y para los vencedores el primer premio del concurso era la grabación de un maxi-single, con la edición de mil copias del mismo, para darlos a conocer discográficamente… pero…

¿Conocéis vosotros algún concurso en el que el premio se repartiese entre los finalistas, en detrimento del ganador? Pues poco más o menos eso es lo que ocurrió aquí. Resultó que Parapléjico y Los Monos tenía entre sus componentes a Miguel Ángel y a Nacho, que a su vez eran también guitarra y batería de Círculo Vicioso, otra banda sevillana que ya tenía un contrato de grabación con la multinacional WEA, y la postura de esta compañía frente a la grabación del disco de los vencedores fue más que clara: “Que no… y punto.”

El disco de Parapléjico y Los Monos solamente hubiese significado promoción, incluso para los propios Círculo Vicioso, y por ende, hubiese sido beneficioso para WEA, pero se mostraron intransigentes y la respuesta personal que le dieron a sus dos pupilos la contaba el propio Nacho:

Nos dijeron que lo que teníamos que hacer era trabajar más para Círculo Vicioso. Cuando les insistimos decían “no me liéis, no me liéis…”, muy malages. A nivel personal ha acabado mi relación con WEA. Si tuviera que hacer una portada para un disco la haría crucificado. Tengo que mamar fango.

Así que al final el dinero del premio se utilizó para grabar un maxi-single, tal como estaba previsto, pero con cuatro canciones, cada una de ellas aportada por las otras bandas finalistas.

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Arden Lágrimas – “Noches de delirio”

Si en el post que dedicábamos hace poco al otro concurso de rock decíamos que Los Restos terminaron desilusionados por ser siempre los segundos, ¿qué podríamos decir de Arden Lágrimas? Segundos en los concursos de Fuengirola, Ceuta y Salamanca, éste último a nivel nacional y con las cámaras de televisión española por medio… y ahora de nuevo segundos… el mismo día que Nacho decía lo que reproduje anteriormente también decía esto otro:

Si hubiésemos perdido nosotros no pasaba nada, pero los Arden están quemados; no ganar un concurso de tantos es un palo, no le veo futuro a su historia, aunque me gustan mucho. Si sales y no partes, malo. Tienes que ir rápido, rápido…

Y no se equivocó Nacho en sus apreciaciones, y los miembros de Arden Lágrimas se fueron cada uno por su lado después de que con su segunda maqueta tampoco pasase nada. Un día los tenemos que reivindicar con un post desde aquí, porque fueron una de las mejores bandas de esta ciudad durante los primeros años de la segunda mitad de los 80.

Y a pesar de ser un punky de lo más tirado de Sevilla, las palabras de Nacho dejaban entrever que tenía muchísima más sensibilidad en la punta de cualquiera de sus pelos coloraos que este lector de Coria que enviaba una carta al director del ABC.

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Baldomero Torre y sus Cuchillos Afilados – “Volando en un deportivo rojo”

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Vuelta al Negro – “Mi obsesión”

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Garganta Seca – “El sureño”

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Hospital Psiquiátrico – “Balada a un puerco”

LA GRAN ZORRA LOS PARIÓ

En un comentario del post anterior habló Epi tan bien de mí, que ahora no tengo más remedio que corresponderle dedicándole una entrada en este blog a la COMPAÑÍA MALPASO.

Pero no, no lo hago por eso en realidad, sino porque este grupo fue uno de los tres o cuatro mejores que tuvimos en Sevilla a finales de los años 80 y durante los primeros 90 y es de justicia que reciban el reconocimiento debido por ello. Y esto que digo no es un juicio de valor lanzado a la ligera por mi parte, sino que sus méritos se basaban en tres pilares fundamentales: el sonido, la técnica y el concepto. Vamos a intentar dar fundamento a esto que decimos…

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“Algo se ha roto”

En esta ciudad teníamos por aquel entonces un montón de bandas con un catálogo de estilos que más o menos eran un breve compendio de la Historia del Rock… sí, sí, así con mayúsculas; no tienes más que prestar oído al radioblogin’ que tienes ahí al lado… rockabilly, 60s, blues, heavies, punkies, power pop, rock cañero, rock babosillo, incluso… sin embargo, Compañía Malpaso no prestaba atención a los libros de Historia del Rock, sino a las revistas que contaban la actualidad, y por eso su sonido era único. El grupo se encontraba conectado estilísticamente con la mejor vanguardia de la escena indie de los 90 (Epi siempre ha mantenido que a pesar de que nació en 1988, Compañía Malpaso era una banda de rock de los 90), y no eran encuadrables en ninguna escuela, salvo la integrada por la gran familia del rock.

