PETE IS BEST

Para Lali. Clienta del mes.

El batería PETE BEST fue una de las piedras sobre las que se cimentó la construcción de los Beatles.

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“Like dreamers do”
(Pete Best a la batería, como en las demás canciones del post)

Él estuvo con ellos cuando subían la penosa cuesta a través de garitos de mala muerte en Hamburgo, donde los Silver Beatles aprendían el oficio de grupo musical, e incluso fue él quien hizo todos los tratos por teléfono con el dueño del club alemán que les acogió al principio. Su madre, Mona Best, les ofreció un sitio en el que ensayar, en su club de “The Casbah”, y les consiguió el contrato para comenzar a tocar en el “Cavern Club”. Él estuvo con ellos cuando comenzaron a labrarse una reputación y a recolectar una gran base de seguidores, y era tan popular como John, Paul y George, debido a su afable personalidad y a su buena pinta.

Él fue uno de los signatarios del contrato de management con Brian Epstein y experimentó la misma decepción cuando la banda fue rechazada por la Decca y otras compañías discográficas; y estaba con ellos cuando George Martin se interesó por el grupo para un posible single en el sello Parlophone.

Y fue entonces, en el verano de 1.962, justo cuando parecía que estaban a punto de poder, por fin, firmar un buen contrato, cuando Brian Epstein le llamó a su oficina para decirle que sus tres colegas habían decidido echarle.

Pete se quedó desolado.

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“To know her is to love her”

Como sus “compañeros” no tuvieron el valor de dar la cara, tuvo que ser Brian quien después de pasar una noche sin poder dormir asumiera el amargo trago de decirle que “los chicos” querían a Ringo dentro y a él fuera. Y no hubo explicación del porqué. Simplemente lo habían decidido así, y tras la desgracia de ver el siguiente éxito de los Beatles, el destino de Pete Best desde ese día fue el de ser considerado como el mayor caso de mala suerte en toda la historia del rock.

La ferocidad de la leal banda de fans que tenía en Liverpool sorprendió incluso al propio Pete. Él era una parte integrante de los Beatles tan importante como los demás, y nadie comprendía por qué le habían cortado la cabeza, especialmente en aquel momento. Comenzaron a circular varias teorías sobre las razones que había detrás de su destitución. Una era que él no pegaba ni con cola con el nuevo estilo de vestuario y, sobre todo, de peinados que los otros tres habían comenzado a adoptar. Otra razón era los celos que les producía a los demás el hecho de que él se había convertido en un ídolo más popular que los otros tres e incluso los fans comenzaban a llamar a la banda Pete Best and The Beatles. Una tercera idea arrojaba la culpa sobre George Martin, el nuevo productor, del que se decía que había propuesto firmar al grupo un contrato discográfico pero solo con la condición de que cambiasen de batería.

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“Searchin'”

Ninguna de estas hipótesis se demostró nunca, pero probablemente hubo elementos de las tres en la decisión de darle a Pete la patada. Lo que sí se sabe a ciencia cierta es que él era efectivamente tan popular como sus colegas, incluso aún más, hasta el punto de que en 1.961 se había decidido que en los conciertos él y su batería se situasen delante del resto de la banda, algo sin precedentes en aquella época, y que se desestimó después de que en el concierto del día de San Valentín de ese año, las chicas estuviesen a punto de devorarlo y no dejarle tocar en paz, haciéndo poco práctica esta nueva posición en el escenario. También es verdad que en aquellos meses siguientes el estilo de ropa y peinado de Pete era muy “teddy-boy” y poco fashion en comparación con lo modernos que se habían puesto los otros.

Y también es cierto que George grabó con la banda y que pensaba que el batería no era lo suficientemente bueno para aparecer en los discos y en su lugar pondría a un batería de sesión, pero nunca dio a los Beatles ningún ultimatum sobre “o lo despedís u os olvidais de mí”. Incluso en la grabación de su primer single, “Love me do”, George empleó al batería de alquiler Andy White en sustitución de Ringo, que había entrado ya por Pete, y que aquí se limitó a manejar un par de maracas; y todavía lo hizo en la siguiente grabación, la del single “Please Please me”, aunque en la posterior versión de la canción que apareció en el LP en febrero del ’63 sí que era Ringo quien tocaba.

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“The Sheik of Araby”

Usar baterías de sesión en los discos era algo que entonces hacían los productores con mucha frecuencia, y que se explica porque el sonido que aparecería en los discos era una cosa perdurable y que a ellos les importaba que quedase lo mejor posible. Para ellos la batería era muy importante en los discos, no así en los conciertos, donde los ruidosos y gritones fans de los grupos no prestaban particular atención a la calidad del tamborileo. George Martin lo aclaraba también así: “Nunca sugerí que Pete Best se fuera. Todo lo que dije es que para los propósitos del primer disco de los Beatles prefería usar un batería del estudio. Nunca pensé que Brian Epstein fuese a echarle. Sobre todo porque, aparte de la música, Pete parecía la mercancía más vendible del grupo. Para mí fue una sorpresa cuando me enteré de que le habían despedido”.

Algo muy desconocido para la mayoría de los beatlemanos es que, aparte de que Pete fuese o no un buen músico, sí que fue el batería más seminal e influyente del pop británico. Cuando volvieron de Alemania, debido a la forma en que tenían que tocar en los ruidosos clubs de allí, Pete usaba su bombo como arma imprimiéndole un sonido especialmente fuerte, por lo que asentaba un rítmo muy sólido. Y eso era algo que nunca se había oído en Inglaterra, donde los grupos tocaban todos siguiendo el estilo de los Shadows. Incluso Ringo, en su grupo anterior a los Beatles, le había copiado a Pete el estilo, cosa que no tardaron en hacer todos los demás baterías de Liverpool.

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“Crying, waiting, hoping”

A Ringo ya le conocían los otros de antes, porque era el batería de Rory Storm and The Hurricanes, y ya habían hablado con él sobre la posibilidad de entrar en los Beatles algunas semanas antes de la poco ceremoniosa despedida de Pete Best. Ésta tuvo lugar el 16 de agosto de 1.962, después de que el batería hubiese sido citado allí junto a un nervioso Neil Aspinall, que ya era el road manager del grupo, y amigo de Pete (que fue quien le ofreció el puesto). Ninguno de los otros Beatles fue capaz siquiera de aparecer por allí cuando le dieron la noticia, por lo que todo el episodio fue especialmente mezquino, ya que se desentendieron de su responsabilidad, dejándole el trabajo sucio a los otros dos. Y oportunidades de hacerlo no les faltaron, aunque se quedaron en indirectas que el cegado Pete no captó: “Me voy a comprar un Ford Capri”, charlaba un día con Paul. Éste le dijo que “si quieres un consejo, yo no lo haría. Mejor procura ahorrar dinero…”

“Fuimos unos cobardes cuando le echamos”, admitió John Lennon algunos años más tarde. “Dejamos que lo hiciese Brian. Pero si se lo hubiésemos dicho a Pete a la cara todo hubiese sido mucho más sucio que como Brian lo hizo, y seguramente hubiésemos acabado a puñetazos”.

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“Besame mucho”

Una vez que la noticia de la más sonada despedida de la historia del rock comenzó a circular, los seguidores de los Beatles se encontraron bastante confundidos sobre qué hacer: ¿se ponían de parte del más débil, que además había sido puteado de mala manera… o seguían leales al grupo, del que estaban convencidos de que muy pronto se iba a convertir en algo muy grande, como efectivamente sucedió…?

Aunque la mayoría de los fans finalmente escogieron la segunda opción y apoyaron a la banda al más puro estilo hooligan en su conquista del mundo entero, hubo una fracción de disensión entre las filas de fans, que puede verse aún hoy día. Muchos de los seguidores de Pete Best mostraron su apoyo hacia él asistiendo al primer concierto de los Beatles en el “Cavern” ya con Ringo en sus filas, gritando slogans como “Pete for ever, Ringo never”, y “Pete is Best”, y después, cuando los Beatles bajaban los escalones desde el escenario para retirarse a su camerino en el sótano del club, un fan de Pete, especialmente enfadado y violento, la emprendió a hostias con ellos, alcanzando a George Harrison, al que le puso un ojo morado… algo que todavía podeis apreciar por vosotros mismos en esa rara foto que os he ampliado un poco sacándola de un video de entonces, que fue rodado unos días más tarde.

Esta ferocidad contra George especialmente fue debida a que muchos le echaron a él la culpa del despido de Pete a causa de unas declaraciones suyas que aparecieron en los periódicos musicales: “Ringo es mucho mejor batería, y además sabe sonreír, lo cual es mucho más de lo que Pete sabía hacer. Nos sentiremos diferentes durante algunas semanas, pero creo que la mayoría de nuestros fans pronto aceptarán a Ringo”.

Y esta triste historia aún tiene una vuelta de tuerca más cuando en 1.965, John mentía en una entrevista para la revista “Playboy”, diciendo que “Ringo solía sustituirle a veces cuando nuestro batería no se encontraba bien, debido a su periódica enfermedad”. Y el propio Ringo añadía que “Pete llevaba unas pastillas que tomaba para su enfermedad”. Pete les demandó por esas falsedades y tuvieron que llegar a un acuerdo con él para evitar un juicio que llamaría demasiado la atención.

Como dice nuestra amiga Carmen, a veces es mejor no enterarse de según qué cosas de nuestros ídolos.

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“Misery”

ROCKET MAN

En el último de los posts que escribió para este blog, nuestro amigo Ambrosio incluyó este párrafo:

¿De dónde viene el rock?… Podemos irnos a Memphis, al antiguo enclave de los estudios de Sam Phillips (por entonces llamados “Memphis Recording Service” y luego “Sun Records”) donde en mayo de 1951 Jackie Brenston, un saxofonista acompañado por Ike Turner and the Kings of Rhythm, grabó el sencillo “Rocket 88″, considerado el legítimo primer single de rock, aunque sólo fuera por el sonido distorsionado de la guitarra de Ike, dado que el día anterior su ampificador se cayó al suelo mientras lo cargaban en la furgoneta.

Una historia con todos los tintes de ser apócrifa. Sin embargo no lo es. Hoy vamos a ahondar un poco más en ella.

Tiene razón Ambrosio en adjudicar el título de primer rock and roll de la historia a esa canción, por encima de otras favoritas de los críticos, que prefieren conceder ese honor a Bill Haley o a Fats Domino. Esta grabación de Jackie Brenston y sus Delta Cats, aunque solo fuese por la serie de incidentes y accidentes que dieron lugar a su creación, y por haberse convertido en una de las leyendas genuinas de los primeros tiempos del rock, merece ser considerada como el “primer plato” de todo el gran banquete que llegó después.

Jackie Brenston nació el 15 de Agosto de 1930 en Clarksdale (Mississippi), una ciudad que, aunque no sea Tupelo, brilla también con luz propia en la prehistoria del rock. Fue el lugar de nacimiento de John Lee Hooker y donde Muddy Waters hizo algunas de sus primeros discos. Y también fue el lugar donde, según cuenta la leyenda, el bluesman Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de caminos de la Highway 49 y la Highway 61 en una negra noche de los años ’30.

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Robert Johnson “Cross road blues”

En 1.947, después de cumplir con sus obligaciones militares, Jackie volvió a su casa, y enseguida se mezcló en su ambiente musical como cantante y como saxofonista. Sobre todo entabló amistad con un chico de 18 años llamado Isaiah “Ike” Turner, que era el disck-jockey de una radio local, pero que tenía la ambición de convertirse en una estrella como las de los discos que pinchaba, para lo cual ya tenía preparada una banda, The Kings of Rhythm, con compañeros de la universidad.

Cuando el cantante que tenían, Johnny O’Neal, les dejó para perseguir el brillo de las luces de Cincinatti, el propio Ike tuvo que ponerse ante el micro. Pero pronto se dio cuenta de que Dios no le había llamado por ese camino, que como cantante era realmente cortito, así que cedió el puesto a Jackie, que además de cantar tenía doble trabajo soplando el saxo.

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Ike Turner & His Kings of Rhythm “The Mistreater” (Jackie Brenston en la voz)

Y entonces es cuando entra en escena B. B. King. Que les ve en una de sus actuaciones y le dice a Ike que tienen potencial real para poder grabar discos, y que para ello él puede presentarles a Sam Phillips, que se dedica a eso allá en Memphis.

Como apuntaba Ambrosio, Sam Phillips era el propietario de “Memphis Recording Service”, un servicio de grabaciones precursor de su mítico “Sun Records”, el gran sello pionero del rock and roll que editó los primeros discos de Elvis. Sam Phillips, para hacer crecer su naciente imperio, estaba buscando nuevos talentos del Rythm & Blues, y aceptó que Ike viniese a hacer unas audiciones a su estudio. Así que éste metió a toda la banda y el equipo en su coche, y se puso en marcha para cubrir los 120 kilómetros que le separaban de su sueño.

Ike disponía de uno de los coches más rápidos de su época, un Oldsmobile 88, un enorme trasto de 8 cilindros que se anunciaba por entonces presentando a un hombre y a una mujer a lomos de un cohete espacial, invitando a los motoristas a “cabalgar el cohete”. Los automóviles eran un símbolo de opulencia y sexualidad, y eran un icono perfecto para las canciones del R & B, por lo que mientras el coche cruzaba la línea que separaba los estados de Mississippi y Tennessee, Jackie Brenston terminaba de preparar su composición “Rocket 88” y la dejaba lista para su debut discográfico.

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Jackie Brenston & His Delta Cats “Rocket 88”

Habrás escuchado las chatarras que andan por ahí,
Habrás oído el ruído que hacen.
Deja que te presente a mi Rocket 88.
¿Es bueno, eh? No puedes esperar.
A todo el mundo le gusta mi Rocket 88.
Los coleguis quieren correr con estilo.
Tirar millas.

Con su motor de 8 en V y su diseño moderno,
mi techo de capota y que gaste tó la gasolina que quiera.
Vacilando conmigo, cabalgando por toda la ciudad buscando rollo.
Dale al claxon, Rocket! Dale al claxon…!

El viaje tuvo que ser algo memorable. Primero tuvieron un reventón que casi les hace volcar en la cuneta… y aparte de los problemas técnicos, la visión de un coche grande, lleno de negros vestidos elegantemente, y sobrecargado de instrumentos musicales, era algo que, inevitablemente, llamaba la atención de todos los coches-patrulla con los que se iban cruzando. Por lo que el pobre Ike era parado y ametrallado a preguntas a cada rato, para hacerle proseguir su camino poco después. Con tanto bandazo, freno y aceleración, el amplificador que Willie Kizart, uno de los guitarristas de la banda, no había dejado sujeto en la baca del coche con la fuerza suficiente, se fue resbalando poco a poco hasta que una de las veces se cayó y anduvo un buen puñado de metros rebotando por el asfalto detrás del coche. Después de recuperar el dañado amplificador continuaron su camino hacia la fama y la fortuna.

Una vez en el estudio de Sam Phillips, la banda grabó cuatro canciones ese día, dos de ellas con la voz de Ike, que no se resignaba a dejar de ser cantante, y las otras dos con la voz de Jackie. Las que grabó éste fueron “Come back where you belong”, y su recién terminada “Rocket 88”.

Esta última, con su saxo tan honky-tonk y el dinámico estilo vocal de Jackie, llamó poderosísimamente la tención de Sam Phillips, que no había oído nunca nada como esto. Y además, ese sonido tan especial tenía un ingrediente secreto, que se logró accidentalmente cuando el propio Sam rellenó el cono del altavoz dañado cuando se cayó el amplificador con cartones, dándole a la guitarra un sonido distorsionado que fue algo adelantado a su tiempo.

Las canciones se editaron en dos singles. Las de Ike salieron al mercado bajo el nombre de Ike Turner and his Kings of Rhythm, mientras que el single de Jackie fue acreditado a Jackie Brenston and his Delta Cats. Editado en abril del ’51, para finales de mes “Rocket 88” había entrado ya en las listas de Rhythm & Blues, y en menos de dos meses las escaló hasta el número 1.

A pesar del éxito de este disco, Jackie nunca volvió a tener ningún otro. Y encima Ike le había despedido de su banda con un mosqueo considerable debido a la envidia que le producía que no hubiesen incluído su nombre en aquel single de tanto éxito, por lo que la siguiente canción de Jackie, “My real gone rocket”, tardó mucho en salir, hasta poder completar otra banda con la que grabarlo.

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Jackie Brenston & His Delta cats “My rreal gone rocket”

Ike Turner, en cambio, siguió haciendo grandes y mejores cosas, sobre todo a partir de que entrase a cantar en su grupo la que luego sería su esposa, Tina. Con los años fue haciendo las paces con Jackie y a finales de los años 50 volvió a meterlo en su banda tocando el saxo barítono. De vez en cuando, en los conciertos, incluso le dejaba que cantase algunas canciones… Pero NUNCA el “Rocket 88”.

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Ike & Tina Turner “A love like yours”

…BUENA SOMBRA LE COBIJA

Hoy vamos a hablaros de la música clásica y su relación con el pop y el rock. Que no se limita a la forma en que Freddie Mercury cantaba algunas partes del “Bohemian Rhapsody”, ni a la Caballé destrozando el “Hijo de la luna”.

El rock en todas sus variedades se ha visto influenciado por la música clásica muchas veces, y en formas muy variadas, ya sea interpretándolo fielmente pero con instrumentos propios del género, basándose en piezas clásicas para construir otras diferentes pero con regusto añejo, o deconstruyéndolas y jugando con ellas. De todo ello vais a tener ejemplos en este post.

Y además va a ser un texto especial porque no lo he escrito yo solo, sino que lo he hecho a medias con nuestra amiga Glauca María, a quien aún no me honro en conocer personalmente, pero que a través de su blog he apreciado sus conocimientos y buen gusto sobre música clásica, por lo que le pedí que escribiese sobre algunas piezas que posteriormente han llegado a nuestros oídos revisadas por músicos actuales. Y amablemente accedió. Aquí teneis el resultado de la colaboración, que espero que no sea la única que podamos mantener en el futuro con algunos blogueros más del entorno.

Os lo vamos a presentar en forma de juego; sin daros a conocer los nombres de los compositores, artistas, obras ni canciones. Lo hareis vosotros mismos en los comentarios, porque la mayoría son muy conocidas. Es posible que os sorprendan algunas de estas revisiones, pero serán las menos. Y todos aprenderemos algo.

La estructura del post es fácil de seguir. Primero estarán los comentarios de Glauca (escritos en cursiva), seguidos de una pieza clásica. Después estará mi comentario sobre la versión moderna de esa pieza, y a continuación podreis escucharla también. Hay 14 de cada una, por lo que haríais bien en tomarlo con calma y no intentar merendaros todo el post de una vez.

Como siempre, echareis en falta muchas obras por una y otra parte, pero creo que las muestras presentadas recogen todo el abanico de posibilidades… y nadie es perfecto. Podeis aportar también vuestro granito de arena, y seguramente haremos un Radioblogin’ con las que nos digais y no hayamos incluído en el post. Lo que sí os ruego, es que los más heavies no abuseis porque entre Satriani, Deep Purple, Michael Schenker, Rainbow y cía. podíamos sufrir de empacho mental y sonoro. Rebuscad más bien entre Santana, Wendy Carlos, Jeff Beck, Evanescence, Mika, Oasis, Michael Jackson, Village People… incluso entre los Beatles. Eso sí, os advierto que al que cite el “Ciclos” de los Canarios lo echo a patadas del blog. Los blogueros de bien estamos peleados con Teddy Bautista.

Os dejo ya disfrutar con los comentarios de nuestra amiga:

De las cuatro suites para laúd que compuso este autor, ésta es quizas la más conocida y la menos complicada. Se ha hecho famosa por un nombre evocador que pertenece a su segundo movimiento, que le viene de un arreglo realizado en el siglo XIX. Dicho arreglo presentaba la melodía principal durante toda la obra en la cuerda de Sol, la más grave del laúd. La plantilla orquestal de este movimiento consiste en una orquesta de cuerdas y continuo de una armonía sublime. Una sola línea melódica va surgiendo hasta que da paso a un pasaje más recitativo. Es de una especial belleza la combinación de las escalas menores y mayores en la última cadencia de la segunda mitad. Los ornamentos dan pureza de tono, con su sonoridad tan limpia y llena que es toda una experiencia para los sentidos su audición. La parte que ponemos es precisamente ésa que decía que le ha dado el nombre a toda la suite y, para comenzar con un español, en una versión para guitarra que interpretó Andrés Segovia.

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1-A

Si hubo un grupo que envejeció malamente fue éste. Pero en sus momentos álgidos fueron una de las bandas más importantes del rock. En esta pieza mezclan el clasicismo barroco con aires jazzys, y en su tiempo fue la cumbre de la diversidad que podía ofrecer la música rock… anda que el tiempo no vuela ni ná!

De todas formas, aún hoy se sigue escuchando con agrado muy frecuentemente, porque sigue siendo uno de los instrumentales más radiados de todos los tiempos.

La pieza comienza en forma etérea, con una angelical melodía de flauta, hasta que un rompimiento rítmico bastante funky la hace cambiar de estructura y presenta caras que van desde los arreglos clásicos hasta los psicodélicos, a los cuales se van añadiendo todos los miembros de la banda que complementan estupendamente el trabajo rítmico de la flauta y el bajo.

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1-B

Esto es conocido como el concierto optimista; destaca en él su movimiento lento, que se va prolongando en una melodia larga que roza el éxtasis. Está lleno de fuerza positiva y optimismo, y es considerado como uno de los más hermosos fragmentos de la historia de la música. Ha sido utilizado con mucha frecuencia en el cine.

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2-A

Seguramente ésta debe ser la canción más concisa que conozco para expresar sentimientos tales como la tristeza, el dolor… y todo arropado por una melodía líbremente basada en la que Glauca os ha comentado.

Así que para respetar los deseos del cantante, seré yo tan conciso como él. De todas formas la vais a conocer enseguida.

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2-B

El compositor de la siguiente pieza es el típico idealista tranquilo que goza de un gran talento creativo junto con el dominio de la armonía, algo que le permite encontrase con un público agradecido. Vivió la época floreciente de la industria del cine en su país en la que un gran director compatriota suyo quedó maravillado del realismo de su música. Este realismo le lleva a componer la obra de la que extraemos el fragmento, que nos va convirtiendo la música en imagenes, en concreto en la parte que escuchamos toda ella tiene una fantasmal sustancia romántica. Las dificultades son captadas por un doble bajo, se escuchan gemidos a través de una melodía que se desliza hasta hacernos sentir el sonido del contrabajo como si éste hubiera adquirido una calidad fantasmal.

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3-A

Una dulce melodía clásica usada para hacernos llegar un mensaje bastante panfletario y partidista sobre la Guerra Fría… la verdad es que está de sobra la pregunta sobre si “los rusos también aman a sus hijos”. Debería haberse quedado en las consideraciones sobre que las ideologías no son importantes comparadas con la vida y el amor. Pero es que este tío es un poco cargante (verdad, querida Lula?), y se pasa de dramático muchas veces. Ay… las primadonnas histéricas!!

Por cierto… ¿sabeis que Ambrosio o yo (no sabemos en realidad quien fue) hemos dormido en la misma cama que el nota éste?

Una cosa que siempre me he preguntado es cómo se tomaría su antiguo compañero de grupo la canción ésta, ya que su padre fue uno de los jefecillos de la CIA y más de una vez tuvieron sus más y sus menos a cuenta de los pensamientos políticos del uno y del otro cuando compartían grupo. Siempre salía perdiendo el cantante que ha hecho esta versión, claro, ya que es conocido como hombre de paz y practicante del yoga (un blandengue, vamos), mientras que el otro era el batería, que ya sabeis que suelen ser tíos cachas y un poco locos. No es extraño que alguna vez le fracturase una costilla, como así sucedió.

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3-B

Estamos ante un compositor que fue capaz de comprender y emplear todos los recursos musicales de su época. Combinó esquemas rítmicos de orígenes varios, llevando a la cima el arte del contrapunto.

Traemos un extracto de una de los obras mas conocidas del compositor, sin duda; pero a su vez es una de las suites mas bellas que se han escrito. Concretamente el Aria del segundo movimiento contiene uno de los más bellos compases que aún no han sido superados. En su éxito tiene mucho que ver la eficacia con la que se entreteje la melodía. El movimiento de una tiende a ser la respuesta al movimiento de la otra.

La melodía suena como si muy suavemente se estuviera despertando, primero estirándose hacia abajo en la escala, y luego desperezándose hacia su comienzo; es maravillosamente simple. Creada por un ánimo sereno con los patrones usuales de cuerdas y notas arregladas en su justa proporción de cambio, aparte de un gran derroche de imaginación. Es de una exquisitez sin límites, serena, y plagada de poesía.

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4-A

¿Habeis visto “El año pasado en Marienbad”…? ¿Os gustan las películas francesas… el surrealismo de las pinturas de Dalí, de René Magritte…? Pues se puede dibujar una línea entre las fracturas de la narrativa de esas películas y la de esta canción, compuesta de retazos que hablan de amargura, abandono… no hace falta conocer todo su signifcado para sentirse atrapado por su atmósfera.

Y la música es lo que más ayuda a que esta canción sea así de evocadora. El autor moderno no pretendía en realidad hacer una combinación de música clásica y rock, pero es que el alma del autor clásico que la compuso hace siglos estaba dentro de él.

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4-B


Corría el año 1.803 cuando en la abadía benedictina de Beuren, cerca de Múnich, se encuentra un manuscrito que encierra una de las colecciones más valiosas de la poesía cultivada en toda Europa durante los siglos XII y XIII. Lo forman versos satírico-morales y amatorios, además de canciones de dados de taberna. El compositor seleccionó algunos de ellos para crear una obra sinfónico-coral en la que mezcla lo bello con lo vulgar. Es de una extraordinaria simplicidad armónica que alterna los fragmentos monótonos y tranquilos con brillantes y ensordecedoras explosiones de júbilo.