Ellos ofrecían un sonido compacto, sin fisuras, en el que todos los instrumentos “sonaban” y eran reconocibles. Sus componentes tenían técnica. Epi era el que más llamaba la atención con su abrasiva guitarra, pero el conjunto no sería el mismo sin el bajo martilleante de Paco en la segunda etapa del grupo, o en la primera el bajo más agudo de Chiqui, ecualizado de forma diferente y usado casi como una segunda guitarra. Dani, el batería, no tenía influencias conocidas, y su labor consistía en aportar el sensorround apropiado para completar la pared de vatios sobre la que el Chuma tenía que hacerse oír. Y lo conseguía. Chuma, que no tenía ninguna experiencia previa como cantante y la Compañía Malpaso fue la primera banda con la que cogió el micro, supo aprovechar todos los años que estuvo en ella para ir moldeando perfectamente su voz desgarrón a desgarrón. En directo eran una máquina poderosa que arrojaba verdaderas andanadas de rock, obuses de alto calibre.

Y dicho todo esto, nos queda el concepto. ¿Qué se suponía que debía ser una banda de rock de los 90? La vinculación del rock con causas sociales y políticas sonaban ya inevitablemente a rancio y polvoriento en una época en la que el único ideal de la juventud comenzaba a ser poder tener un curro para vivir, o al menos para pagarse las copas. Lo único que honestamente se le podía pedir al rock era que su música hiciese vibrar una cuerda sensible dentro de quien la oyese. Ya no se trataba solo de buenas canciones (que en el repertorio de la banda había muchas) sino de ideas legítimas, de buen sentido, de que una banda de rock no tenía por qué implicar posturitas fotogénicas, ni consignas aburridas, ni toneladas de watios para encubrir sesos resecos ni música para tontos de baba. Sevilla, que había sido una de las primeras ciudades españolas en recibir el impacto del nuevo lenguaje musical que era el rock, estaba llegando a la mayoría de edad con grupos que habían abandonado todo el ropaje y se habían quedado con la sustancia del rock; algunos de ellos están en la mente de todos, pero hubo también otros que apenas tienen algunas líneas en los libros, revistas e internet, como es el caso de Compañía Malpaso, o poco después, de Rhinozeros, que tras ofrecer el puesto de guitarra a Epi y rechazarlo éste porque bastante trabajo tenía ya con su propia banda, lo ocuparon con David, que ya no la tocaría más en unos desilusionados Restos.

El Chuma.

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“Fuego”

Así pues, Compañía Malpaso se hicieron un hueco entre un notable grupo de fieles sevillanos; no es que estemos hablando de un estereotipo, sino de gente que escuchaba a los mismos grupos de rock de los 90, que iba a los mismos conciertos, a los mismos bares, y que compraba los mismos discos… y rizando el rizo, me atrevería a decir que incluso los compraba en la misma tienda… y aunque los seguidores de los Malpaso tenían las mismas pautas, poco más o menos, la vida termina siempre por darte sorpresas, y una de ellas fue ver a Chuma una noche corriendo apurado, perseguido por un grupito de seis o siete quinceañeras a la caza de un autógrafo después de su actuación en el Lago de la Cartuja.

Al igual que ocurría con Chuma, la Compañía Malpaso fue también el bautizo sónico de Chiqui, el bajista, pero Epi y Dani ya estuvieron juntos en una banda anterior, Retrato de una Dama, que incluso llegaron a editar un maxi-single en 1986 con cuatro canciones en las que la guitarra de Epi ya comenzaba a agobiar y a distorsionar. Después de un rodaje previo su carta de presentación fue una primera maqueta que reflejaba la frescura y el descaro de una gran banda de rock.

La bola de nieve comenzó a adquirir velocidad el 6 de noviembre de 1989, la noche que demostraron en la sala SAL de Sevilla ante los cientos de espectadores que habían ido a ver a los New Christs, que ellos también eran un peligro eléctrico real. En directo siempre desplegaron un poder exuberante, aunque no siempre tenían el control de la situación… cuando no estaban sumergidos en una tormenta de deformados riffs, respirando vida en el interior de algún rítmo de finales de los 70, o generando un feedback frenético, es que estaban dando la bronca con algún enorme y buen rock…

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“Tus labios” (En directo en “SAL de Sevilla”, 6-11-89)