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5-A

Ésta le va a encantar a nuestro amigo D. Micro, que es un fanático confeso del hip-hop.

Esta versión tiene una historia clásica del género. La hacen dos raperos, y en el vídeo que rodaron uno de ellos aparecía crucificado como Jesucristo. Como le pareció que aquello iba a ser demasiado fuerte para su imagen comercial (a los raperos también les gusta comer tres o cuatro veces al día y darse caprichitos) pues mandó quitar estas imágenes del vídeo. Le hicieron caso, pero cuando el manager del segundo rapero envió el vídeo a la MTV, no se sabe si por equivocación o por tocarle un poco los huevos al primero, la que puso en el correo fue la versión original. Se montó una gran controversia, claro… los americanos ya se sabe que son muy mogijatos para según qué cosas… El caso es que el primer rapero se presentó en las oficinas del manager y envió a éste una temporadita al hospital a base de darle en la cabeza con la botella de champán con la que se encontraba celebrando la cantidad de ventas conseguidas con todo el montaje.

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5-B

Estas piezas se publicaron por primera vez en 1874 a raiz de una exposición en honor del arquitecto y pintor Viktor Hartmann y con ellas el autor quiso ilustrar musicalmente su visita a esta exposición. Esta idea de componer la música del programa basada en un concepto no-musical era popular durante el romanticismo. Precisamente el fragmento que sigue se basa en un diseño de un cascanueces de juguete formado por un pequeño gnomo de torpe caminar porque tiene las patas deformadas.

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6-A

Los reyes del rock progresivo, como se llamaba entonces. Luego se devaluaron bastante, pero en los tiempos en que editaron el disco del que hemos extraído la pieza que sigue no solo introdujeron al autor del que os ha hablado Glauca en el mundo del rock, sino que lo convirtieron en una estrella del rock. Aunque los puristas de siempre se sintiesen ofendidos y tildasen esta adaptación de ruidosa, pomposa, pretenciosa, sacrílega… probablemente todos se tomaron a esta banda, y sobre todo a su líder, siempre rodeado de teclados, mucho más en serio de lo que lo hicieron ellos mismos… Y si uno no puede tomarse libertades y divertirse con la música… con que leches va a poder hacerlo entonces?

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6-B

Esta sonata, al igual que otras dos más, fue dedicada por su autor a Saliere que fue el maestro que le dió lecciones de estilo vocal. Su titulo es sugerente, capaz de conmover, algo en lo que se autor era un experto. A esta parte musical le imprimió serenidad y placidez llegando a expresar con su notas el titulo de la composicion. Es de una belleza sosegada y suave, de apariencia simple pero armónicamente densa. Esta forma de expresion única del autor se puede apreciar en otras de su obras.

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7-A

La sonata ha sido usada por varios músicos de rock… hasta por los Kiss; pero nadie la convirtió en una canción tan melódica y bien escrita como ésta que os voy a poner ahora. Y no solo eso, sino que además es perfecta para bailar con alguien a quien te quieras ligar… Si tienes alma romántica, ésta es una de las canciones que harán latir tu corazón un poquito más rápido.

La letra es una oda a la amistad que se convierte en algo más que eso (lo del derecho al roce, ya sabes). Y la música, aparte del recuerdo clásico del que tratamos en este post, también nos recuerda a las canciones de finales de los `50, con respaldo de “duduás”. Hubiese sido uno de los puntos fuertes en la banda sonora de “Grease”… si la hubiesen incluído, claro está.

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7-B

Este músico siempre defendió el estilo basado en la música folclórica de su país, lo que le originó el enfrentamiento con músicos conservadores y con los críticos. Esto hizo que sus obras tardaron en ser apreciadas. Se hizo famoso por su música incidental para un conocido drama poético. Su forma de adaptar la poesía a la música coral e instrumental le acercó al publico en general, que ya conocía el poema, y al que se lo entregaba en forma de música culta. El acompañamiento musical que dio al poema bien podríamos llamarlo “banda sonora” sin ningún tipo de dudas.

Estamos ante la auténtica música descriptiva, en cierto sentido impresionista, que nos permite visionar lo que escuchamos con una claridad que hace innecesaria la imagen. La música es suficiente.

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8-A

Un trabajo instrumental a la guitarra, que nos recuerda que esta banda, a pesar de ser más que famosa por sus canciones originales, también fueron siempre muy buenos con sus visiones de temas ajenos, nada extraño porque comenzaron siendo un grupo de versiones. Aunque de piezas clásicas solo les recuerdo ésta, que convirtieron en un divertido trash-rock.

En realidad solo era un poco de gamberreo para parodiar la pretenciosidad con que muchos oyentes acogieron obras como el “Sgt. Pepper”, o el “Their Satanic Majestic”.

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8-B

En esta pieza el compositor no sólo nos muestra el aspecto arquitectónico, tradicional y formalista de su técnica, sino que nos hace descubrir en su interpretacion toda la brillante poesía que el genial músico puso en toda su obra.

Para mí su música se resume en aquellas palabras que dijo antes de morir “Usted encontrará muchos trabajos, más o menos dignos de mí. En nombre del afecto que usted siente por mí, por favor, quémelos todos excepto el principio de mi método para piano. El resto, sin excepción alguna, debe consumirse al fuego, porque yo tengo demasiado respeto para mi público y no quiero que las piezas indignas de mi público sean distribuidas en mi responsabilidad bajo mi nombre.”

¿Quien se atrevería a quemar algo suyo?

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9-A

Uno de los cantantes más infravalorados por los “enteraíllos”. Sin embargo sus canciones siempre han sido mucho más que carne de karaoke. Su fuerte son las baladas claras y concisas, bien construidas. Y por eso, su música y su pasión están siempre de moda en “el Copa”, como Lola…

Y si además la pasión de sus canciones de amor se apoya en una composición clásica como la que os ha descrito Glauca, la intensidad se desborda… ¿Por qué será que todas las comentaristas a las que he leído una opinión sobre esta canción dicen que les parece como si la hubiese escrito para ella…?

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9-B

Esta composicion es la vuelta de su autor a la composicion después de un breve pero intenso parón, y pone de manifiesto todas sus interioridades artísticas y humanas. El adagio posee unos destellos de gran belleza, su más puro estilo.

El fascinante y hermoso segundo movimiento fue el tema de amor de una película que a mi personalmente me desgarra: “Breve encuentro”.

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10-A

El cantante que vais a escuchar ahora llevaba dos meses desesperado, con una letra preparada hacía tiempo y un interludio musical que tenía ya también más que compuesto. Pero no encontraba la forma de incluírlo en mitad de una canción actual.

La inspiración le llegó escuchando el segundo concierto para piano que Glauca os ha comentado anteriormente (seguramente incluso viendo la película que ella cita). Escuchó la melodía, y la usó para acompañar su letra. Es una melodía tan dramática, con tanta angustia, que seguro que ninguno de los dos músicos, ni el clásico ni el moderno, estaban pasando por sus mejores momentos amorosos cuando las compusieron.

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10-B

A este autor siempre lo asocio a las Bandas Sonoras de Star Wars o a Vangelis. Lo que me fascina del corte que incluímos es el horror de la batalla y como pudo captar todo el ruido de las balas y las bombas que caen, el paisaje desolador lleno de tumbas de muertos, los hombres gaseados o pisados por los tanques que avanzan, la no esperanza; en definitiva, el horror de una gran guerra como fue la I Guerra Mundial, que comenzó muchos años despues de concluir la pieza.

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11-A

Una de las más oscuras y siniestras suites de esta banda está basada, aunque tomándose muchas libertades, en la composición clásica que Glauca nos ha comentado anteriormente. Aunque está interpretada principalmente con el mellotrón, resalta mucho el sonido de la percusión, que suena como si se tratase del ensayo de una banda de ésas que suelen tocar marchas para desfilar, y los demás instrumentos van improvisando completando un panorama de muy diversos sonidos.

Tal como se entrevé en el comentario de Glauca, esta composición está dedicada a Marte, el Dios de la Guerra, y esta interpretación contemporánea es lo suficientemente densa y lo apropiadamente espeluznante como para sentir el horror de la batalla que se avecina.

Pondremos solo un fragmento, para que no haya demasiados heridos.

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11-B

Estamos ante un autor que al componer su música supo aunar el uso de técnicas tradicionales con la música folclórica, debido a la gran influencia que en el tenía su ascendencia materna. Y esta es una pieza que se encuentra incluída dentro de una celebre obra (un ballet) por la que el compositor alcanzó fama mundial. Es considerado el primer compositor que consigue integrar la música moderna con el ballet clásico, y esto lo hizo ya que estaba convencido de que el público debía de sentir las mismas emociones y sensaciones que los bailarines experimentaban y que a su vez trataban de transmitir sobre un escenario.

Como anecdota cinematografica, esta famosa pieza fue utilizada por Billy Wilder en su película “Uno, dos, tres”.

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12-A

En sus primeros tiempos, este tipo, mucho más conocido por sus movimientos en el pub rock y la new wave, lideró un trío de blues-rock que se dio a conocer con esta enloquecida reescritura de la anterior pieza. Por supuesto nada que ver con el resto de su obra; ésta pieza fue algo singular que se le ocurrió cuando estaba de telonero de Emerson, Lake & Palmer y se contagió de la exuberancia del teclista. Pura bravuconería guitarrera en el más puro estilo de los guitar-killers de la época.

Lo curioso del caso es que, siendo éste un músico respetabilísimo, y teniendo sobre sus espaldas muchos años de duro trabajo (y bien currado además) que todavía continúa porque hace poco editó otro disco, su único éxito que podamos llamar comercial, y que llegase a los primeros puestos de las listas, fue este instrumental con el que empezó su carrera allá por 1.968.

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12-B

Esta pieza no suele ser mencionada en los catálogos meticulosos de composiciones de autor, pero los musicólogos no tienen dudas respecto a la autenticidad de que esa hermosa pieza musical fuera concebida por el autor, concretamente en una fiesta infantil.

Se cuenta que el autor fue invitado a una reunión en donde se encontraban varios niños, llamándole la atención una hermosa niña, de nombre Elisa, quien al reconocer al maestro, le dijo que ella tocaba algunas piezas al piano. El compositor, pues, le pidió que tocase algo.

La niña interpretó obras de varios compositores, pero cuando el le solicitó que tocase alguna de sus sonatas, la niña le dijo que no le gustaba tocarlas porque eran muy difíciles. El maestro le prometió que haría una pieza mucho más sencilla, para que fuese tocada por ella.

Ahí la leyenda… y el titulo de la pieza, al que agregó el subtítulo “Recuerdos del 27 de abril de 1808”.

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13-A

Una deconstrucción en toda regla. Aunque conociendo el resto de la obra de este grupo, esta pieza resulta ser de lo más asequible.

Está basada, claro, en la anterior obra que ha comentado Glauca… aunque si la escuchase ahora, la niña seguramente huiría despavorida. Sobre todo si además ve a sus intérpretes. Sé por experiencia que los niños se esconden debajo de las mesas cuando les ven, aunque sea por la tele.

El porqué de la elección de esta pieza para grabarla nunca se supo a ciencia cierta, pero se sospecha que lo hicieron para hacerse perdonar la música del show que paseaban en aquella época, de ahí que lo regalasen a la salida a todos los espectadores.

En realidad la editaron como una obra en nueve partes… pero tranquilos, que solo os pondré la más accesible, una que editaron de forma comercial, según ellos entienden esta palabra.

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13-B

Y terminamos como empezamos, con otra guitarra española. Estamos ante un compositor que no escribió una sola nota para guitarra, pero su música ha quedado ligada a este instrumento ya que muchas de sus obras deben en parte su fama a la versión hecha para este instrumento. Sus piezas o colecciones de piezas son de clara inspiración española.

La interpretación de su obra no ha estado exenta de polémicas y controversias, pero siempre ha enriquecido su magnifico universo expresivo. La interpretacion de esta pieza de especial dificultad no ha frenado a los musicos en su intento, sino que más bien ha hecho que algunos se convertieran en fieles transmisores de la técnica y estilo del autor, mientras que otros nos muestran una peculiar visión subjetiva de la obra. Hay un hecho induscutible en la producción del compositor, y es que ésta puede fragmentarse en piezas sueltas que mantienen su autonomía respecto a la obra a la que pertenecen, lo que ha hecho posible que sean interpretadas de forma individual en todo tipo de repertorios.

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14-A

Esta la vais a conocer enseguida también, y es una de las escasas piezas de este grupo que no escribió el cantante, sino el guitarrista. Por eso la hizo para su lucimiento en la intro, basada en la obra española que os ha comentado Glauca, con unos toques muy aflamencados tocados con una Ramirez, para después coger una Gibson SG pasada por una caja de fuzz… toma ya flamenco-fusion!

Es extraño que este guitarrista diga que esta canción no está basada en la pieza clásica que Glauca os comenta, sino en las “Granadinas”, otra pieza de guitarra clásica. En realidad no tendría que parecerme rara esta confusión en vista de la extraña visión que tienen los americanos de lo español (de lo andaluz, sobre todo); no hay más que ver la Semana Santa sevillana que se montaron en “Misión Imposible”. Así que lo más normal es que este tío escuchase campanas sin saber exactamente donde sonaban… quiero decir, que vete a saber si no estaba escuchando una cosa pensando que era la otra. Porque desde luego, a la que se parece esta canción es a la pieza anterior, y no a “Granadinas”… vamos es que es clavaíta…

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14-B

¿Acabamos de batir un record de longitud y número de canciones en un post…?

De todas formas, creo que ha merecido la pena.

Hostias…! Ahora que caigo… no hemos metido ninguna foto… que fallo! Nuestro amigo Juanma estaría contento.

Ahora es vuestro turno…

METAL GURU

Para Maese Rancio. Beatleliano confeso

Hoy comenzamos con una canción de los Beatles:

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“Sexy Sadie”

Sexy Sadie, qué has hecho?
Le has tomado el pelo a todo el mundo.
Sexy Sadie, qué has hecho?

Sexy Sadie, has roto las reglas.
Te has enrollado con todo el que veías.
Sexy Sadie, has roto las reglas.

Un día soleado el mundo estaba esperando a una amante,
Y llegó ella para ligar con todos.
Sexy Sadie, la mayor amante de todas.

Sexy Sadie, como lo sabías?
Que el mundo te estaba esperando
Sexy Sadie, como lo sabías?

Sexy Sadie, lo conseguirás todo
Qué grande te crees!
Sexy Sadie, lo conseguirás todo.

Te daremos todo lo que poseemos solo por sentarnos a tu mesa
Con solo una sonrisa lo iluminas todo.
Sexy Sadie, la última y la más grande de las amantes.

Le tomó el pelo a todo el mundo.
Sexy Sadie.

Qué grande te crees,
Sexy Sadie.

Mira la letra de la canción… y ahora cambia el nombre de Sexy Sadie por Maharishi…

“Maharishi, ¿qué has hecho? Le has tomado el pelo a todo el mundo”. Así empezaba en realidad esta sarcástica canción que John Lennon escribió mientras esperaba un taxi con Paul y sus esposas respectivas, que les llevase al aeropuerto para volver a Inglaterra. Hacía referencia al Maharishi Mahesh Yogi, que murió el pasado día 6, a quien habían abandonado abruptamente después de haber estado durante varias semanas con él meditando, investigando en sus espiritualidades y aprendiendo de sus enseñanzas religiosas y culturales en su “ashram”, el lugar donde los alumnos hinduístas conviven bajo el mismo techo que sus maestros.

La canción no se editó así, como ya has podido apreciar. Al final, los otros Beatles, y sobre todo George, pudieron convencerle de que aunque hubiesen tenido serios desacuerdos con el Maharishi, su trabajo era merecedor de respeto, y era injusto, y quizás también difamatorio (…y eso cuesta dinero en los juicios) ser tan tajante acusándolo de esa forma. Así que John se retractó y cambió el título de la canción y las alusiones al Maharishi, convirtiendo la canción en el “Sexy Sadie” que todos pudimos oír en el Doble Blanco.

A pesar de todo el disgusto implícito en la letra, ésta formaba parte del gran tesoro en forma de canciones que John, Paul y George escribieron durante y poco después de su visita a Rishikesh, en la India. Por muy poca que pudiese haber sido la interacción entre los Beatles y el Guru Maharishi, esta experiencia de ocho meses con él (desde agosto del ’67 hasta abril del ´68) les abrió las compuertas de la creatividad y les sacó del atasco creativo que parecía que iba a seguir al “Sgt. Peppers”. Después de regresar de la India, el grupo se encontró con más canciones nuevas de las que nunca había tenido.

El primer encuentro de los Beatles con el Guru Maharishi llegó a través de Pattie, la esposa de George Harrison, que tenía una enorme cantidad de tiempo libre mientras su marido estaba envuelto en las actividades propias de ser un Beatle, y lo invertía interesándose por el misticismo de la India, tal como lo presentaba el Maharishi.

Este Guru era un estudioso de la medicina (que en realidad era la materia en la que se graduó en la Universidad), del sánscrito y de las Escrituras Sagradas hindúes, que había adoptado el nombre de Maharishi, que significa “el gran sabio”, y estaba intentando hacer las antiguas formas de meditación más asequibles y comprensibles para los occidentales, a través de la Meditación Trascendental de su invención, y, de paso, forrarse un poco el riñón.

En realidad su método no era malo, como se ha demostrado a través de los años, hasta su reciente muerte hace poco más de una semana. Eran unos métodos de meditación que ya se habían desarrollado en la India desde hace cientos de años, y de los que él recogió todo lo mejor y más atractivo para venderlos con un nuevo nombre: Meditación Trascendental. El Maharishi pensaba que popularizándola podría ayudar a conseguir la paz mundial debido al hecho de que la técnica de meditación inhibe la violencia y calma el espíritu.

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“Love you to”

Pattie ya estaba muy interesada, como os he dicho, en el hinduismo y la cultura india a causa de la implicación de George con el sitar y su amistad con Ravi Shankar, y el viaje que hicieron a la India en otoño de 1.966, así que no le fue difícil convencerle de que asistiera con ella a una charla que el Maharishi iba a dar en el Hilton, y George, a su vez, convenció a los otros tres.

Su conferencia impresionó a los Beatles, que pidieron una audiencia privada con él al terminar. En aquel tiempo los cuatro, especialmente John y George estaban todavía indagando en el subconsciente cósmico, o en la eternidad, o en cualquiera que fuese el rollo que se traían, y para investigar mejor se ponían ciegos de LSD. Las técnicas de Meditación Trascendental del Maharishi les prometían que iban a conseguirlo, pero sin tener que recurrir a la química. Así que les invitó a un retiro de diez días en Bangor (Gales), que iba a comenzar el siguiente fin de semana.

Todos estuvieron de acuerdo en acudir a él, e incluso le pidieron a su manager, el gran Brian Epstein que les acompañase, pero resultó que éste ya tenía planes para el fin de semana y les dijo que ya se uniría a ellos unos días después. No se sabe si Brian llegó a cumplir estos planes porque durante ese tiempo murió de una sobredosis.

Los Beatles se enteraron de la noticia en el retiro y el Maharishi les ayudó a sobrellevar el shock con la filosofía hindú que enseña que el alma sobrevive después de la muerte. Y unos meses más tarde todos volaron a la India, a Rishikesh, como devotos del Guru para completar su instrucción. Allí coincidieron con Mike Love (uno de los Beach Boys), Donovan, Mia Farrow (anda… dos veces casi seguidas en este blog), y la hermana pequeña de ésta, Prudence, inmortalizada por los Beatles en otra canción de la misma hornada que “Sexy Sadie”:

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“Dear Prudence”

Querida Prudence, ¿no sales a jugar?
Querida Prudence, ven a saludar al nuevo día.
El sol está fuera, el cielo es azul,
Es maravilloso, entonces,
Querida Prudence, ¿no sales a jugar?

Querida Prudence, abre los ojos,
Querida Prudence, mira al soleado cielo.
No hace viento y los pájaros van a cantar.
Tú eres parte de todo esto,
Querida Prudence, ¿no abres tus ojos?

Mira a tu alrededor, a tu alrededor,
A tu alrededor…

Querida Prudence, déjame verte sonreír,
Querida Prudence, como a una nilña pequeña.
Las nubes forman una cadena de margaritas.
Anda, déjame verte sonreír de nuevo.
Querida Prudence, ¿no me vas a dejar verte sonreír?

“Dear Prudence” era amiga de los Beatles, y se había interesado en las técnicas del Maharishi a través de ellos y, a su vez, había convencido a su hermana de que aparcara su trabajo de actriz unas semanas y se uniese también. Una vez allí, Prudence se convirtió en la alumna que se lo tomó con más seriedad y se pasaba tanto tiempo haciendo meditación en el interior de la casa que apenas salía de ella. Los Beatles se dieron cuenta, claro, y le pidieron a John que le dijera que saliese más a menudo, se divirtiera un poco y se mezclara con el resto de la gente. La respuesta que les trajo tras hablar con ella fue que “va a estar tres semanas encerrada y va a intentar alcanzar a Dios antes que cualquiera de nosotros”. El incidente inspiró a John para escribir esta fantástica canción; de la que, por cierto, quizás no sepais que se grabó durante el periodo de tiempo en que Ringo abandonó el grupo, por lo que aquí la batería la toca Paul McCartney.

Después de la primera semana Ringo y su mujer Maureen se fueron del ashram antes de que sus estómagos estallasen ante tanto picante como echaban en las comidas. Y tres semanas después les siguieron Paul y Jane Asher. John y George se quedaron dos semanas más, y terminaron fatal con el Maharishi.

Todo comenzó porque John había invitado al ashram a Alexis Mardas, “Magic Alex”, un tipo en el que merece la pena que nos detengamos un poco.

Mardas era un griego que entró en Inglaterra a los 21 años con un visado de estudiante, y de él se decía que había sido miembro de la policía secreta que había infiltrado entre los universitarios la Junta que hacía poco se había hecho con el poder en Grecia. Como se le daba bien la electrícidadd comenzó a trabajar reparando teléfonos mientras se divertía con su hobby de crear trastos eléctricos bonitos e inútiles… como una caja de luces psicodélicas que, a través de alguien, consiguió venderle a los Rolling Stones para sus conciertos, que le llevaron con él porque era quien mejor sabía manejarla. A través de Brian Jones conoció a John Lennon, que fue quien le puso el mote de “Magic Alex”.

Los Beatles, y particularmente John, estaban fascinados por los cacharritos que inventaba el tío, como unos broches personalizados que les dio a todos ellos, y que pitaban y se encendían aleatoriamente… además les entretenía con ideas fantásticas sobre teléfonos que te pondrían con el interlocutor que les pidieras sin necesidad de marcar, solo pidiéndolo con tu voz; o soles artificiales hechos de lásers que iluminarían la noche… era el Mago Merlín del Camelot de los Beatles.

Max llegó a ser tan amigo de John y su mujer, Cynthia, que incluso acompañaba a ésta cuando regresaron de unas vacaciones con otros amigos en Grecia, y entró en su casa para descubrir a una japonesa feísima medio vestida solo con la camisa del pijama de su marido. Por supuesto, Max le brindó su casa y su hombro… y dicen también que su cama, para que Cynthia desahogara sus penas. Lo que le dio a John la cínica oportunidad de demandar a su mujer por adulterio y conseguir el divorcio que le permitió casarse después con Yoko.

Al final toda la amistad se desmontó cuando los Beatles decidieron un día de 1.969 probar los estudios de grabación que Magic Alex les había prometido, con una mesa de grabación de 78 pistas y muchos tiestos eléctricos de su invención. Cuando llegaron el panorama que encontraron era desolador. Casi todo el material que Alex decía que había inventado resultó tener etiquetas en las que se leía “Made in Germany” y todavía estaba en sus cajas de embalaje. No había ni 78 pistas, ni 64, ni 32, ni 16, ni… por no haber, a Max incluso se le había olvidado intercomunicar el estudio donde los músicos tenían que tocar y cantar con la sala de control… por no hablar de los ruidos que hacían las máquinas de aire acondicionado y calefacción que estaban situadas en un rincón del propio estudio donde había que grabar. Los Beatles tuvieron que olvidarse de su inversión y suplicar a George Martin que enviase allí a un buen número de ingenieros de sonido que convirtiesen aquello en una unidad de verdad.

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“Cry baby cry”
(Esher Tapes)

Pues cuando “Magic Alex” llegó al ashram a vivir aquel misticismo y espiritualidad se convenció de que los Beatles en realidad habían caído bajo el hechizo de alguien muy hábil, que estaba intentando manipularlos. Alex no aceptaba un líder espiritual que, en su opinión, estaba tan obsesionado con las cosas materiales. El Maharishi parecía actuar como si no entendiera nada de negocios, pero siempre tenía un contable a su lado. Cuando viajaba se alojaba en los mejores hoteles, y sus instalaciones aquí eran lujosísimas para los standards de la India.

“Yo trato con la sabiduría, no con el dinero”, solía decir… aunque está claro que no le hacía ascos tampoco a éste, como bien descubrieron los directivos de Apple cuando quisieron hacer una película sobre la estancia de los Beatles en la India y el Guru les pidió un altísimo porcentaje de los beneficios. Alex sobre todo se alarmó cuando oyó que el Maharishi esperaba que los Beatles le ingresasen un 10 o un 15 por ciento de sus ganancias anuales en una cuenta que tenía a su nombre en Suiza.