Sus conciertos eran una lección de espontaneidad y carácter que les llevaba a moldear el sonido golpeándolo mientras el hierro todavía estaba al rojo vivo, para convertirlo en una espesura sónica que algunos llaman… ruido… uff! salió la palabra… mira que si después de todo tenía razón el jefe de aquel programa de Canal Sur Televisión que les privó de ser los ganadores del concurso que organizaba… la música es la sucesión de sonidos modulados para recrear el oído; y la Compañía Malpaso no intentaba recreártelo: las letras querían obligarte a que demuestres que no eras tú el que fallaba en el sistema, la sección rítmica pretendía crisparte los nervios y provocar tu salto y los acoples, zumbidos, discordancias y riffs de guitarra te taladraban, te dejaban con un mono enorme de otro chute de… ruido… de sonido inarticulado y confuso más o menos fuerte… ruido… una vez le pregunté al Chiqui: “Tío, ¿por qué hacéis ruido en vez de música…?”. “Porque en el fondo estamos amargados”, me contestó. “Pero no lo consideramos ruido, son nuestros sentimientos traducidos a música.”

Ya lo ves, así era la música de la Compañía Malpaso; si buscabas en las profundas oscuridades emocionales que había por debajo de los decibelios ten por seguro que podías oír misteriosos ecos de tus propias pesadillas. El rock que hacían era atemporal y eterno, poseía la valiosa sustancia de la que están hechos los sueños, el sostén de la vida. Tan simple como eso. Tan simple como la gran música que es el rock.

Con el premio del concurso del que hablamos en el post anterior y algo de dinero más que pusieron ellos, fruto de sus actuaciones, se fraguó su único disco, un miniLP, que sin embargo no era la primera aparición de la banda en vinilo, ya que anteriormente se habían incluido un par de sus canciones en la recopilación “Singles del año 90” que editó Trilita. Este disco, “Hijos de Dios”, era una apuesta perfecta para entrar en el club de los que se reparten la tarta, sin tener que dar a cambio nada de su espíritu underground; estaba lleno de canciones crudas, pero calientes, con abundantes destellos de accesibilidad.

No puedo negar que guardo especial predilección por ese disco, ya que cuando lo grababan, los Malpaso decidieron incluir en él la canción que unos meses antes habían compuesto a petición mía para que fuese la sintonía del programa de radio que yo hacía por entonces, “El Trip de las 5”. Alguien con bastante mala baba me dijo una vez que sonaba igual que algo de Sonic Youth. Esa banda era, claro, uno de sus obligados puntos de referencia, pero no hay nada malo en tener influencias; Compañía Malpaso por supuesto que las tenían, pero sabían estar por encima de ellas, por eso yo prefiero decir que “El Trip” es una de las grandes piezas que Sonic Youth nunca llegaron a hacer…

El Chiqui.

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“El trip de las 5”

Pero a pesar de todo, Compañía Malpaso nunca llegó a ser la llave para que se fraguase el cambio fundamental que parecía haber en la naturaleza de la música rock sevillana. Llegó el 92 y la mayor parte de las bandas que todos conocíamos estaban desencantadas y con sus componentes dedicándose a otra cosa que les permitiese llevar una vida adelante; al igual que el sello Trilita, que era el que más vida les daba, las bandas de rock caían una tras otra y el relevo (Colectivo Karma, indies del Aljarafe…) todavía no había llegado… ¿no es un claro retroceso que las bandas que más se pudieron mover por la escena sevillana todos esos meses fuesen de nuevo las que hacían el blues de siempre?

La Compañía Malpaso sufrió un parón entre el 92 y el 93, periodo durante el cual tuvieron que cambiar de bajista. Entró en la formación Paco Muñoz, quien, con algunas diferencias, pero se mantenía en el estilo del Chiqui. Con él reaparecieron en la sala Rrio teloneando a Lagartija Nick, para después dar el concierto mencionado antes en el Lago de la Cartuja, dentro del concurso para bandas locales organizado por Circuito Base. Mientras iban recargándose de energía después de la prolongada actividad, iban también dando forma a nuevas canciones que posteriormente verían la luz en otra maqueta llamada “Anemia”; canciones que, como siempre, irían firmadas por Compañía Malpaso, ya que eran de todos, porque entre todos les daban la forma final a las ideas, acordes y riffs que en los ensayos venían de Paco o de Epi; las letras, en la mayoría de los casos eran del propio Epi o de Viki, su mujer.

Fue por entonces cuando le pregunté a Epi que hasta donde pensaban llegar con el grupo. Lo que me contestó hablaba por sí mismo de cómo sería el final de Compañía Malpaso:

Piensa que uno ya va siendo bastante mayor como para dejar el trabajo y meterse de cabeza en estas historias. Las cosas salen como salen, eso está claro. De momento, lo más a lo que podemos aspirar es a meternos en el local y currárnoslo duro, ensayar hasta que tengamos otro montón de temas y luego ya veremos a dónde vamos con ellos…

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“Mientes”

El Epi.