El Maharishi se enteró de las sospechas de Alex e intentó comprar sus simpatías ofreciéndole que construyese una emisora de radio en Rishikesh, pero Alex estaba más interesado en demostrarle a los Beatles que este “santurrón” les estaba utilizando. Así que comenzó a investigar granjeándose la confianza de las mujeres que estaban meditando en el ashram introduciéndo alcohol (que estaba prohibido) en las instalaciones. Una enfermera californiana le contó un día entre copas clandestinas que el Maharishi la había invitado una vez a cenar en sus habitaciones privadas y le había hecho proposiciones sexuales.

Con esta información George y John se enfrentaron al Guru. Lennon, al que el grupo designó como desafiante portavoz, fue al Maharishi y le dijo, “Nos vamos… si eres tan cósmico, ya sabrás por qué lo hacemos”.

John, particularmente, estaba furioso con su ídolo. La Meditación Trascendental le había beneficiado mucho. Con ella había roto su adicción a las drogas y abierto su creatividad con el resultado de un gran número de canciones compuestas allí en Rishikesh. Esperaban mucho del Guru, al que consideraban un ser sobrenatural que les iba a dar quizás el secreto de la eterna felicidad, y se encontraron con que era tan humano como ellos y tenía las mismas debilidades.

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“Sexy Sadie”
(Esher Tapes)

Con el tiempo, en los años posteriores a la muerte de John, tanto Paul como George reconsideraron las acusaciones contra el Maharishi, sobre todo cuando se iban dando cuenta de que la credibilidad de Alex Mardas dejaba mucho que desear, y que en realidad los rumores sobre las impropiedades sexuales del Maharishi solamente habían partido de él, y que el incidente que contaba bien podía haber sido inventado, o al menos exagerado por él mismo. Se convencieron de la inocencia del Maharishi, se reconciliaron con éste, y le pidieron disculpas.

Fuese o no cierto, lo que a menudo se pasa por alto, cuando se cuenta esta triste historia, es la influencia que el Maharishi (o al menos la experiencia de haber ido a Rishikesh a meditar durante varias semanas) tuvo en el grupo. Por una cosa, él les apartó del LSD. George se estaba metiendo cada vez más y Paul y Ringo eran ocasionales usuarios, pero John estaba metido de lleno. No es que dejasen las drogas por completo. Continuaron fumando marihuana, y un año después Lennon se metió en la heroína.

No cabe duda de que aparte de otros poderes que la Meditación Trascendental tuviese, bajo su influencia ellos escribieron muchísimo. La principal evidencia es el Doble Blanco, una colección de 30 canciones, más del doble que los anteriores discos de los Beatles… pero eso no es todo. Mientras estaban en la India grabaron una versión acústica de una canción llamada “Spiritual Regeneration”, una especie de sintonía para el programa del Maharashi. Y en mayo del 68, una semana antes de empezar las sesiones del Doble Blanco, los Beatles se juntaron en la casa de Harrison, en Esher, Inglaterra, para juntar todas las canciones que habían salido de la estancia en Rishikesh, cantarlas y decidir cuales grabarían formalmente. Una cinta de 27 canciones salió de esa sesión, y se sabe que todavía había más en el master, que ahora es propiedad de los herederos de Harrison.

La mayoría de las canciones de Esher salieron a la luz en el Doble Blanco. Pero aquí estaban también “Mean Mr. Mustard” y “Polythene Pam” de Lennon, que aparecieron más tarde, en el “Abbey Road”. “What’s the new Mary Jane” también está, aunque parece ser solo una improvisación en el estudio, y la dulce “Child of nature”, que tiempo después Lennon reescribiría como “Jealous Guy” y sacaría en el “Imagine”.

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“Child of nature”
(Esher Tapes)

La única canción de Paul que no salió en el Doble Blanco que hay en la cinta es “Junk”, que no aparreció oficialmente hasta su primer disco en solitario, “McCartney”, en 1.970. Pero la contribución de George es grande. Junto con las editadas en el Doble Blanco, “Piggies” y “While my guitar gently weeps”, la cinta de Esher también incluye “Not guilty”, que volvió a hacer en su disco “George Harrison” de 1.979; “Circles”, que no salió hasta el “Gone Troppo” de 1.982 y “Sour Milk Sea”, que le dio a Jackie Lomax para su primer single en el sello Apple. Harrison dijo en una entrevista poco antes de su muerte que la cinta de Esher podía haberse convertido en un gran “Unplugged” de los Beatles.

Después de todo, el tiempo pasado en la India no fue en vano, y la meditación les hizo más prolíficos. El Maharishi no sería un santo, pero en 1.968 fue una buena cura para la enfermedad que padecía el grupo.

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“While my guitar gently weeps”
(Esher Tapes)

ENERGÍA ELÉCTRICA

Para la Dama de sevillano nombre.

En los comentarios que hicísteis al post que escribí sobre los Bee Gees me sorprendió leer que muchos de vosotros desconocíais los principios de la banda y los descubrísteis prácticamente a raiz de su inmersión en la música disco. Y es que a veces me olvido de que vuestras referencias temporales son diferentes a las mías y doy por sentado cosas que no debería. Y no escarmiento, porque ya me pasó hace años en la radio con los Beatles y algunos años después con R.E.M., entre otros.

Por eso, y en vista de que quería complacer la petición de la Dama con un post sobre AC/DC, partí de la premisa de no dar nada por sentado sobre ellos, aunque su historia sea sobradamente conocida y sea el único grupo de rock extranjero (que yo sepa) que tiene incluso una calle con su nombre en España, y contaros sus orígenes.

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“Highway to hell”
Los AC/DC en toda su plenitud

Quizás os decepcione encontraros con unos AC/DC anteriores a Bon Scott y al rock que les ha hecho mundialmente famosos, pero todos tenemos unas raices y un camino por el que comenzamos a andar… y unos motivos para comenzar a hacerlo. Y los de esta banda se remontan al comienzo de la década de los ’60.

En aquella época, Glasgow, la ciudad donde vivía la familia Young, estaba muy deprimida económicamente y ofrecía pocas posibilidades para la clase obrera. Consecuencias que perduraban de la dura post-guerra británica, que hacía que comenzase a faltar aquí precisamente todo lo que sobraba en Australia, un país que reventaba de recursos naturales pero que no tenía población suficiente para explotarlos, y desde hacía algo más de una década tenía instituído un programa de inmigración masiva, que mantuvo hasta 1.972, mediante el cual los acosados trabajadores británicos y de paises de su influencia podían viajar hasta Australia por el bajísimo precio de 10 libras, llevándose con ellos a sus hijos gratis.

Una de las familias que respondió a esta llamada fue la de William y Margaret Young, que en vista de que en Escocia les era muy difícil mantener a sus ocho hijos, emigraron a Australia en 1.963. Sus hijos más pequeños se llamaban Malcolm y Angus Young, que por entonces solo contaban con 10 y 8 años de edad respectivamente. El siguiente en orden creciente era George, cuya propia experiencia musical iba a ser crucial en la carrera de sus hermanos pequeños. El hermano inmediatamente mayor que George era Alex, que ya era músico profesional por entonces y se quedó en Gran Bretaña cuando el resto de la familia decidió irse. Alex formaba parte de un grupo llamado Big Six, del que la historia se hubiese olvidado de no ser porque fue la banda que acompañaba a Tony Sheridan en los garitos de Hamburgo antes de que fuesen reemplazados por… los Beatles. La relación con los chicos de Liverpool se mantuvo, y a finales de los ’60, con Alex ya en las filas de un grupo de vanguardia llamado Grapefruit, fue de los primeros en fichar por el sello Apple Records.

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Grapefruit “Dear Delilah”

Sin embargo, la introducción en el rock’n’roll de Malcolm y Angus vino a través de su única hermana, la mayor de los ocho, llamada también Margaret, que mientras crecía en Glasgow se hizo adicta a los crudos sonidos del primitivo rock’n’roll de artistas americanos como Little Richard, Chuck Berry o Fats Domino, cuyos discos entraban en la ciudad a través del puerto mercante. Los hábitos musicales de Margaret introdujeron a los dos hermanitos en el poder animoso y elemental de la música negra americana. Y esa fue una de las lecciones más importantes que aprendieron.

Pero… en este nuevo país… ¿podrían encontrarse también con esa clase de música?. En realidad la cultura musical australiana de los años 60 sufría de una esquizofrenia causada por el influjo de los cada vez más británicos que iban llegando con sus ataduras tradicionales y una más moderna obsesión con los símbolos de la cultura pop americana. El rock australiano estaba muchos pasos por detrás de su referente, claro, porque en los USA la explosión del rock’n’roll comenzó con la erosión de las convenciones sociales de la postguerra, y en esta Australia, aislada geográfica y culturalmente, los jovenes aún tenían pendiente la asignatura de la rebelión y compartían gustos musicales con sus padres. Aquí raramente llegaban discos de Rhythm and Blues con los que los jóvenes pudiesen inspirarse para una explosión como la de los jóvenes blancos americanos, y tardaría años en aparecer un grupo de rock local de suficiente credibilidad. De hecho, el más prominente del los primeros rockers australianos era Johnny O’Keefe, una desvaída y sosa imitación de sus predecesores americanos.

Mientras los tres hijos mayores de los Young curraban en fábricas, como su padre, no le llevó mucho tiempo a George descubrir cual era su verdadera vocación; y como en el barrio de Sydney donde se habían asentado había muchos más jóvenes emigrantes tocando en sus garages, no le resultó muy difícil reclutar a cuatro de ellos para que le ayudasen a sacar adelante sus ilusiones de guitarrista y compositor de canciones. Se rodeó de Stevie Wright como cantante, Snow Fleet a la batería, ambos ingleses, y los holandeses Dick Diamond al bajo, y el eterno Harry Vanda a la guitarra con él. Es irónicamente apropiado que el primer grupo verdaderamente significativo de Australia estuviese compuesto por tíos que no eran de allí ninguno de ellos. Fueron los Easybeats.

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Easybeats “Friday on my mind”

Los Easybeats comenzaron a tocar en 1.964 y rápidamente se destacaron del resto de grupos competidores locales. Mucho más frescos y sexys, con un fascinante Wright en primer plano, el quinteto poseía una calidad que les marcó como el primer grupo australiano con el talento, el carisma y la visión para entrar en la escena pop internacional.

Y lo consiguieron varias veces, sobre todo con ese “Friday on my mind” que os he puesto arriba, y que años después elegiese Bowie como una de sus canciones de “Pin Ups”, y que es considerado como uno de los standards del rock. Cuando editaron la canción ya vivían en Inglaterra, pero en Australia seguían siendo dioses y solo una combinación de inexperiencia en los negocios, y de falta de enfoque musical, que les alejó de su audiencia habitual, hizo que se rompiesen en 1.970.

Pero no se puede subestimar la importancia de los Easybeats tanto en la historia musical de Australia como en Malcolm y Angus Young. Como los hermanos crecían cada vez más frustrados por la formal y conservadora sociedad en la que crecían, escogieron el rock’n’roll como una salida a sus frustraciones, una vez que se vieron en el espejo de su hermano.

Angus: En mi familia la música siempre estuvo ahí, probablemente porque había un montón de hermanos que la estaban interpretando desde diferentes generaciones. La música nunca se vió como algo malo, al contrario, era algo bueno… Siempre había por allí un tocadiscos o una radio encendida. Y nunca escuché a mi padre decir: “No puedes oír eso!”, ellos siempre sintieron que mientras más música, mejor.

Pero aún así, Malcolm y Angus nunca fueron animados por sus padres a seguir la senda de Alex y George a la hora de elegir la música como una profesión. Para Angus, los Easybeats fueron una inspiración definitiva, pero Malcolm y él estaban lejos de ellos. En la escuela estabas mal mirado si tu hermano o tu familia eran una mala influencia para hacerte un rebelde. En aquel tiempo era mejor para ellos no ser señalados de esa forma, y sus padres también pensaban que era mejor para los niños estar fuera de eso.

Así que al señor y a la señora Young no debió hacerles ni pizca de gracia que sus dos hijos más pequeños revelaran sus planes de convertirse en músicos de rock.

Malcolm: La verdad es que no nos animaron mucho, papá todavía le decía a George que cuando iba a buscarse un trabajo de verdad.

De todas formas las carreras académicas de Malcolm y Angus no presagiaban demasiadas oportunidades en otras áreas de esfuerzo más convencionales. Malcolm, una vez llegado a Australia, había tardado poco tiempo en labrarse toda una reputación como matón del colegio, y Angus, aunque mostraba bastante talento para el arte, tampoco fue un estudiante muy entusiasta, y solía llevarse muchísimos palos por ello. Recordemos que en aquel tiempo era muy común el castigo corporal en los colegios australianos.

Angus: Era una cosa muy militar, parecían enorgullecerse de mantenerte apartado en la oscuridad. No parecían querer que supieras lo que ocurría en el resto del mundo. Me sorprendió realmente la forma en la que la gente vivía fuera de Australia cuando salí de allí. La gente iba mucho más lejos de lo que yo lo hacía.

Cuando los Easybeats triunfaron, el director de la escuela de Angus descargó sus sentimientos anti rock’n’roll ordenándole que se cortase el pelo y diciéndole que su hermano mayor tenía una profesión para pervertidos. Esto sacó la cara luchadora de la señora Young, que informó al educador de que la familia Young era la única que decidía cuando él tenía que cortarse el pelo. “A ella no le gustaba que fuésemos intimidados por la autoridad”, recuerda Angus.

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“Problem child”

Aunque un niño problemático, en realidad Angus no fue un mal chico, solía escuchar, y para aprender hacía lo que su madre le decía: “Angus, házte a ti mismo un favor, hay una librería calle abajo, ve a ella”. Cuando hacía rabona era el primer sitio al que iba. Era fantástico. Había estanterías llenas de la revista “Down Beat”, de América, que traía artículos sobre Muddy Waters. Y le gustaba leerlos. Así que prefería ir allí, porque esas revistas atrasadas nos las vendían en los kioskos.

Como todos los demás niños de familias de clase obrera, a Angus se le dio la oportunidad de abandonar la escuela antes de los 15 años… y la aprovechó. Aunque en realidad las opciones eran: o te vas o te echamos.

Angus: A los 14 años y 9 meses, que era la edad legal en la que podías dejar la escuela, el director nos alineó a todos y dijo: “Mmmm… bien, chicos… ya teneis la edad… Estooo… señor Young, es usted un vago. Apenas aparece por aquí de todas formas, así queee…”

En Australia en aquel tiempo no había demasiadas opciones al salir de la escuela, en realidad. Las opciones para Malcolm y Angus eran la fábrica. Angus consiguió trabajos de portero y de cajista de imprenta, y Malcolm trabajo como mecánico de mantenimiento de máquinas de coser en una fábrica de sujetadores. Pero mientras curraban duramente en sus poco satisfactorios trabajos durante el día, los dos pasaban las noches tocando en una variada cantidad de bandas locales.

En 1.971, un Malcolm de 18 años se unió a una banda que se llamaba Velvet Underground, pero que, obviamente, no era el grupo de Lou Reed y John Cale, sino otros Velvet basados en ellos, que se habían formado en Newcastle (Inglaterra) cuatro años antes, pero que ahora también habían emigrado a Sydney, y se especializaban en versiones de los Doors y Jefferson Airplane. Ahora con Malcolm, que insistió en hacer también canciones de su héroe Marc Bolan, y con un buen vocalista australiano llamado Andy Imlah, se habían convertido en una banda muy popular en el circuito de clubs musicales. Tanto que la cantidad de conciertos que hacían permitió a Malcolm dejar su trabajo y comenzar a vivir de la música.

El mejor fan de estos Velvet, y que apenas se perdía alguno de sus conciertos, era Angus, que se plantaba en primera fila y no dejaba de mirar atemorizado a su hermano. Por aquella época Angus ya blandía su famosa Gibson SG, tocando informalmente con amigos, y en su casa cuando iban Malcolm y sus compañeros de grupo. Angus había dado algunas clases de guitarra a los once años, pero la mayoría de lo que sabía lo había aprendido por sí mismo y no sabía tocar acordes, lo único que hacía era “solos”.

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“You shook me all night long”
Pues sí… sabía hacer solos…

Pero tenía estilo propio y la mayoría de los chicos, aunque mayores que él, no le despreciaban y le dejaban tocar en sus grupos. Para ellos, Angus era “the baby guitar star”, un sobrenombre que le sentaba a las mil maravillas y que le sirvió para ser conocido en todos los clubs de la zona, porque ya no solo tocaba con las bandas en los ensayos y en ratos perdidos, sino que éstas le llevaban con él a sus conciertos como espectáculo y como acompañamiento, y lograban las dos cosas, porque Angus, además de darles un fantástico apoyo con su guitarra, se tiraba al suelo y rodaba, sin dejar de tocarla; de ella sacaba aullidos infernales. Muchas veces, su espectáculo era el único aplauso que la banda arrancaba en toda la noche. Por lo que Malcolm, que ya no quería seguir haciendo solo versiones y estaba formando la banda de sus sueños, cuando oyó decir estas maravillas de su hermano pequeñajo, le reclutó.

Aunque Angus no estaba muy seguro de lo que quería hacer con su vida, sí que tenía muy claro lo que no quería hacer, así que aceptó aún contra los auspicios de su padre: “Tú y tu hermano juntos en una banda…??? Vais a durar una semana como máximo. ¡Si os llevais como el perro y el gato!”.

Malcolm tenía decidido ser el único guitarrista de este nuevo grupo, aún sin nombre, pero al final, debido a lo bien que le habían hablado de él, decidió meter a su hermano en lugar del teclista. Así que la formación original de los AC/DC, junto a los dos hermanos Young, fueron el vocalista Dave Evans, un bajista holandés llamado Larry Van Knedt, y el batería Colin Burgess, que ya tenía cierta fama en las baquetas porque formó parte de uno de los más conocidos grupos de Adelaida, los Masters Apprentice.

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“Rockin’ in the parlor”
Cara B del primer single. Cantaba Dave Evans

El cantante, Evans, también era inglés, y conocía a Malcolm de los tiempos de la Velvet Underground, y Angus solía meterse con él, diciéndole que era un friki de Gary Glitter. En realidad era un tipo extravagante, que calzaba zapatos de tacón muy alto y tenía una pinta glam que contrastaba muchísimo con la imagen más terrenal que los AC/DC tuvieron después. Como cantante tampoco era demasiado bueno, pero la imagen escandalosa que tenía venía muy bien en aquel momento con la dirección glitter-rock en la que Malcolm se movía.

Angus: Cuando comenzamos no nos preocupaba salir en la radio, ni lo que la gente dijese de nosotros. Lo único que queríamos era salir y tocar rock.

La primera aparición pública del quinteto tuvo lugar en una pequeña sala de Sydney en nochevieja, y le dieron la bienvenida al año 1.974 tocando toda una colección de canciones de los Beatles, los Stones y Chuck Berry. Aunque la banda aún no había encontrado su verdadero sonido, los que les vieron en aquella época están de acuerdo en que, incluso en esta forma tan embriónica, su poder de fuego era impresionante.

En esos momento fue cuando Angus comenzó a vestirse con el uniforme escolar, porque en la primera banda en la que estuvo, ensayaba nada más salir de la escuela y tocaba vestido con el uniforme. A los del siguiente grupo en el que se metió les gustaba esta pinta que tenía y le pidieron que saliese así a actuar. Llamaba mucho la atención, así que cuando empezó con los AC/DC mucha gente esperaba verle salir vestido de escolar.

Aunque Angus ha dicho a veces que ese traje se se lo ponía por cuestiones más prácticas:

Angus: Los pantalones cortos eran más cómodos que los pantalones vaqueros. Cuando empezabas a sudar éstos se te pegaban a las piernas, así que pensé en ponerme calzonas de deportes, de futbolista, pero mi hermana me dio una idea mejor: “¿Por qué no te pones los pantalones cortos del cole? Yo te dejo mi jersey escolar, que ya no uso, le estampas una enorme ‘A’… y ya tienes una imagen…”. Cuando me lo puse pensé que tenía pinta de loco vestido así, y decidí actuar como tal, no me mantuve andando arriba y abajo esperando a ver qué pasaba, sino que formé parte del espectáculo, que cada vez iba siendo más y más estrafalario. Esa siempre fue mi forma de tocar. Si me quedaba quieto no sabía hacerlo. Desde que yo recuerdo, siempre me he movido escuchando música.

Sean cuales sean sus orígenes, la demente personalidad de Angus en el escenario añadió un sentido surrealista del espectáculo a las primeras presentaciones de los AC/DC, ofreciendo un potente, aunque bastante extraño, símbolo de la implícita rebelión social de la banda. En sus primeros días, la pinta del pequeño héroe de la guitarra confundía a las audiencias de los clubs.

Angus: Era como un escupitajo en la cara. La gente pensaba, “esto que es? un chiste?” y nos miraba con una sonrisa sarcástica. Y Malcolm me decía: “Cállalos. Tú sabes tocar”… estaba bien, porque ellos salían recordándonos por ese pequeñajo de pantalones cortos que parecía que estaba sufriendo un ataque epiléptico.

De acuerdo a fuentes cercanas, fue tambien a su hermana Margaret a la que se le ocurrió el nombre de AC/DC, cuando vió el letrerito con esas letras en su máquina de coser eléctrica. Angus también había visto ya el letrerito en la aspiradora de su madre. Y los hermanos Young siempre han mantenido que el nombre es una referencia a las dos formas de corriente eléctrica y no a la orientación sexual. Dicen que no tenían ni idea de que esas letras fueran un término que se usaba para la bisexualidad.

Pero a pesar de que denegasen tanto estas connotaciones sexuales, siempre les preguntaban por ellas en las entrevistas, y la confusión proliferó tanto que incluso les llamaban muy a menudo para tocar en clubs y fiestas gays, y ellos siempre aceptaban, porque la cosa no estaba para ir dejando de ganar de dinero.

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“Can I sit next to you girl”
La primera canción grabada por AC/DC

Para abril del ’74 la sección rítmica original de la banda había sido sustituída dos veces y ahora estaba formada por el bajista Rob Bailey y el batería Peter Clack. Esta fue la formación que sacó el primer single del grupo, una composición de Malcolm y Angus llamada “Can I sit next to you girl”, con la producción de George Young y Harry Vanda. Aunque no fue un principio muy notable, la canción tuvo cierto éxito en los ambientes de Perth y Adelaida.

Malcolm, mientra tanto, había sido invitado por su hermano George a contribuir con algunas lineas de guitarra al disco “Hard Road”, que estaban produciendo él y Vanda para Stevie Wright, el que fuese cantante de los Easybeats, que desde que esa banda dejó de existir había caído en brazos de la heroína y no le redimía ni el Jesucristo al que interpretaba en el “Jesus Christ Superstar” que representaba en Sydney. “Hard Road” fue un éxito considerable, debido sobre todo a la canción “Evie”, y los AC/DC fueron contratados para telonear a Stevie en un gran concierto en el Sydney Opera House, donde Malcolm tuvo doble trabajo, primero con su banda, y luego respaldando la actuación de Stevie.

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Stevie Wright “Evie”
Malcolm Young a la guitarra

Ahí fue donde AC/DC se dieron realmente a conocer a los medios de comunicación nacionales, que les proclamaron como “una fuerza que tenía que ser reconocida, tienen una pinta fantástica y su sonido también lo es. Tocan muchas versiones pero parte del material de la banda es original, e indudablemente llegarán a ser muy populares en cuanto den un poquito más de sí”.

George Young seguía siendo clave en los primeros éxitos de AC/DC, no solo por su habilidad en la producción, sino también a través de la gran experiencia adquirida en sus días con los Easybeats. Consciente de los contratiempos que su propia banda había sufrido como resultado de su inexperiencia e ingenuidad, George usó toda su sabiduría adquirida para prestar una valiosísima ayuda a los AC/DC y no permitir que repitiesen muchos de sus errores. Y uno de los principales era mantener el contacto con las raices del rock’n’roll, cosa que los Easybeats habían dejado de hacer una vez que comenzaron a experimentar con estilos más eclécticos.

Aunque en los últimos años Malcolm y Angus pintasen los primeros días de los AC/DC como un ascenso desde la total oscuridad (y obviamente una parte de razón sí que llevan), la verdad es que la banda se benefició bastante de las conexiones y guía de George Young y Harry Vanda, y de las fuentes financieras que conseguían a través de ellos. George en particular fue indispensable a la hora de construir el sonido marca de fábrica de AC/DC, centrándose en el poder crudo de la banda, sin intentar limpiarlo para el consumo de las masas.

Angus: Era increíble lo rápido que nos pasaban las cosas. George sabía con quien había que contactar en los estudios de grabación y en las emisoras de radio para hacérnoslo todo mucho más fácil.

Pero por mucha ayuda que tuviesen en los estudios y en los reinos de los negocios, una vez que subían al escenario, eran ellos mismos.

Angus: Eramos la única banda de Australia que tocaba material original. Los demás hacían cosas de Led Zeppelin o Deep Purple, pero nuestra vista iba mucho más allá.

Y tan allá llegaron como su vista alcanzaba… y mucho más lejos aún. Pero eso ya es historia conocida.

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“Can I sit next to you girl”
El primer single con mejores medios… y mejor cantante, en el “High Voltage”.

LOS OJOS Y LOS OÍDOS LLENOS DE ALEGRIA

Para Mityu, musa de este post.

Hoy voy a emplear pocas palabras. Hoy sobre todo os traigo imágenes. Todas ellas de gran belleza. Y no solo física.

Les debo mucho a todas estas mujeres. Me han acompañado en los mejores y los peores momentos; en los ratos de soledad y en los de compañía; en los largos viajes en coche por las carreteras andaluzas en busca de hospitales con máquinas que reparar; en los largos ratos de papeleo de despacho y de trabajo técnico de taller; se han leído a mi lado infinidad de libros…

Son las mujeres que hacen la música que amo. Poppies, vanguardistas, rockeras, locas, intimistas, dulces, feroces…

Hay tres slideshares con sus fotos y unas palabras que se me han ido ocurriendo a medida que las iba subiendo. No te diré quienes son para que las mires un poco mejor buscando si tú también las conoces. Y así ocurrirá en la mayoría de los casos. Por supuesto, lo que yo piense de ellas no tiene porqué coincidir con tu propia opinión; seguramente tú las describirías de otra forma… ahí tienes la sección de comentarios para que lo hagas. Y para que nos hables de tus favoritas. Y para que nos digas a quienes conoces y a quienes no de las mías. Y para que nos digas qué te parecen.

Y para que vosotras pidais un post igualito, pero lleno de hombres…


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A todos nos recuerda algo, por eso ha sido la musa de tantos músicos más jóvenes.

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Los colores de su arco iris pintaron infinidad de canciones de otros artistas.


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Su voz estaba a la altura de su cara… y su cuerpo en un ceñido vestido negro semi transparente, ni te cuento…

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…si vieras como mueve su vientre en el escenario… y como hace bailar a su ombligo…


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Pionera en tantas cosas…

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…suavemente.

…las adoro a todas.

ME PASO EL DÍA BAILANDO

Para Lula y Nancicomansi. Fans

Como últimamente hay menos comentarios que contestar (toma ya indirecta…!), me pongo a repasar los últimos posts… Dory Previn, Kaki King, Stockhausen, montones de negros de las épocas prehistóricas, decenas de canciones que no conoce ni Dios… ¿no estaremos traicionando nuestra línea editorial…? Sí, hombre… la parte ésa donde dice: “Eso sí, me temo que no servimos para hacer reseñas de novedades o para andar descubriendo o recomendando artistas…”.

Puede ser, puede ser. Así que me he decidido a escribir esta vez sobre alguien que todo el mundo conoce, de quienes sois capaces de tararear la mayoría de sus canciones, y a quienes identificais al primer golpe de vista… ¿Qué no…?

Que sí.

Y además algunos de vosotros sois fans confesos. Y seguro que, al igual que le pasaba a Kevin Klein en “In & Out”, se os van los pies en cuanto comenzais a escuchar esto:

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“You should be dancing”

Oye… ¿y por qué esta admiración por una banda como ésta… por cierto, aún no os había dicho que son los BEE GEES… cuando en realidad siempre los vimos ridículos? No me digas que incluso tú, que eras su fan namber uán, cuando oías esos falsettos chillones, cuando les veías vestidos con esos monos de fru-frú, no sentías lástima por ellos…?? ¿No te daban grima sus dientes tan blanquísimos y sus desconcertantes peinados? Puede ser, puede ser… pero lo que los enteraíllos nunca les perdonamos fue que dieran lugar a una nueva ola musical que llenó de basura las tiendas de discos y las emisoras de radio. Y por eso siempre tendrán nuestra eterna hostilidad.

A finales de los años ’70 la odiada música disco recibía patadas por todos los lados: los negros abjuraban de ella porque estaba diluyendo el verdadero funk, y los rockeros porque estaba castrando el espíritu rebelde de su música, y los dos bandos se ponían de acuerdo a la hora de menospreciarla porque estaba elevando a los altares virtudes musicales que eran femeninas y, lo que es peor, gays… el divismo, los rítmos sintéticos, todo lo pegadizo…

Los Bee Gees no eran ni mujeres, ni gays, pero siempre (sobre todo después del “Saturday Night Fever”) fueron vistos como un grupo demasiado “hartible” (con h aspirada, please) como para prestarles atención. Tened en cuenta los lectores más jovencitos que en aquellos años ser peluquero de señoras era como decir “soy gay” y, admitámoslo, los Bee Gees tenían más pinta de peluqueros que de otra cosa… joé!, si hasta uno de ellos se llamaba moooriiisss…

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“Too much heaven”

Así y todo lograron triunfar, porque también hemos de reconocer que su despreocupada forma de cantar y sus lujosos y elegantes rítmos urbanos llenaban hasta la bola las discotecas del mundo entero, en las que por mucho cuerpo sudoroso que hubiese en la pista siempre olía a colonia.

Lo malo es que se empeñaron en mantener a toda costa el buen olor de este éxito, e incluso comenzaron a llegar los advenedizos que siempre acechan para subirse en marcha, y hasta Tony Manero comenzó a aburrirse de tanta tomadura de pelo que nos estaban colando, por lo que llegaron las horas bajas para los Bee Gees también. Y lejos de reciclarse (como Loquillo en cantautor, por ejemplo), pensaron que para ellos repudiar la música disco sería como si la Reina Madre hiciera un llamamiento para abolir la Monarquía, e insistieron en continuar hudiéndose, lastrados por baladitas ñoñas y repetitivos himnos de sábado noche.

Sus fans cada vez estaban más creciditos e hipotecados como para bailar en las discotecas con sus canciones, y las generaciones nuevas optaban por bailar con las Destiny’s Child y Boyzone, que hacían más o menos lo mismo, pero eran más modernillos. Pero antes de llegar a este triste desenlace, la novela de la vida de los Bee Gees también tuvo un planteamiento y un nudo… así que hagamos un poco de historia.

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“New York mining disaster 1.941”

La verdad es que comenzaron sensacionalistas, hablándonos sobre unos mineros atrapados bajo tierra en espera de ser rescatados, en “New York mining disaster 1941”, la canción con la que empezaron a asomarse a las listas de éxitos, una vez regresado de Australia, con la incorporación al grupo de los posteriormente olvidados Vince Melouney a la guitarra y Colin Paterson a la batería. Su segundo single fue “To love somebody”, una canción que quería imitar el soul británico de bandas como el Spencer Davis Group, y que funcionaba muy bien, y aún mejor en la versión que hizo Janis Joplin, que le daba mayor profundidad emotiva. En el tercer movimiento cambiaron de registro y se decantaron por una balada country sentimental y grandilocuente, del estilo de las de Jimmy Webb; fue “Massachusettes”, llena de pianos empalagosos y melodías más chillonas que el amarillo chillón.

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“Massachusetts”

Y así continuaron durante los últimos años 60, con los dos australianos deportados a su país por problemas de drogas y los tres hermanos sacando canciones como “First of May” o “How can you mend a broken heart?”, de las que tendrían que haberse avergonzado. Menos mal que con la entrada de la nueva década de los 70 cambió el sentido de la corriente y la fórmula de las baladas terminó por agotarse. Su manager, Robert Stigwood, que siempre ha demostrado saber qué se trae entre manos (bueno… casi siempre; recordemos la película del “Sgt. Peppers” que hizo), contrató a Arif Mardin, el productor del sello de los más grandes del soul, Atlantic, y puso en sus manos a los hermanos Gibb. Aún así éstos eran reacios a dejarse caer en los brazos del funky y sus primeros pasos por él fueron bastante dubitativos, de ahí que su LP “Mr. Natural” fuese una cosa de transición más que nada.

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“Jive talkin'”

Pero la insistencia de Arif dio sus frutos y en 1.975 comenzó a llover el maná del cielo del boogie. Las guitarras que les arropaban comenzaron a desmelenarse y una chulesca intro de bajo sintetizado abrió paso a “Jive talkin’”. Después aprendieron a hacer esas voces que tanta estela dejaron tras ellos (y eso que al principio ni siquiera les gustaba esa forma de cantar) y las estrenaron en “Nights on Broadway”. Su sonido se hizo llamativo, ellos estaban encantados, y con el climax de “If I can’t have you” los Bee Gees ya parecían unas valkirias etéreas.

Si en sus anteriores canciones las voces eran dominantes, ahora estaban sumergidas dentro de las mezclas y remezclas, junto a la guitarra de Alan Kendall y la batería de Dennis Byron, y sometidas por completo a la verdadera estrella del producto final y acabado, que era la producción. La brillante producción discotequera llena de humo y espejos refulgentes que resonaba a todo volumen en cualquier aparato que fuese capaz de reproducir un disco o una cassette.

Esa fue la abdicación definitiva de los Bee Gees. Algo que los rockeros más puristas nunca les perdonaron, pero que a ellos les permitió comerse el mundo. El torrente que fue su siguiente single, “You should be dancing”, solo era el anuncio del auténtico tsunami que vendría tras él.

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“Stayin’ alive”

Aún hoy, comenzar a escuchar los primeros compases de “Stayin’ alive” y sentir unas punzaditas de imposible excitación, todo es uno. Cuando comienzan con sus famosos “aah, ah, ah, ah” la interacción entre las voces y las cuerdas muestran hasta qué punto estaban estas (ahora ya sí) grandes estrellas integradas en su suntuoso mundo de sonidos. Un nuevo alarde de Robert Stigwood, que les coló en “Saturday night fever” aprovechando que él era el productor (y vaya como se forró con la película), les hizo inmortales. Además de esa anterior canción estaba la gloriosa “How deep is your love”, con su serpenteante melodía; “More than a woman”, una canción que repetía además en la banda sonora el grupo Tavares en clave de sonido Philadelphia, que posiblemente le fuese mejor, pero que a quien coño le importaba; estaba también… y en esos puntos suspensivos pon la que quieras, que no desmerecerá. Con más de 30 millones de copias, “Saturday night fever” se convirtió en el LP más vendido de la historia del pop hasta que llegó Michael Jackson con su “Thriller” debajo del brazo.

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“Night fever”

Después de semejante éxito, sus siguientes canciones tenían que funcionar bien aunque solo fuera por inercia. Y exáctamente ocurrió así, porque “Tragedy” o “Love you inside out”, aunque grandes éxitos también, pero eran mucho más artificiales. La gloria se les subió a la cabeza; Barry Gibb se sentía a la misma altura que Barbra Streissand, tanto como para grabar una canción a dúo con ella, o para sentirse tan por encima de sus propios hermanos para amenazarlos incluso con irse con la música a otra parte, es decir, a escribir canciones y producirlas para otros.

Y en realidad lo hizo, aunque no solo. Al final se reconcilió con los hermanos y les compusieron grandes éxitos a Kenny Rogers y Dolly Parton (“Islands in the stream”), también a Dionne Warwick (“Heartbreaker”), a Frankie Valli (“Grease”)… incluso cantando ellos mismos tuvieron su canto del cisne con “You win again”, con la que de nuevo llegaron al número 1. Pero la siguiente canción, “One”, en realidad era prácticamente el “Jive talkin’” regrabado, y desde entonces poco más hubo que fuese digno de mención.

Ya veis… después de todo, los Bee Gees sí que han sido un grupo significativo y que ha tenido canciones de altura. Sobre todo en su cúspide de los últimos años 70. Por eso es inesperada la sorpresa final con la que cerramos esta novela sobre su vida, con unos Bee Gees haciendo ya en su retiro algo que no hicieron cuando hubiesen debido; renegaron de esa fase de su vida con declaraciones como: “En realidad nunca hubo un elemento de baile consustancial a nuestra música”… ???

Ahora que todo el mundo lo está haciendo sin pudor de ninguna clase, me parece que ya también va siendo hora de que los Bee Gees salgan de su armario disco.

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“You win again”

LUCES DE HOLLYWOOD

Existen numerosas leyendas e historias sobre el mítico Hollywood, sobre todo referentes a las saturaciones emocionales y a los derroches de amor libre que tuvieron lugar en sus llanuras de neón a finales de los años 60. Parecía inevitable que un colapso estuviese acechando a la vuelta de la esquina, aunque la mayoría de la gente estuviese demasiado atada con sus propias cuerdas psicodélicas como para verlo venir. Hubo una perona, sin embargo, que aún atrapada de lleno por la vorágine, pudo salir de ella sin excesivas cicatrices y contarnos la experiencia en sus canciones. Y ahora las han reeditado, así que es el momento justo para hablaros de DORY PREVIN.

Dorothy Veronica Langdon (su verdadero nombre) nació en 1.929 en el seno de una estricta familia católica irlandesa de New Jersey, por lo que toda su vida ha estado marcada por la extraña unión que establece la religión entre culpabilidad y devoción. Desde que nació tuvo una niñez difícil, porque Dory se vió inmersa en el tira y afloja entre una madre alcohólica y un padre violento, quien debido a que durante la Primera Guerra Mundial padeció los gases enemigos, creía que era estéril (aunque en realidad fue un perturbado mental desde entonces) y que Dory no era hija suya, sino el fruto de la infidelidad de su esposa.

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“I ain’t his child” (Del “On my way to where”)

Mi padre dice que no soy su hija…

Mi cabello es rizado,
mis pecas son color canela;
mi padre podía ser
el hombre de la basura.
Mis piernas son rechonchas,
mis dedos son cortos
como los de mi tío Will,
que es jugador de bolos.
Mis ojos están achinados
como los del señor Woo.
Eh! Oiga, señor de la lavandería,
¿Soy suya?!
Soy tan fea como Steve
con su enorme bigote.

Aún así, adoraba a la niña. Escribía canciones para ella, la llevaba a concursos de talentos… pero de pronto su mujer le anunció que estaba embarazada de nuevo y la noticia fue demasiado para él. Enloqueció hasta el punto de mantener encerrada a su familia en su casa durante más de un mes a punta de pistola.

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“With my daddy in the attic” (Del “On my way to where”)

Con mi padre en el ático
es donde de verdad quisiera estar.

Ahí es donde radica mi oscura atracción
por su locura, en la mesita de noche,
junto a la pistola cargada
y la terrible proximidad de sus ojos.

Sin vecinas espiando por la ventana,
ni maridos en el futuro
que se metan en nuestro ático…

Y aunque Dory siempre fue de salud (tanto física como mental) muy delicada y quebradiza, a los 16 años voló del hogar rumbo al sueño dorado de Hollywood. Durante bastantes años tuvo que pasar por los habituales oficios de camarera, cantante de bares, bailarina, corista, empleada de gasolinera… por fin le sonrió la suerte y consiguió un empleo como letrista de canciones para la Metro Goldwin Mayer, donde la pusieron a trabajar junto a André Previn, con el que enseguida congenió tanto como para enamorarse mutuamente. Incluso André, viendo su potencial, la ayudó a grabar sus propias canciones en un disco, “The lepreachuns are upon me”, que se editó el mismo día que nació éste que les escribe, con su nombre real de Dory Langdon.

Se casaron en 1.959 y formaron juntos un tandem artístico de primera clase a lo largo de los años 60, logrando innumerables triunfos con las canciones que escribían para el cine. En aquella época fueron nominados para el Oscar a la mejor canción en dos ocasiones, con “The faraway part of town”, que cantaba Judy Garland en la película de Cantinflas, “Pepe”, y con “A second chance”, la canción que Jackie Cain cantaba en la fantástica película de Robert Wise, “Cualquier día, en cualquier esquina”. Los grandes cantantes de Hollywood vendían su alma por poder grabar las canciones con las letras de Dory y la música de André: Doris Day, Bobby Darin, Sammy Davies, Tony Bennett…

Pero en 1.965, Dory tuvo un fuerte ataque de nervios en el interior de un avión (“Alguien en mi asiento está gritando”… les decía llorando a las azafatas). Fue tan grave que tuvo que ser recluída algún tiempo en un psiquiátrico, pero Dory renació como el Ave Fénix de sus propias cenizas y disfrutó de cuatro años de máximo apogeo estelar y económico. La banda sonora que escribieron para “El valle de las muñecas” se pasó seis meses seguidos en la lista de superventas, y Dionne Warwick llevó a la cima de las listas la versión que hizo de la canción principal; hasta Frank Sinatra grababa sus canciones.

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“The Valley of the Dolls” (Del disco de igual título)

Y en 1969 le llegó la noticia de que su amiga Mia Farrow, de solo 24 añitos entonces, estaba embarazada de André Previn, y los sobreexcitados genes paternos actuaron sobre ella. Junto al divorcio y la boda de André y Mia, para Dory vino un periodo de electroshock y de terapia Gestalt, en la que fue animada por los psiquiatras a escribir sobre su vida, a usar la poesía y la música como medio para su propia recuperación. El resultado fue “On my way to here”, de 1.970, una colección de sketches negros de vaudeville, que incluían “Michael, Michael”, sobre un tío güeno, de gimnasio y coches caros, envenenado por el amor materno; o “Twenty mile zone”, que comienza con Dory gritando, sola, en su coche, y termina con todos nosotros gritando para ser liberados del zoo humano. O esta “Beware of young girls” (“Cuidado con las jovencitas”), en la que fantaseaba con el asesinato de Mia Farrow:

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“Beware of young girls” (Del “On my way to where”)

Cuidado con las jovencitas
que llegan a tu puerta
melancólicas y pálidas,
con sus veinticuatro años,
trayendo margaritas
en sus delicadas manos.

Cuidado con las jovencitas
que tantas veces ansían
llorar en una boda
y baliar sobre una tumba.

Ella era mi amiga,
sí… mi amiga.
Y yo la invitaba a mi casa.
Creí que ella sabría
que mi amor era de verdad,
que mi amor no era cualquier cosa.
Pero ella admiraba mi anillo de casada,
y mi cama deshecha.

Pensé que sus motivos eran sinceros.
Pero la chavala tenía otra miras.
Vaya si las tenía!
Un plan oscuro y diferente:
Lo que ella admiraba de verdad
era a mi propio y dulce marido.

Y ella se lo llevó de mi vida
Ella, tan joven y tan creída,
me trajo el dolor.
Pero fui lo bastante prudente
para no decir
que ella le dejará.
El día menos pensado,
ella le dejará
…para siempre.

Las voces que oía en su cabeza le habían apartado definitivamente del glamour, para oscurecer su estilo desde entonces, dejando atrás del todo clásicos de tan solo unos meses atrás como “Come Saturday morning”, una canción ahora musicada por Fred Karlin e interpretada por The Sandpipers, que le valió su tercera nominación para el Oscar, al ser incluída en la película “El cuco estéril”, en la que veíamos a una joven Liza Minelli, nominada también para el Oscar a la mejor actriz por vez primera.

A pesar de la naturaleza personal de su trabajo, confesado así por ella misma, las canciones de Dory quedan como un valioso documento de la quiebra de una nación, visto por una escritora que documentó los hechos para aliviarse a sí misma de las consecuencias de haberlos padecido. Ya fuese escribiendo como ella misma, o al dictado de las muchas voces que habitaban en el interior de su cabeza, las siniestras canciones de Dory revelaban el dolor, los juegos, las mentiras y la soledad que se escondía detrás del mito del amor libre californiano. Escribía y cantaba para sí misma, como terapia para vaciarse… pero sus palabras son universales y conmueven los sentimientos de todo el mundo, hieren, son reales.

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“A stone for Bessie Smith” (Del “Mythical Kings and Iguanas”)

Ella compró una lápida para Bessie Smith.

Pero olvidó que así no pagaba por lo suyo.
Olvidó que así no pagaba
por todos los contratos
y canciones que le habían hecho.
Ella fue a la tumba de Bessie
y la marcó con una lápida.
Pero todavía tendría que pagar por lo suyo…

Janis fue una jugadora
que perdió su apuesta,
y el tiempo vino
para liquidar su deuda.

En realidad eran cosas que salían a la superficie, que Dory tenía enterradas en su interior sin ser capaz de articular, y las voces se las enseñaron y se las explicaron; y un día dejaron de ser algo que la amenazase y se convirtieron en algo que podía mostrarle cosas a las que no se quería enfrentar. Cuando la terapia funcionó las voces la sorprendieron yéndose para no volver más… pero detrás dejaron una fastuosa estela formada por otros tres discos más: “Mythical Kings And Iguanas”, “Reflections In A Mud Puddle” y “Mary C. Brown And The Hollywood Sign”.

Su despedida del mundo de la oscuridad quedó plasmada en la letra de la canción que musicó Gato Barbieri para “El último tango en París”:

No existimos.
No somos nada más que sombra y niebla.
Nos miramos en el espejo cuando pasamos ante él
Y su cristal no revela ningún reflejo de nosotros.
¿No sabes que la sangre que corre por tus venas
tiene tan poco tiempo de vida como la lluvia de ayer?
Todo es un juego en el que disimulamos
La confusión que sentimos…

Somos dos ilusiones haciendo el amor
No por elección, sino por la casualidad
De una canción que nos rompió en el pasado,
De un tango que juramos que sería el último.

Somos sombras que danzan…

Después, ya en 1974, se fue a la Warner Bros. Y su estilo se hizo más abstracto y optimista. Allí grabó dos discos más, “Dory Previn” y “We’re Children Of Coincidence And Harpo Marx”, llenos de humor chispeante e ideas extravagantes.

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“Did Jesus have a baby sister?” (Del “Dory Previn”)

¿Tuvo Jesús una hermanita?

¿Y era odiosa?
¿O era dulce?
¿Ingresó en un convento?
¿O acabó en las calles?

¿Tuvo Jesús una hermanita?

¿Le dieron a ella esa oportunidad?

¿Tuvo Jesús una hermanita?

¿Hablaría ella mucho,
o la Virgen María le diría:
“Pregúntale a tu hermano,
él es el que está a cargo,
él es el jefe,
él es la nata de todos los pasteles”?.

La anunciación del nacimiento de su hermano
fue una cosa muy grande, creo;
y aunque ella fuera una niña preciosa
apenas habría noticias en la prensa local.
Su madre era virgen
cuando le llevaba a él en su interior.
Y si la niña hubiese venido después,
entonces…¿habría sido concebida en el pecado?
¿Y nacida con dolor?
¿Y sufrimiento?
¿Y culpabilidad?

¿Tuvo Jesús una hermanita?

¿Como se llamaba?

¿Crecería ella también para llegar a ser salvadora?
Y en su habitación le susurraría a su espejo:
¿Salvadora? ¿Salvadoresa? ¿La que salva?…

¿Tuvo Jesús una hermanita?

¿Estaría ella allí cuando él murió?
¿Y lloraría consolando a María
cuando le viese a él en la cruz?

Y en 1.976 dejó de grabar canciones. Pensó que ya había dicho todo lo que necesitaba decir. En sus canciones había un montón de confesiones y reconocimiento de errores, y una vez que admites eso, otras personas comienzan a admitirlo. Y ya no era necesario seguir. Desde entonces hasta ahora ha estado escribiendo historias, relatos, guiones y canciones para televisión (incluso ganó un Emmy)… tan solo rompió su reclusión musical en el 2.003 grabando el disco “Planet Blue” como protesta contra la guerra iniciada por Bush contra Irak, y dejándolo gratuitamente en la red a disposición de todo aquel que quisiese descargárselo. Una clara demostración de que a sus casi 80 años Dory aún es capaz de unir lo extremo y lo bello en unas canciones que reflexionan profundamente sobre el estado del planeta y las consecuencias que sobre él están teniendo la estupidez, la crueldad y la negligencia de los seres humanos.

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“Comes the bomb” (Del “Planet Blue”)

Llega la bomba.
Terminarás como una fricandó de pollo muy hecha.
Todas las almas irán al agujero.
Pero yo no, yo no, yo no!

Tendrás anemia, y un toque de leucemia.
Será deplorable.
Todos sereis mutantes por la contaminación.
Pero yo todavía seré adorable!

Tú tendrás anemia y leucemia
mientras yo estaré ganando dinero.
Tu te irás al carajo de una sobredosis
de cachondeo radiactivo…

Tú serás un facsimil de lo que era un ser humano.
Todos ireis de cabeza al Armagedón.
Pero yo no!

Actualmente está escribiendo un libro, en el que vuelca los sentimientos que antes poblaban las letras de sus canciones. No se puede decir aún cuando se editará porque tiene que pulirse bastante.

Si no fuese así podrían reprenderme y decirme: “Eh… no es tan bueno como tu último disco”.

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“Her mother’s daughter” (Del “Mythical Kings and Iguanas”)

Mira a la dulce y gentil señora
de cuerpo tan fino y frágil.
Mírala todas las mañanas
haciendo punto en la ventana,
donde pasa las horas sentada
mientras espera la publicidad que trae el cartero.

Mira a la gentil dama,
sorbiendo limonada con lima.
Una vez ella quiso ser una princesa
de las que salen en los cuentos con final feliz.
Ahora el empleado del supermercado
se ha hecho amigo de su gato,
y ella le agradece su tiempo.

Crecerás convertida en una belleza,
le decía siempre su madre,
así que tómate tiempo para elegir
al chico con el que te vas a casar.

¿Está bien éste, madre?
Oh, ho, mi querida hija,
habrá alguno mejor;
espera otro año.

¿Está bien éste, madre?
¿Es el marido que busco?
No, no es lu suficientemente bueno, hija mía,
espera otra semana.

Su padre murió un invierno
y la idea fue rápidamente desechada.

Oh, madre ¿puedo casarme ya?
No, te necesito aquí.
Te lo suplico, hija mía,
no me puedo quedar sola.
Si me quieres quédate,
si me quieres, quédate en casa conmigo.

Joder, madre, como te odio!
nunca sabrás cuanto!
Tendré que estar pegada a tí hasta que me dejes.
Podría matarte mientras duermes,
y sonreiría viéndo como se te escapa la vida
con la sangre fluyendo a través de tu enredado pelo.

Sí, por supuesto que te quiero, madre.
Nunca te dejaré, querida.
Lo juro.

Mira a la dulce y gentil dama,
comprando juguetes llenos de lazos
y visitando a aburridos conocidos
para aplaudir piezas de piano,
interpretadas por sobrinos y sobrinas.
Ella escucha la alegría de los demás,
y mira llena de nostalgia
a todos aquellos hombres que pasaron.

Sí, por supuesto que te quiero, madre.
Nunca te dejaré, querida.
Lo juro.